VAN HALEN - Van Halen (1978)

ALBUM: Van Halen

 
El álbum debut de estudio publicado el 10 de febrero de 1978. Es considerado como uno de los mejores álbumes debut del rock. El disco alcanzó el #19 en el Billboard 200 de EE. UU. y ha vendido más de 10 millones de copias en los Estados Unidos.

Después de años de que las bandas europeas dominaran en gran medida la música hard-heavy rock, los Estados Unidos finalmente tenían una banda que podían ofrecer con orgullo como un verdadero competidor en ese campo. La marca de Van Halen de pop-metal californiano era lo suficientemente accesible como para obtener una reproducción constante en la radio FM, pero también lo suficientemente abrasiva a veces para satisfacer a los fanáticos del heavy rock tocando de manera más agresiva.

Este disco contiene algunas de las canciones más conocidas de la banda, como "Runnin' with the Devil", "Ain't Talkin' 'bout Love", "Jamie's Cryin'", su versión de la canción de Kinks de 1964 "You Really Got Me", y la instrumental "Eruption"; interpretado y escrito por el guitarrista Eddie Van Halen. Se considera que esta última canción contiene uno de los mejores solos de guitarra de todos los tiempos con la popular técnica de tapping a dos manos.

Este trabajo fue revolucionario, ya que estableció el marco de cómo sonaba el rock & roll durante la próxima década o más. Extrañamente, este disco no recibe el máximo crédito que merece en comparación con otros álbumes "similares" lanzados anteriormente - ejemplos, Sex Pistols, Ramones, Led Zeppelin - como un verdadero "game changer", pero no nos equivoquemos, "Van Halen" fue (es) tan monumental, tan sísmico como esos discos. Ha demostrado ser uno de los álbumes más influyentes de los últimos cuarenta años. Sin excepción, todas las bandas de pop rock o "hair metal" pueden rastrear sus raíces hasta este lanzamiento.

Y aunque mi disco favorito de Van Halen es "1984", este debut es una escucha regular y es muy cercana en calidad e impacto. De hecho, David Lee Roth fue entrevistado por Jay Mohr para su podcast, donde seleccionó el álbum debut "Van Halen" como su grabación favorita de Van Halen.

Portada del álbum:

 
Las fotos de portada del disco "Van Halen" se tomaron en el "Whisky a Go Go", un club de Los Ángeles en el que Van Halen solía actuar a mediados de la década de 1970. La guitarra que se muestra en la portada es la firma Frankenstrat de Eddie Van Halen, una guitarra estilo Stratocaster altamente personalizada construida con piezas de repuesto.

Las notas agradecen al disc jockey de radio Rodney Bingenheimer y al bajista de Kiss Gene Simmons, a este último generalmente se le atribuye el descubrimiento de Van Halen.

 

Estrellas de Rock - Eddie Van Halen y David Lee Roth:

Además del renacimiento del Hard Rock, este álbum también destacó dos talentos extraordinarios: Eddie Van Halen y David Lee Roth.

Eddie Van Halen:

Este disco presentó al mundo al joven prodigio de 22 años llamado Eddie Van Halen, quien esencialmente revolucionó la forma de tocar la guitarra de rock con sus interpretaciones. Es realmente una clase magistral en técnicas de guitarra triturada, incluidos sus característicos arpegios golpeados con dos manos, armónicos artificiales y naturales, manipulación de barra de golpe, selección de trémolo y escalas simétricas inusuales. También era un arquitecto de sonido talentoso que había personalizado tanto sus guitarras como sus amplificadores Marshall para crear su increíble tono característico. Si bien sus dotes técnicas se muestran por completo a lo largo de este álbum, el instrumental "Eruption" es realmente su hazaña. Desde Jimi Hendrix, ningún guitarrista había desarrollado un enfoque tan único e influyente para tocar la guitarra.

David Lee Roth:

Conocido por su personalidad salvaje y enérgica en el escenario, "Diamond" David Lee Roth es el líder perfecto para Van Halen, o para cualquier banda de rock. Con su apariencia más grande que la vida en el escenario, el hombre era una estrella natural. Alto, apariencia tipo surfero de California, atlético, un radiador de sexo, gran cantante y puro carisma.

Canciones:

"Ain't Talkin' 'Bout Love" es una canción favorita entre los fans del álbum. “Ice Cream Man” actualizó el enfoque del blues. "Feel Your Love Tonight" uno de los mejores riffs de guitarra de todos los tiempos. Más buenas canciones; "Runnin' with the Devil", "I'm the One", "Jamie 's Cryin'", "Atomic Punk" y "On Fire". Son todos simplemente grandes temas de rock. Y por supuesto está "Eruption", un breve instrumental con el ahora icónico solo de Eddie Van Halen que conmocionó a los guitarrista de todo el mundo y cambió la forma de tocar la música rock desde entonces. 

Track por Track review:

El álbum comienza con "Runnin' with the Devil", una canción poderosa y enérgica que muestra el talento en bruto de la banda y marca la pauta para el resto del álbum. El trabajo de guitarra de Eddie Van Halen es excepcional, y la voz distintiva de David Lee Roth agrega un estilo único.

"Eruption" es un instrumental breve pero icónico que destaca las habilidades virtuosas de la guitarra de Eddie Van Halen. El corte es un testimonio de sus técnicas innovadoras, como el golpeteo con los dedos, que influiría en innumerables guitarristas en los años venideros.

Video de "Eruption":

La versión de la banda de "You Really Got Me" de The Kinks es una versión destacada del álbum, que transforma el original en un himno de rock duro. La interpretación de la banda agrega un toque más pesado y agresivo a la canción, haciéndola propia.

"Ain't Talkin' 'bout Love" es otro momento culminante, con un riff pegadizo y un coro memorable. La canción muestra la habilidad de la banda para combinar el hard rock con la sensibilidad del pop, creando un sonido que se convertiría en su estilo característico.

"Jamie's Cryin'" es una canción melódica que demuestra la versatilidad de la banda, ya que pasan sin esfuerzo del hard rock a un sonido más orientado al pop. El estribillo pegadizo de la canción y la letra identificable la convierten en una de las favoritas de los fans.

El álbum también presenta canciones como "Atomic Punk" y "On Fire", que demuestran el lado más heavy de la banda, con riffs de guitarra agresivos y percusión poderosa. Estas canciones resaltan la energía y la intensidad puras que Van Halen aportó a su música.

Una de las canciones más exclusivas del álbum es "Ice Cream Man", una versión de blues de John Brim. La interpretación de la banda comienza con una introducción acústica relajada antes de explotar en una pista de hard rock en toda regla, demostrando su capacidad para darle su propio toque a un clásico.

Legado del album "Van Halen":

 
El legado del álbum debut de Van Halen es de largo alcance. No solo estableció a la banda como una fuerza importante en la escena del hard rock, sino que también tuvo un impacto duradero en el género en general. Algunos aspectos clave incluyen:

1. Innovación en la guitarra: Las innovadoras técnicas de guitarra de Eddie Van Halen, como el golpeteo con los dedos, las "drop bombs" y los armónicos, mostradas en temas como "Eruption", revolucionaron la forma en que se tocaba el instrumento. Su estilo innovador influyó en innumerables guitarristas en los años siguientes, incluidos Steve Vai, Joe Satriani y Dimebag Darrell, entre otros.

2. Éxito comercial: El álbum fue un éxito comercial con ventas de más de 10 millones de copias en los Estados Unidos.

3. Influencia en futuras bandas: El álbum debut de Van Halen tuvo un impacto significativo en los géneros de hard rock y heavy metal, inspirando a una nueva generación de bandas en la década de 1980 y más allá. Sus interpretaciones enérgicas, riffs pegadizos y sensibilidad pop influyeron en bandas como Guns N' Roses, Mötley Crüe y Def Leppard, quienes definirían los subgéneros glam metal y hair metal.

4. Reinvención de versiones de canciones: las versiones de la banda de "You Really Got Me" de The Kinks y "Ice Cream Man" de John Brim demostraron su capacidad para tomar canciones existentes y hacerlas propias, agregando un toque más heavy y agresivo. Este enfoque de las versiones de canciones se convertiría en un sello distintivo del estilo de Van Halen e influiría en otras bandas para reinterpretar pistas clásicas en sus propias formas únicas.

5. Estado icónico: desde entonces, el álbum se ha convertido en un clásico en el género del hard rock.

En resumen, el álbum debut de Van Halen es inmenso, ya que no sólo lanzó la exitosa carrera de la banda, sino que también tuvo un impacto duradero en el género del hard rock, influenciado a innumerables músicos y dando forma al sonido de futuras bandas.

Disco Recomendado

En una época en la que el punk estaba de moda y el rock clásico luchaba por encontrar una identidad, Van Halen apareció en escena. Absolutamente nada en el planeta sonaba como este álbum cuando debutó en 1978 y se ha convertido en uno de los mejores debuts en la historia de la música.

Si eres un lector más joven y buscas entrar en el rock con un sonido de guitarra realmente duro, entonces busca este disco. Los lectores más veterano tienen la excusa de revivirlo después de leer este post.

Video del tema "You Really Got Me":

 Tracklist-canciones (formato LP original):

Cara A:

1.         "Runnin' with the Devil"                   3:36
2.         "Eruption"                  1:42
3.         "You Really Got Me" (Ray Davies)   2:38
4.         "Ain't Talkin' 'bout Love"                 3:50
5.         "I'm the One"             3:47

Cara B:

1.         "Jamie's Cryin'"                     3:31
2.         "Atomic Punk"                      3:02
3.         "Feel Your Love Tonight"                3:43
4.         "Little Dreamer"                    3:23
5.         "Ice Cream Man"        (John Brim)     3:20
6.         "On Fire"                   3:01

Van Halen (miembros):

• David Lee Roth - voz principal, guitarra acústica en "Ice Cream Man" (acreditado como "David Roth")
• Eddie Van Halen - guitarra, coros, sitar eléctrico en "Ain't Talkin' 'bout Love"
• Michael Anthony - bajo, coros
• Alex Van Halen – batería

ROBERT JOHNSON - Leyenda y mito

ROBERT JOHNSON (Bluesman)

Robert Leroy Johnson es considerado uno de los músicos más influyentes en la historia del blues. Su legado musical es inmenso y ha sido una fuente de inspiración para muchos artistas.

Sin embargo su historia es controvertida, es casi toda leyenda sin muchos registros oficiales y pocos testigos, al menos fiables (típico, me dijo alguien que supo de alguien). Esto pone en duda todo: su nacimiento, su infancia, su familia, su historia y su muerte. Si existe sus pocas grabaciones, suficiente para edificar una narrativa y una leyenda que ha magnifico a este bluesman. Muchas de las razones que sacó este musico de la oscuridad han sido gracias a músicos posteriores, como Alan Lomax (historiador), Muddy Waters, Chuck Berry, Eric Clapton, Bob Dylan, Jimi Hendrix, Keith Richards, Jimi Page, Robert Plant, Johnny Winter … etc., que mencionaron que les había inspirado.  La popularidad de estos "alumnos" hizo que explotara el interés por Robert Johnson: por su música, sus verdades, sus falsedades y su "inventado" mito.  

Existen otros bluesmen del "Delta" que fueron mejores músicos: Patton, Willie Brown, Son House, Elmore James, R. L. Burnside …etc., pero la historia ha creado una aura de misticismo alrededor de Johnson que le sitúa casi al mismo nivel de un "dios" de la música. 

En este post, exploraremos un poco la música, la historia (leyenda) y la influencia en la música actual de Robert Johnson.

La vida temprana de Robert Johnson:

Robert Leroy Johnson nació el 8 de mayo de 1911 (aunque no es un dato seguro) en Hazlehurst, Mississippi (EE.UU). Era el hijo ilegítimo de Julia Dodds, quien más tarde se casó con Charles Dodds. Johnson creció en una familia de hombres religiosos, y su padrastro era miembro de la Iglesia Bautista. Johnson no tuvo una relación cercana con su padrastro y a menudo se peleaban.

Robert Leroy Johnson comenzó a tocar la armónica y guitarra de joven y a cantar en eventos locales. A menudo tocaba en los llamados "juke joints", donde los afroamericanos se reunían para beber y bailar.

En 1931, Johnson conoció al guitarrista Ike Zimmerman, quien lo adoptó como aprendiz y lo enseñó a tocar la guitarra. Johnson pasó un tiempo tocando en los "juke joints" del Delta del Mississippi, perfeccionando su técnica y desarrollando su propio estilo de blues.

Su legado musical son solo dos sesiones de grabación, una en San Antonio en 1936 y otra en Dallas en 1937, que produjeron 29 canciones distintas (con 13 tomas alternativas) grabadas por el famoso productor del "Salón de la Fama de la Música Country", Don Law. Estas canciones, grabadas en solitario en estudios improvisados, fueron la totalidad de su producción discográfica. La mayoría se lanzaron como sencillos de 10 pulgadas y 78 rpm entre 1937 y 1938, y algunos se lanzaron después de su muerte. 

Resumen y Cronología:*

*Esta es la versión más popular (existen aún lagunas)

• 1911. Robert Leroy Johnson nace el 8 de mayo en Hazlehurst, Mississippi, fruto de la relación entre Julia Dodds y su amante, Noah Johnson.
  
  
• 1911-1914. La familia Johnson viaja por los campos de trabajo del Delta de Mississippi.

• 1918. La madre de Robert se casa nuevamente y la familia se establece en Robinsonville, una comunidad algodonera en el norte de Mississippi.

• 1925. Robert aprende a tocar la armónica y la guitarra. Sus primeras influencias incluyen a Leroy Carr y bluesmen locales como Willie Brown y Charlie Patton.

• 1929. Robert se casa con Virginia Travis. Trágicamente, su esposa y su primogénito fallecen durante el parto un año después.

• 1930. Robert regresa a Hazlehurst, donde queda profundamente impresionado por Son House, un bluesman y predicador. Otro bluesman, Ike Zinnerman, se convierte en su mentor y consejero.

• 1931. Robert se casa con Calleta Craft, una mujer diez años mayor que él y madre de tres hijos. La relación termina años más tarde.

• 1930-1935. Robert compone canciones y se presenta en los "juke joints" de Mississippi. Su fama crece y actúa en ciudades como Chicago y Nueva York.

• 1936. Del 23 al 27 de noviembre, Robert realiza sus primeras grabaciones para el sello Vocalion en San Antonio, Texas, producidas por Don Law. Entre las canciones grabadas se encuentran "Terraplane Blues", "Come on in My Kitchen", "Crossroads Blues" y "Sweet Home Chicago".

• 1937. El 19 y 20 de junio, Robert lleva a cabo su segunda sesión de grabación para Vocalion en Dallas, Texas, nuevamente con Don Law. Graba temas como "Hellhound on My Trail", "Love in Vain", "Me and the Devil Blues" y "From Four Until Late".

• 1938. El 13 de agosto, durante una actuación en Greenwood, Mississippi, Robert bebe whisky envenenado, supuestamente proporcionado por un esposo celoso. Aunque su cuerpo resiste inicialmente el veneno, su salud se complica y fallece de neumonía el 16 de agosto.

La muerte de Robert Johnson

Este es otro episodio lleno de misterio.

Robert Johnson murió el 16 de agosto de 1938, a la edad de 27 años, cerca de Greenwood, Mississippi, por causas desconocidas. La muerte de Johnson no se informó públicamente. Casi 30 años después, Gayle Dean Wardlow, una musicóloga con sede en Mississippi que investigaba la vida de Johnson, encontró el certificado de defunción de Johnson, que enumeraba solo la fecha y el lugar, sin una causa oficial de muerte.

No se había realizado ninguna autopsia formal. En cambio, se realizó un examen pro forma para presentar el certificado de defunción y no se determinó la causa inmediata de la muerte. Es probable que tuviera sífilis congénita y los profesionales médicos sospecharon más tarde que esto pudo haber sido un factor que contribuyó a su muerte. Sin embargo, 30 años de tradición oral local habían construido, como el resto de su historia de vida, una leyenda que ha llenado vacíos en el escaso registro histórico.

Existen varios relatos diferentes: 

1.  Envenenado

Johnson había estado tocando durante algunas semanas en un baile campestre en una ciudad a unas 15 millas (24 km) de Greenwood. Según una teoría, Johnson fue asesinado por el marido celoso de una mujer con la que había coqueteado. En un relato del músico de blues Sonny Boy Williamson, Johnson había estado coqueteando con una mujer casada en un baile y ella le dio una botella de whisky envenenada por su marido. Esta es la versión más popular.

2. Murió de sífilis

Robert Johnson era un mujeriego de mucho cuidado.

3. Síndrome de Marfan

En 2006, un médico, David Connell, sugirió, sobre la base de fotografías que mostraban los "dedos anormalmente largos" y "un ojo malo" de Johnson, que Johnson podría haber tenido el síndrome de Marfan, que podría haber afectado su forma de tocar la guitarra y contribuido a su muerte por disección aórtica.

La Tumba de Robert Johnson

Seguimos con los misterios. En lo que a la tumba de Robert Johnson, tampoco se conoce el lugar exacto. A día de hoy existen 3 lugares en Greenwood en los que se especula que puedan encontrarse sus restos:

1. Cementerio de la Iglesia Bautista Misionera de Mount Zion: donde se encuentra un obelisco con todas las canciones de Robert Johnson.
   
   
2. Cementerio de Payne Chapel, cerca de Quito, Mississippi: donde podemos ver una pequeña placa con el epitafio "Resting in the Blues".
   
   
3. Cementerio de la iglesia Little Zion, al norte de Greenwood: donde se colocó una marca con el nombre del guitarrista.

En resumen, más leyendas, y un sueño para cualquier profesional de marketing que llevara la marca "Robert Johnson".

La Música de Robert Johnson:

Robert Johnson fue un músico incomparable de que no se puede negar y su música sigue siendo popular en todo el mundo. A pesar de su corta carrera musical, Robert Johnson dejó un legado duradero en la música blues. Su estilo único de tocar la guitarra y su voz distintiva han influenciado a muchos músicos.

El Estilo de Blues de Robert Johnson

Se basaba en la técnica de "fingerpicking", en la que se utilizan los dedos para rasguear la guitarra en lugar de una púa. Johnson solía tocar con un dedo en la guitarra y otro en el bajo, lo que le permitía crear una melodía y un ritmo al mismo tiempo. Además, su técnica le permitía tocar acordes avanzados y escalas complejas.

Las Letras de Robert Johnson

Las letras de las canciones a menudo hablaban de la lucha por la vida, la muerte, el amor y la religión. Sus letras estaban llenas de imágenes y metáforas, lo que las hacía más emocionantes y significativas.

"I went to the crossroad, fell down on my knees...I went to the crossroad, fell down on my knees...Asked the Lord above 'Have mercy, now save poor Bob, if you please'..."

Sus Canciones más Famosas

Entre las canciones más famosas de Robert Johnson se encuentran "Cross Road Blues", "Love in Vain" y "Sweet Home Chicago". Cada una de estas canciones era única en su estilo y en su letra. "Cross Road Blues" hablaba de su supuesto encuentro con el diablo, "Love in Vain" era una canción de amor triste y melancólica, y "Sweet Home Chicago" era un himno.

La Influencia de Robert Johnson en la Música

La música de Robert Johnson ha influenciado a muchos músicos, tanto en el blues como en otros géneros. Eric Clapton, Jimi Hendrix y Keith Richards son solo algunos ejemplos de músicos que han reconocido la influencia de Johnson en su música. La técnica de "fingerpicking" de Johnson también ha sido adoptada por muchos músicos y ha influido en la música popular de hoy en día.

La Última Grabación de Robert Johnson

La última grabación de Robert Johnson fue "Hellhound on My Trail". Esta canción habla de sus miedos y preocupaciones, y es considerada una de sus mejores obras. Esta canción fue grabada en 1937, poco antes de su muerte, y ha sido un éxito desde entonces.

La Historia del Diablo y Robert Johnson:

Uno de los mitos más famosos sobre Robert Johnson es la historia del diablo. Según cuenta la leyenda, Johnson quería convertirse en un gran músico de blues, pero carecía del talento necesario. Un día, Johnson se encontró con el diablo en una encrucijada y le ofreció su alma a cambio de habilidades excepcionales en la guitarra.

Esta historia ha llevado a muchas especulaciones sobre la vida y la música de Robert Johnson. Aunque es imposible saber si la historia del diablo es verdadera o no, lo cierto es que Johnson se convirtió en uno de los músicos de blues más influyentes de todos los tiempos.

La Leyenda del Diablo

Según la leyenda, Johnson fue a una encrucijada cerca de Clarksdale, Mississippi, donde se encontró con el diablo. Johnson le ofreció su alma a cambio de habilidades excepcionales en la guitarra, y el diablo aceptó el acuerdo.

En algunos relatos, el diablo afinó la guitarra de Johnson para que sonara mejor, mientras que en otros, Johnson volvió a casa con una nueva guitarra que tocaba sola. Sin embargo, todos los relatos coinciden en que Johnson se convirtió en un guitarrista excepcional después de su encuentro con el diablo.

La Realidad detrás de la Leyenda

Es poco probable (más bien inventado) que la historia del diablo sea literalmente cierta, pero es posible que haya algo de verdad detrás de ella. Johnson era conocido por su dedicación y compromiso con su música, y trabajó duro para mejorar su habilidad en la guitarra. También es posible que haya sido influenciado por otros músicos de blues más experimentados (Willie Brown, Patton, Son House etc.).

En cualquier caso, la historia del diablo ha ayudado a mantener viva la memoria de Robert Johnson y ha contribuido a su leyenda como uno de los músicos de blues más importantes de todos los tiempos.

La Influencia de Robert Johnson:

Robert Johnson, a pesar de su corta carrera, ha dejado una huella imborrable en la música y cultura popular. Su estilo de guitarra, sus letras emotivas y su leyenda han influido a generaciones de músicos posteriores.

La influencia de Robert Johnson en el blues

Robert Johnson es considerado uno de los músicos más influyentes en la historia del blues. Su peculiar habilidad para tocar la guitarra y su técnica única son una referencia en el género. Muchos de sus contemporáneos se sintieron inspirados por su música, y posteriormente, artistas de todo el mundo han sido influenciados por su legado.

En particular, guitarristas de blues posteriores, como Muddy Waters, Bob Dylan, Eric Clapton y Jimi Hendrix, han hablado públicamente sobre cómo la música de Robert Johnson les ha influenciado y motivado en sus propias carreras.

La influencia de Robert Johnson en otros géneros musicales

Aunque Robert Johnson es conocido principalmente por su música blues, su influencia se extiende a otros géneros musicales como el rock and roll y el folk. Artistas como Bob Dylan, Led Zeppelin y The Rolling Stones han versionado sus canciones y han citado su música como una influencia clave en su propio estilo musical.

La influencia de la leyenda de Robert Johnson

La leyenda de Robert Johnson, desde su supuesto pacto con el diablo hasta su trágica muerte, ha capturado la imaginación de muchos. Ha sido una fuente de inspiración para músicos, escritores y cineastas, y ha contribuido a la mitología del blues y la música popular en general.

La vida y música de Robert Johnson son un testimonio de la importancia de la innovación y la creatividad en la música. Su legado continuará inspirando a artistas y amantes de la música en todo el mundo.

Los Álbumes de Robert Johnson:

A pesar de que Robert Johnson solo grabó 29 canciones en su corta vida, su influencia en el blues y la música en general es innegable. Sus canciones no solo se han convertido en clásicos del blues, sino que también han sido versionadas por innumerables artistas a lo largo de los años.

Álbum Año de Publicación Canciones Destacadas

• King of the Delta Blues Singers - 1961 -
  “Cross Road Blues”, “Sweet Home Chicago”, “Hellhound on My Trail”
  
  
• King of the Delta Blues Singers, Vol. II  - 1970
  “Kind Hearted Woman Blues”, “I Believe I’ll Dust My Broom”, “Rambling On My Mind”
  
  
• The Complete Recordings - 1990
  “Love in Vain”, “Stop Breakin’ Down Blues”, “Traveling Riverside Blues”

El álbum “King of the Delta Blues Singers” fue el primero en presentar la música de Robert Johnson al público contemporáneo. Fue publicado en 1961 por "Columbia Records" y tuvo un gran impacto en la escena musical de la época. El álbum incluía algunas de las canciones más famosas de Johnson, como “Cross Road Blues” y “Sweet Home Chicago”.

En 1970, Columbia lanzó “King of the Delta Blues Singers, Vol. II”, que recopiló algunas de las canciones de Johnson que no habían sido incluidas en el primer álbum. Incluía canciones como “Kind Hearted Woman Blues” y “I Believe I’ll Dust My Broom”.

Finalmente, en 1990, se publicó “The Complete Recordings”, una colección de todas las grabaciones existentes de Robert Johnson, incluyendo algunas pistas inéditas. Este álbum es considerado por muchos como la mejor recopilación de la música de Johnson y cuenta con algunas de sus canciones más icónicas como “Love in Vain”, “Stop Breakin’ Down Blues” y “Traveling Riverside Blues”.

¿Hay otros álbumes disponibles?

No hay otros álbumes oficiales de Robert Johnson, ya que solo grabó 29 canciones que se conocen. Sin embargo, existen recopilaciones de sus grabaciones y versiones de sus canciones interpretadas por otros artistas.

¿Cuál es el mejor álbum para empezar a escuchar la música de Robert Johnson?

Si eres nuevo en la música de Robert Johnson, recomendamos empezar con “King of the Delta Blues Singers”. Este álbum incluye algunas de sus canciones más famosas y es una excelente introducción a su estilo de blues. Dicho esto "The Complete Recordings" de 1970 lo tiene todo.

Conociendo las canciones de Robert Johnson:

 A pesar de su corta carrera, su música ha dejado una huella imborrable en la historia de la música.

Canciones destacadas de Robert Johnson

Estas son algunas de las canciones más destacadas de Robert Johnson:

Canción - Año

• Cross Road Blues 1936
• Love in Vain Blues 1937 (Inspiró a Jimi Hendrix para componer el éxito "Red House")
• Sweet Home Chicago 1936
• I Believe I'll Dust My Broom 1936
• Traveling Riverside Blues 1937

Video del tema "Sweet Home Chicago":

Letras icónicas de Robert Johnson

Las letras de Robert Johnson eran crípticas y misteriosas, lo que aumentó su reputación como un músico enigmático. Estas son algunas de las letras más icónicas de sus canciones:

And I said, 'Hello Satan, I believe it's time to go.'
Me and the Devil, was walkin' side by side.
And I'm goin' to beat my woman, until I'm satisfied.
I got to keep movin', I got to keep movin', blues fallin' down like hail.

Influencia en otros artistas

La música de Robert Johnson ha influido a muchas generaciones de artistas de blues y rock. Incluso algunos de los músicos más famosos del mundo han citado a Johnson como una fuente de inspiración. Aquí hay algunos ejemplos:

• Muddy Waters
• Eric Clapton
• The Rolling Stones (Keith Richards)
• Jimi Hendrix
• Bob Dylan
• Led Zeppelin
  
• Jack White

La música de Robert Johnson es ahora un tesoro y su legado sigue siendo relevante hoy en día. Sus canciones siguen siendo escuchadas y admiradas por personas de todo el mundo.

El estilo de guitarra de Robert Johnson:

Robert Johnson es conocido por su habilidad única en la guitarra, que le permitió crear un sonido que influenció a generaciones de guitarristas en todo el mundo. Johnson tocaba una guitarra acústica de seis cuerdas y utilizaba una técnica de picking y slide (deslizar una barra de metal o vidrio sobre las cuerdas) para producir un sonido distintivo.

Johnson también fue uno de los primeros músicos de blues en utilizar la técnica del fingerpicking, que implica tocar la guitarra con los dedos en lugar de una púa. Esta técnica le permitió a Johnson tocar una línea de bajo, un ritmo y una melodía simultáneamente en su guitarra acústica, lo que creó un sonido más completo que el que muchos otros músicos podían lograr en ese momento.

Además, Johnson también utilizaba múltiples voces en su guitarra, donde tocaba diferentes melodías en diferentes cuerdas al mismo tiempo. Esta técnica le permitió crear un sonido armonioso y complejo que lo diferenció de otros músicos de blues de la época.

Otro aspecto importante del estilo de guitarra de Johnson es su uso de la improvisación. Muchas de sus canciones tienen estructuras simples, dejando espacio para que él pueda improvisar y hacer variaciones en sus interpretaciones en vivo. La improvisación también le permitió a Johnson crear una sensación de emoción en su música, lo que es una de las razones por las que sus grabaciones siguen siendo tan influyentes hoy en día.

La técnica del bottleneck

Además de su habilidad en el fingerpicking, Johnson es conocido por usar la técnica del bottleneck, que implica deslizar un tubo de vidrio o metal sobre las cuerdas de la guitarra. Esta técnica le permitió a Johnson crear un sonido que imitaba la voz humana, lo que agregó una dimensión adicional a su música.

La técnica del bottleneck se utiliza comúnmente en el blues y sigue siendo utilizada por muchos guitarristas hoy en día. Pero fue Robert Johnson quien perfeccionó esta técnica y la hizo parte integral de su sonido distintivo.

En resumen, el estilo de guitarra de Robert Johnson es un ejemplo de cómo un músico puede influir en un género completo de música. Desde su técnica de fingerpicking hasta la técnica de bottleneck, las innovaciones de Johnson en la guitarra acústica continúan inspirando a guitarristas y músicos en todo el mundo.

Preguntas Frecuentes (FAQ) sobre Robert Johnson y el Blues:

Ha pasado casi más de un siglo desde la muerte de Robert Johnson, pero su legado musical sigue siendo fuerte en la actualidad. Aquí hay algunas preguntas frecuentes sobre el hombre y su música.

¿Quién era Robert Johnson?

Robert Johnson fue un músico estadounidense de blues que vivió en la década de 1930. A pesar de su corta carrera, su impacto en la música ha sido significativo.

¿Cuál fue el estilo de música de Robert Johnson?

Robert Johnson tocaba blues del delta, un estilo de blues que se originó en el delta del Mississippi. Era conocido por su habilidad en la guitarra y su voz única.

¿Por qué Robert Johnson es famoso?

Robert Johnson es famoso por su habilidad en la guitarra, su voz única y su impacto en la música. Él es a menudo considerado por músicos y críticos de la música como uno de los mejores músicos de blues de todos los tiempos.

¿Cuál es la historia del Diablo y Robert Johnson?

La historia del Diablo y Robert Johnson es una leyenda popular que dice que Johnson vendió su alma al diablo a cambio de habilidades sobrenaturales en la guitarra. La versión más popular (hay varias) cuenta que una noche, en una plantación cercana a la casa de Robert Johnson en Clarksdale, un hombre alto y negro se acercó a Johnson, cogió su guitarra, la afinó, tocó un par de canciones y se la devolvió al joven bluesman, así se cerró el pacto.

Aunque es sólo una leyenda, refleja el respeto y la admiración que se tenía por su habilidad musical.

¿Cuáles son los álbumes de Robert Johnson?

Robert Johnson sólo grabó 29 canciones en su corta carrera. Sin embargo, estas canciones fueron recopiladas en dos álbumes: "King of the Delta Blues Singers" y "King of the Delta Blues Singers, Vol. II". Ambos álbumes son considerados clásicos de blues.

¿Cuáles son las canciones más conocidas de Robert Johnson?

Algunas de las canciones más conocidas de Robert Johnson incluyen "Cross Road Blues", "Sweet Home Chicago" y "Love in Vain".

¿Cómo describirías el estilo de guitarra de Robert Johnson?

El estilo de guitarra de Robert Johnson se caracterizó por su habilidad con el picking y su técnica de slide. Su habilidad en la guitarra fue una de las razones por las que fue tan influyente en la música.

¿Quiénes fueron algunos de los artistas influenciados por Robert Johnson?

Varios artistas de blues fueron influenciados por Robert Johnson, incluyendo Muddy Waters, Eric Clapton, Bob Dylan y Keith Richards.

¿Por qué es importante la música de Robert Johnson?

La música de Robert Johnson es importante porque ayudó a definir el género del blues. Sus canciones y su estilo de guitarra han influido en generaciones posteriores de músicos y han sido un elemento clave en la historia de la música.

VIDEO:

Eric Clapton - Rambling on My Mind (Robert Johnson cover - Live 2008)

Para más lectora sobre Robert Johnson leer "El mito faustiano de Robert Johnson" - por Ignacio Pulido.

BROADCAST - Haha Sound - Album

Quiero recomendar una banda y uno de sus discos que quizás no sean (ambos) tan conocidos. De hecho, iría tan lejos como para decir que si el lector más joven (15-35 años) estuviera familiarizado con la banda "Broadcast", estaría sorprendido, feliz, pero muy sorprendido.

En consonancia y siguiendo con el espíritu de este blog de música, me gustaría que la siguiente recomendación fuera un verdadero descubrimiento para el lector. Además, comentar que no es una pieza que flota en la corriente "mainstream" de la cultura musical popular.

Dicho esto, la banda "Broadcast" ha sido ampliamente elogiada por su innovadora electrónica indie y psicodelia y ha logrado compilar una base de fans muy leal que se encuentra dentro del término "seguidores de culto".

Antes de continuar, la música que ofrece "Broadcast" no es inmediatamente accesible, es difícil al principio y requerirá muchas escuchas. Sin embargo, si logras ver todas las piezas encajar será una experiencia auditiva fascinante y placentera. ¿Dispuest@ a asumir el desafío?

¿Quiénes son Broadcast?

 
Broadcast fue una banda inglesa de indietronica formada en Birmingham en 1995 por Trish Keenan (voz, teclados, guitarra) y James Cargill (bajo). Su estilo musical mezcló elementos de la psicodelia de la década de 1960 con música electrónica y samples de fuentes esotéricas; lo que le valió a la banda captar seguidores de culto.

Además de los miembros fundadores Keenan y Cargill, Broadcast experimentó cambios regulares en la alineación. La formación ha incluido a Roj Stevens (teclados), Tim Felton (guitarra) y Steve Perkins (batería). Keith York, Phil Jenkins, Jeremy Barnes, Neil Bullock y Ash Sheehan también han aparecido en la banda como bateristas de gira o de sesión. De 2005 a 2011, Broadcast estuvo compuesto únicamente por el dúo fundador.

Tras la muerte de Trish Keenan en 2011 (H1N1 gripe virus y sus complicaciones) , James Cargill supervisó toda la actividad de Broadcast.

Broadcast: Estilo musical:

 
La música de "Broadcast" es una mezcla de canciones pop y mezcla de música electrónica experimental con un mix de psicodelia. La banda está fuertemente influenciada por el grupo psicodélico estadounidense de la década de 1960, los "United States of América", utilizando muchos de los mismos efectos electrónicos. Broadcast también usó samples tomadas de compilaciones de música de biblioteca y grabaciones de campo de la vida real. Los críticos musicales agregaron más tarde que su estilo musical también puede etiquetarse como dream pop, avant-pop y space age pop. Su trabajo con la estética cultural pasada los vio agrupados con la tendencia electrónica de la década de 2000 conocida como "hauntología".

Discografía:

Broadcast publicó tres álbumes de estudio: The Noise Made by People (2000), Haha Sound (2003) y Tender Buttons (2005), así como varios EP y un álbum colaborativo con Focus Group titulado Broadcast and the Focus Group Investigate Witch Cults of the Radio Age (2009). Su lanzamiento final fue la banda sonora Berberian Sound Studio (2013).

Lista de álbumes:

• The Noise Made by People (2000)
• Haha Sound (2003)
• Tender Buttons (2005)
• Broadcast and the Focus Group Investigate Witch Cults of the Radio Age (2009)
• Berberian Sound Studio (2013)

Solo añadir, que finalmente logré "entender" la oferta musical de Broadcast. Mi álbum favorito es su segundo disco, "Haha Sound", del que hablaré con más detalle a continuación.

ALBUM: Haha Sound

El segundo álbum de estudio fue publicado el 11 de agosto de 2003 por Warp Records. Este disco obtuvo elogios de la crítica y se convirtió en su primer álbum de "Broadcast" en las listas de éxitos en los Estados Unidos, donde alcanzó el top 10 de la lista "Billboard Dance/Electronic Álbumes".

En su primer disco, "The Noise Made by People", Broadcast creó atmósferas meticulosas y etéreas que le dieron a su música una calidad distante que hizo que fuera difícil de asimilar por completo. Este no es el caso de "Haha Sound", es más accesible, pero no menos fácil de asimilar al principio de la escucha.

La voz agridulce de Trish Keenan combinada con la excelente percusión y los sintetizadores encajan perfectamente en este disco. Es un viaje brillante y ruidoso. Pero esto lo digo yo, me doy cuenta de que puede que no sea el caso de otros, este es un disco que necesita muchas escuchas, mucha paciencia antes de que las piezas encajen en su sitio. De hecho, puede que no encajen, es ese tipo de álbum.

El disco presenta 14 temas, cada una de los cuales destaca la combinación especial de sonidos electrónicos, psicodélicos y experimentales de la banda.

Track por track review:

• "Colour Me In" (2:51) - El álbum abre con este corte hipnótico y soñador. La combinación de la voz etérea de Trish Keenan y los sintetizadores arremolinados crea una atmósfera cautivadora que al menos captará tu atención.

• "Pendulum" (4:21): presenta un beat más rítmico y dinámico, con una línea de bajo repetitiva y percusión sincopada. La estructura de la canción recuerda al krautrock, mientras que los sintetizadores en capas y la voz ventosa de Keenan añaden un toque psicodélico.

• "Before We Begin" (3:22): más melódica y orientada al pop, muestra la capacidad de Broadcast para crear ganchos pegadizos mientras mantiene su borde experimental. El tempo alegre de la canción y los sintetizadores brillantes contrastan con los temas más oscuros explorados en la letra.

• "Valerie" (4:04): tiene una calidad cinematográfica, con exuberantes arreglos de cuerdas y una melodía melancólica. La voz de Keenan es particularmente emotiva en esta canción y transmite una sensación de anhelo y vulnerabilidad.

• "Man Is Not a Bird" (4:52): un tema destacado en el álbum; un ritmo de conducción, percusión intrincada y un riff de sintetizador pegadizo. La estructura de la canción es más compleja que algunas de las otras pistas, con múltiples secciones y cambios de tempo que mantienen al oyente interesado.

• "Minim" (3:00): este instrumental sirve para limpiar el paladar, con su arreglo minimalista y su enfoque en la textura y la atmósfera. El uso de sonidos no convencionales y técnicas de producción experimental se suma a la intriga de la canción.

• "Lunch Hour Pops" (3:36): una pista divertida y alegre que presenta una melodía pegadiza y un ritmo dinámico. La letra de la canción toca temas de nostalgia y el paso del tiempo, añadiendo profundidad a la melodía aparentemente alegre.

• "Black Umbrellas" (1:08): este breve interludio presenta un arreglo escaso de sintetizadores y percusión, creando una sensación de tensión e inquietud. La pista sirve como una transición entre las canciones más melódicas del álbum y las pistas más oscuras y experimentales que siguen.

• "Ominous Cloud" " (3:46): tiene una atmósfera más oscura y aprensiva. El tempo lento de la canción, el bajo pesado y los sintetizadores disonantes crean una sensación de fatalidad inminente, mientras que la voz de Keenan agrega una cualidad inquietante.

• "Distorsion" (2:02): instrumental con un uso intensivo de distorsión y ruido, creando un paisaje sonoro caótico y desorientador. Ilustra la voluntad de Broadcast de superar los límites y experimentar con sonidos no convencionales.

• "Oh How I Miss You" (1:17): un interludio, una melodía simple tocada en un piano de juguete, acompañada por la delicada voz de Keenan. La brevedad y la sencillez de la canción la convierten en un momento destacado del álbum.

• "The Little Bell" (2:48): presenta una estructura de canción más tradicional, con una melodía pegadiza y un ritmo de conducción. La letra de la canción toca temas de pérdida y anhelo, agregando profundidad emocional a la alegre melodía.

• "Winter Now" (3:48): melancólica e introspectiva, "Winter Now" presenta un tempo lento, instrumentación escasa y la voz emotiva de Keenan.

• "Hawk" (3:32) - El álbum se cierra con esta pista atmosférica y enigmática. La construcción lenta de la canción y los sintetizadores en capas crean una sensación de tensión y anticipación, mientras que la voz de Keenan agrega una cualidad inquietante. Esta es mi canción favorita del disco.
  
  

El legado del álbum "Ha Ha Sound":

"Haha Sound" de Broadcast ha tenido un impacto significativo en la escena de la música electrónica indie y se ha convertido en un clásico de culto desde su lanzamiento en 2003. La producción innovadora del álbum, la mezcla de sonidos electrónicos, psicodélicos y experimentales, y la voz emocional de Trish Keenan han influido en una nueva generación de artistas.

La influencia del álbum se puede escuchar en el trabajo de artistas contemporáneos como Tame Impala, Animal Collective y Grimes, quienes han citado a Broadcast como inspiración. El uso que hace la banda de sintetizadores antiguos, bucles de cinta y sonidos encontrados también se ha convertido en un sello distintivo del género "hauntológico", que explora temas de nostalgia, memoria y lo siniestro.

"Haha Sound" también ha sido reconocido como un lanzamiento seminal en el género electrónico indie, consolidando el lugar de Broadcast como una de las bandas más innovadoras e influyentes de su tiempo.

Disco Recomendado

 
"Haha Sound" es un álbum cautivador e innovador que destaca la mezcla especial de Broadcast de sonidos electrónicos, psicodélicos y experimentales. La diversa gama de canciones del álbum mantiene al oyente ansioso, mientras que la voluntad de la banda de superar los límites y experimentar con sonidos poco convencionales lo convierte en un lanzamiento destacado en su discografía. Para mi es su mejor álbum y creo que es muy sólido de principio a fin, aunque me llevó repetidas escuchas para entenderlo todo.

Dicho esto, puedo decir sin dudar, lo "entiendas o no", es definitivamente una obra de música diferente, innovador y muy creativo, experimental en su esencia pero muy pop en su entrega, marginal sin caer en el abismo y muy especial.

Si eres una persona que busca nueva música que vaya contra la corriente pero que aún tenga encanto, este podría ser tu mejor hallazgo.

Video del tema "Hawk":

Tracklist:

1.         "Colour Me In"           2:51
2.         "Pendulum"    4:21
3.         "Before We Begin"    3:22
4.         "Valerie"         4:04
5.         "Man Is Not a Bird"   4:52
6.         "Minim"          3:00
7.         "Lunch Hour Pops"    3:36
8.         "Black Umbrellas"      1:08
9.         "Ominous Cloud"       3:46
10.       "Distorsion"    2:02
11.       "Oh How I Miss You"           1:17
12.       "The Little Bell"         2:48
13.       "Winter Now" 3:48
14.       "Hawk"           3:32