MINUTEMEN - Double Nickels on the Dime

MINUTEMEN (Banda)

Banda americana de Punk-Rock formada en San Pedro, California, en 1980. Compuesta por  Dennes Dale "D" Boon (voz y guitarrista), Mike Watt (bajista) y George Hurley (baterista), publicaron cuatro álbumes y ocho EP antes de la muerte de D.Boon en un accidente de automóvil en 1985; después de la muerte de D. Boon, la banda se separó.

Tuvieron un impacto significativo e importante sobre otras bandas de Punk-Rock,  su actitud ecléctica y experimental fue fundamental para situarlos como pioneros del Rock-Alternativo y el Post-Hardcore americano.

Fueron influenciados por bandas como Captain Beefheart, Wire, Gang Of Four, Richard Hell & The Voidoids y The Urinals, y casi todas sus primeras canciones tenían estructuras inusuales, muchos de sus temas fueron de menos de un minuto, incluso más tarde cuando la música de Minutemen se volvió un poco más convencional, sus canciones rara vez pasaron la marca de los tres minutos.

Minutemen eran miembros de la comunidad Hardcore-Punk y eran practicantes del sonido "velocidad", "la brevedad" y "la intensidad" características del Hardcore, pero también eran conocidos por fusionar el Punk-Rock y el Hardcore con otras formas de música como Jazz, Funk, Acid Rock y R&B, cosa que les distingue de la mayoría de las bandas hardcore de esa época. Durante la mayor parte de su carrera, ignoraron las estructuras estándar de las canciones verso-coro-verso en favor de experimentar con dinámicas musicales, ritmo y ruido. También tocaron versiones de canciones de Rock clásico de bandas como "Creedence Clearwater Revival", "Steely Dan" y "Blue Öyster Cult". En resumen eran un trío de mente abierta y ecléctico.

La composición de las canciones de dividían entre D.Boon y Mike Watt y las letras y los temas a menudo se desvían del humor surrealista, a las frustraciones de la vida de la clase obrera.

Durante sus cinco años de actividad influenciaron a muchos musicos y bandas como Joe Strummer de The Clash, Ramones, Buzzcocks, Husker Du,  Henry Rollins, Flea de Red Hot Chili Peppers, Thurston Moore, Beastie Boys...etc.

Discografía:

• The Punch Line (1981)
• What Makes a Man Start Fires? (1983)
• Double Nickels on the Dime (1984)
• 3-Way Tie (For Last) (1985)

Mi disco favorito es "Double Nickels on the Dime" de 1984.

ALBUM: Double Nickels on the Dime 

Tercer álbum publicado el 3 de Julio de 1984 producido por Ethan James. Un doble álbum que contiene 45 canciones (para el formato CD se tuvo que eliminar par de temas), donde combina elementos de Punk-Rock, Funk, Jazz, Spoken Word" y Country. Las canciones hace referencia a una variedad de temas, desde la Guerra de Vietnam y el racismo en Estados Unidos, hasta la experiencia y la lingüística de la clase trabajadora. Cada cara del disco tenían un "nombre": D, Mike , George y Chaff, con la duración de los temas entre uno y tres minutos. Solo esta disponible la versión "COMPLETA" en el formato vinilo y los especialistas y criticos musicales consideran este el mejor trabajo de MINUTEMEN y uno de los mejores álbumes de Rock estadounidense de la década de 1980.

De principio a fin, el trío tocan y cantan con una inteligencia estimable y una convicción inquebrantable. El álbum está lleno de momentos sorprendentes que se unen en un todo verdaderamente notable; los miembros escriben las canciones con brillantez, buen humor y abiertos para poder incorporar otros estilos musicales. D.Boon en la guitarra da señales de influencia Jazz, mientras Hurley en el batería recuerda a veces a temas de "Swing". Hay mucho aventura y búsqueda de nuevas fronteras. Me atrevería a decir que recuerda mucho a "Red Hot Chilli Peppers", es más se adelantaron a ellos. Siendo un trabajo tan largo te pongo unos temas que personalmente me gustan mucho "Viet Nam", "Maybe Partying Will Help","Corona","You Need The Glory","Spillage","The Glory Of Man","My Heart And The Real World" y "History Lesson- Part II", si esto puede ayudar a orientar donde comenzar a escuchar y degustar material.

Y terminando, "Double Nickels on the Dime" marcó el punto donde muchas bandas de Punk comenzaron a ignorar las limitaciones estilísticas de la escena Hardcore animandolos a experimentar y explorar más allá. Solo esto hace que sea un disco importante en la evolución e historia de la musica.

Un disco recomendado. Si, estoy acuerdo, algo largo el álbum, pero los temas son suficientemente cortas para diluir el efecto expansivo temporal. Dicho esto, en mi opinión, uno de los mejores álbumes de Punk-Rock jamás grabados y publicados. Inspiracional, potente, experimental y absolutamente único.

Video del tema "The Glory of Man":



Tracklist del disco doble "Double Nickels on the Dime":

Side D.
1. "Anxious Mo-Fo" 1:19
2. "Theatre Is the Life of You" 1:30
3. "Viet Nam" Boon 1:27
4. "Cohesion" Boon 1:55
5. "It's Expected I'm Gone" 2:04
6. "#1 Hit Song" 1:47
7. "Two Beads at the End" 1:52
8. "Do You Want New Wave or Do You Want the Truth?" 1:49
9. "Don't Look Now" (version de Creedence Clearwater Revival) 1:46
10. "Shit from an Old Notebook" 1:35
11. "Nature Without Man" 1:45
12. "One Reporter's Opinion" 1:50

Side Mike
1. "Political Song for Michael Jackson to Sing" 1:33
2. "Maybe Partying Will Help" 1:56
3. "Toadies" 1:38
4. "Retreat" 2:01
5. "The Big Foist" 1:29
6. "God Bows to Math" 1:15
7. "Corona" 2:24
8. "The Glory of Man" 2:55
9. "Take 5, D." 1:40
10. "My Heart and the Real World" 1:05
11. "History Lesson – Part II" 2:10

Side George
1. "You Need the Glory"
2. "The Roar of the Masses Could Be Farts" 1:20
3. "Mr. Robot's Holy Orders" 3:05
4. "West Germany" 1:48
5. "The Politics of Time" 1:10
6. "Themselves" 1:17
7. "Please Don't Be Gentle with Me" 0:46
8. "Nothing Indeed" 1:21
9. "No Exchange" 1:50
10. "There Ain't Shit on T.V. Tonight" 1:34
11. "This Ain't No Picnic" 1:56
12. "Spillage" 1:51

Side Chaff
1. "Untitled Song for Latin America" 2:03
2. "Jesus and Tequila" 2:52
3. "June 16th" 1:48
4. "Storm in My House" 1:57
5. "Martin's Story" 0:51
6. "Ain't Talkin' 'bout Love" (version de Van Halen ) 0:40
7. "Dr. Wu" (version de Steely Dan ) 1:44
8. "Little Man with a Gun in His Hand" 2:53
9. "The World According to Nouns" 2:05
10. "Love Dance"  2:00

ANN LEE PEEBLES | Straight From the Heart - Album

Hace mucho que no dedicó espacio en el blog a la música Soul. Una recién limpieza y reorganización de mi coleccion de discos me ha vuelto a poner en mis manos material de la gran cantante ANN LEE PEEBLES. Un disco en particular, relegado a la parte posterior de la pila (sin ser algo a propósito) dentro de las muchas referencias amontonados y colocados. La  volví a escuchar después de tanto tiempo.

Ann Lee Peebles 

Cantante y compositora americana que se hizo famosa por sus álbumes de "Memphis Soul" de la década de 1970. Dos de sus canciones más populares son "I Can't Stand the Rain" y "I'm Gonna Tear Your Playhouse Down".

Ann Peebles tiene el Soul en su sangre. Cuando Ann era niña, comenzó a cantar en el coro de la iglesia de su padre y con el grupo de la familia, "The Peebles Choir", que regularmente abría los espectáculos para estrellas de GOSPEL como Mahalia Jackson y The Soul Stirrers con Sam Cooke. También estuvo influenciada por artistas de R&B, como Muddy Waters, Mary Wells y Aretha Franklin. Mientras actuaba en Clubes (de St. Louis y Memphis), la descubrió el dueño del famoso sello "Hi Records", especializado en Soul, y la firmo a los 21 años. Resto es historia llegado a convertirse en la "Reina del Memphis Soul".

Una cantante con una voz poderosa, rasposa y con una actitud aún más fuerte, Ann Lee Peebles fue una de las artistas que definió el legendario sello discográfico, "Hi Records" (en su momento en competencia directa con "Staxx Records"), junto con Al Green y, más tarde, O.V. Wright. Ann Lee Peebles se ubicó entre las mejores cantantes de Soul de la década de los 70. Ella co-escribió muchas de sus canciones con su esposo Don Bryant, y aunque muchos temas son sobre el amor y desamor, tambien escribía canciones más cerca a su personalidad basados en el valor y la fuerza. Sus mejores grabaciones se mantienen entre las mejores de su época.

La música de Ann Lee Peebles sigue siendo relevante, ha sido sampleada por muchos artistas de Hip-Hop, en particular Missy Elliott, RZA y Wu-Tang Clan. Después de una enfermedad Ann Lee Pebble dejó de actuar en 2012.

Discografía:
1969 This Is Ann Peebles
1971 Part Time Love
1972 Straight From the Heart
1974 I Can't Stand the Rain
1975 Tellin' It
1979 The Handwriting Is on the Wall
1989 Call Me
1992 Full Time Love
1996 Fill This World with Love

Tengo en mi colección de música el disco "Straight From the Heart" de 1972. Una pieza que me dio una pequeña alegría volver a encontrar y escuchar después de un tiempo.

ALBUM: Straight From the Heart

Tercer álbum publicado en 1972. Producido por el conocido Willie Mitchell, quien da al disco un ritmo grueso con sabor de "Sur" (Southern Soul), combinado con una sección cálido de instrumentos de aire que inyecta el "Funk". Sin embargo, por encima de todo, está la fuerza de Ann Lee Peebles, con una voz conmovedora y ronca que parece estallar desde su interior más profundo. Puro Soul!

Las guitarras en este álbum son sobrias, Funky y con Blues, la sección de "aires" (saxo, trompeta...) es impactante, y el material es estilo casera. Canciones que me llaman la atención por su calidad son "Slipped", "Tripped and Fell in Love", "I Feel Like Breaking Up Somebody's Home" y "Somebody's on Your Case", muchos de los cuales fueron co-escritos por Peebles. La voz de Ann Lee Peebles es orgánica y cruda, además transmite que lo esta dando todo. Es más, he leído que a Ann Lee Peebles se la compara con Al Green en estilo y cante, siendo etiquetado la versión femenina.

En definitiva, un disco optimista, reflexivo y muy entretenido, con mucho groove. Un posible defecto es su duración de solo 26 minutos, que es corta incluso para los estándares de principios de los años 70. Esto tambien puede ser una ventaja, aunque en mi caso, escuchando se me hace muy corto.

Un disco recomendado. Un álbum de música Soul muy agradable para escuchar e interpretado por una de las grandes voces del estilo. Si gusta el "Soul" y los sonidos "Funky" pienso que te puede gustar este álbum. Hay otros discos de Ann Lee Pebble pero me gusta este en particular.

Video de "Somebody On Your Case":



Tracklist:
1.Slipped, Tripped and Fell in Love
2.Trouble, Heartaches and Sadness
3.What You Laid on Me
4.How Strong Is a Woman?
5.Somebody's on Your Case
6.I Feel Like Breaking up Somebody's Home
7.I've Been There Before
8.I Pity the Fool
9.99 Pounds
10.I Take What I Want

DONALD BYRD | A New Perspective

Donald Byrd

Donaldson Toussaint L'Ouverture Byrd II, aka DONALD BYRD,  fue un trompetista y vocalista americano de Jazz. Fue un compañero-miembro de muchos otros famosos músicos de Jazz de su generación. Donald Byrd era conocido como uno de los músicos de "BEBOP" que exploraron con éxito la fusión del Jazz con Funk y el Soul. Como líder de banda, Donald Byrd fue una influencia en los primeros años de la carrera de Herbie Hancock.

Considerado uno de los mejores trompetistas de "Hard Bop", grabó y publicó prolíficamente como líder de su propia banda y como acompañante de otros (Art Blakey, Max Roach,John Coltrane,Sonny Rollins, Red Garland, Gigi Gryce...)  desde mediados de los años 50 hasta mediados de los 60. Su estilo era sólido con un tono limpio, con una articulación clara y un don para el melodismo.

A finales de los años 60, Donald Byrd quedó fascinado con el movimiento de fusión de Miles Davis, y comenzó a grabar sus propias incursiones (experimentación) en el campo. A principios de los años 70, con la ayuda de los hermanos Larry y Fonce Mizell, Byrd perfeccionó una versión brillante, alegre y comercialmente potente de la fusión que era distinta de Miles Davis, incorporando arreglos más estrictos y una influencia más suave del Soul.

Las opiniones sobre esta última fase de la carrera de Donald Byrd divergen enormemente: los puristas del jazz lo desprecian por completo, comentando que se había "vendido", pero los fans lo consideran como uno de los trabajos y etapas más innovadores y duraderos.

Murió en febrero de 2013 a la edad de 80 años.

Su legado es enorme y su discografía aún más. Demasiados títulos para poner aqui, aunque están todos disponible para consultar online. No obstante, pongo algunos discos que están bien considerados por los expertos: Byrd's Eye View (1955), Jazz Lab (1957), Donald Byrd at the Half Note Cafe, Vols. 1-2 (1960), Ethiopian Knights (1972), Black Byrd (1973) y el disco que tengo y me gusta mucho, "A New Perspective" (1963), quizás su gran obra.

ALBUM: A New Perspective

Álbum de estudio publicado en 1963 bajo el sello Blue Note. Considerado una grabación histórica que encuentra a Donald Byrd fusionando "Hard Bop" y "Soul" y añadiendo un coro de gospel en la mezcla con un efecto dramático, creando un nuevo espacio Jazz en el proceso. Es una obra temáticamente cohesivo que es a la vez sombrío y extático, que comprende cinco temas dinámicas que logran transmitir fuerza bajo la voz altisonante pero reverente del coro. Uno de los álbumes de Jazz más espirituales.

La inclusión de un coro de gospel detrás del Hard Bop era una innovación e inusual (para su tiempo) que puede distraer al escuchar por primera vez. Sin embargo, a medida que avanza el álbum, el Gospel, el Rhythm & Blues y el Jazz se fusionan en un híbrido para hacer uno de los mejores y más agradables discos de Jazz con una calidad suave y conmovedora.

Los musicos que acompañan a Donald Byrd en este disco son de primer nivel. Están Herbie Hancock en piano, Hank Mobley en saxo y Ken Burrell en guitarra...por mencionar algunos. Y las dos canciones que me gustan mucho, y menciono solo como orientación, son "Elijah" y "Cristo Redentor", aunque en su conjunto el disco es genial.

El JAZZ es un estilo musical que encuentro difícil de "absorber" en su conjunto. Soy muy selectivo, tengo contados mis álbumes (musicos), y escucho mucho los expertos para guiarme y motivarme a investigar las obras. En el caso de "A New Perspective" viene recomendado y no tardó mucho para ganarme y hacerme con una copia. Fue después de tenerlo como parte de mi coleccion de discos que comencé a investigar más en profundidad sobre el artista y esta obra.

Un disco recomendado de uno de los grandes músicos de Jazz. Un álbum progresivo, creativo y de los que hacen evolucionar al estilo musical. Un trabajo muy agradable para escuchar y (mi caso) muy spiritual. Un disco esencial para fans del JAZZ.

Video de "Cristo Redentor":



Tracklist del disco "A New Perspective":
1. "Elijah" 9:21
2. "Beast of Burden" 10:07
3. "Cristo Redentor" 5:43
4. "The Black Disciple" 8:12
5. "Chant" Duke Pearson 7:31

Músicos:
Donald Byrd – trompeta
Hank Mobley – saxo
Herbie Hancock – piano
Kenny Burrell – guitarra
Donald Best – vibraphone, vocals
Butch Warren – bajo
Lex Humphries – batería
Duke Pearson – arreglos
Coleridge-Taylor Perkinson – direccion de coros

LEE "SCRATCH" PERRY | The Sound Doctor - Album

Lee "Scratch" Perry

Es un músico, productor y cantante jamaicano (ciudad Kendal) que destaca por sus innovadoras técnicas de estudio y estilo de producción. Lee "Scratch" Perry es pionero en el desarrollo de la música DUB en la década de 1970 con su temprana adopción de efectos de remezcla y estudio para crear nuevas versiones instrumentales o vocales de temas Reggae existentes.

Una figura venerada, carismática y excéntrica cuya reputación histórica y personalidad colorida coinciden con la extrañeza de gran parte de su producción musical. Es sin duda uno de los artistas más innovadores e influyentes del Reggae. Sus innovaciones en la mesa de mezclas, desde el uso temprano de "samples" hasta efectos de reverberación y eco, prepararon el escenario para generaciones de experimentación musical, particularmente a través de música electrónica y alternativa-post-punk, y su estilo vocal de asociación libre es un claro precedente para el Rap.

Como productor y vocalista desde principios de los años 60, ayudó a guiar el cambio de la música jamaicana de Ska y Rocksteady al Reggae con singles como "People Funny Boy" (1968). Durante los años 70, se convirtió en superproductor, dirigiendo obras seminales de Bob Marley & the Wailers, los Congos y Junior Murvin, además de publicar álbumes ya referentes como "Upsetters 14 Dub Blackboard Jungle" (1973) y "Super Ape" (1976 ).

Su trabajo se hizo popular en el Reino Unido, y colaboró ​​con The Clash, haciéndole aún más famoso. A finales de los años 80, había comenzado a grabar extensamente con Mad Professor y Adrian Sherwood. Compilaciones como "Arkology" (1997) y el reconocimiento de bandas como Beastie Boys confirmaron el estatus legendario de Perry durante los años 90. Permaneció muy activo durante las dos primeras décadas del siglo XXI, recorriendo y colaborando con artistas que van desde Bill Laswell, Andrew W.K. y The Orb (álbum: The Observer in the Star House de 2012), además de revisar material anterior en lanzamientos como "Super Ape Returns to Conquer de 2017". En definitiva una leyenda del Reggae y Dub, además de las grandes figuras de la música moderna.

Su discografía es demasiado largo (entre singles, remixes, EPs, álbumes, recopilatorios, colaboraciones, directos...) para ponerlos todos aquí. Lo que si voy hacer es poner algunos títulos de discos que me gustan y que puedo recomendar:

• Cloak & Dagger (1972)
• Rhythm Shower (1973)
• Super Ape (1976) * Obra maestra
• Roast Fish, Collie Weed & Cornbread (1978)
• Meets Bullwackie in Satan's Dub (1990)
• Dub Setter (2010)
• Chapter One Dub (2013)
• Nu School of Planet Dub (2014)

Uno de sus mejores álbumes es "Super Ape" de 1976, aunque hoy me centro en un disco que contiene temas de otros artistas de Reggae, grabados y producidos por Lee "Scratch" Perry en su estudio "The Black Ark". Es una especie de recopilación de increíbles cortes que reflejan el genio y  la "locura" de Perry.

Lee "Scratch" Perry & The Sufferers

ALBUM: The Sound Doctor: Black Ark Singles and Dub Plates 1972-1978

En 1972, Lee 'Scratch' Perry (THE SOUND DOCTOR) declaró su ambición de construir un estudio donde The Sufferers (su conjunto) pudieran grabar. Con este propósito para finales de 1973 el estudio "The Black Ark" estaba ya funcionando. El estudio "The Black Ark" se convierte en un epicentro de la cultura Rastafari y un centro enormemente productivo de algunas de las grabaciones de Reggae más veneradas de los años 70. Precisamente de aqui sale y se publica el álbum "The Sound Doctor" publicado el 13 de noviembre de 2012.

Un DOBLE disco compilación de producciones raros, únicas e inéditas de Lee "Scratch" Perry. Es decir, 24 canciones del "laboratorio de sonido The Black Ark" entre 1972 y 1978. Con temas de artistas tan afamados como The Upsetters, U Roy, Junior Byles, Dillinger, Tinga Stewart, The Ethiopians, The Flames y otros más. Música de raíces profundas en su máxima expresión que son auténticas joyas del Reggae cocinadas por el genio Lee "Scratch" Perry.

Gran parte de la música se ha transferido de los "masters" originales limpiandolos un poco con una remasterización digital pero conservando su sonido crudo y sin pulir, además con defectos audibles y distorsiones ocasionales. Se mantiene el método de producción de Lee Perry que era muchas veces del estilo Lo-Fi.

Un disco recomendado. Un álbum excelente para los amantes del Reggae y del Dub, además de ser una pieza esencial que ilustrar el talento musical y de producción de Lee "Scratch" Perry. El repertorio de artistas y canciones por si solo tiene suficiente atractivo para motivar a hacerte con una copia y mejorar tu colección de discos.

Y termino con una anécdota. Hay una incógnito asociado con los estudios "The Black Ark" que aún enciende debate y conversacion. A finales de los años 70 un fuego se llevó por delante el famoso estudio de grabación. Hay dos versiones, que fue una accidente de cableado eléctrico o fue provocado. Sea cual sea la razón, gracias a dios que se salvaron los "masters" de audio para poder publicar este maravilloso disco.

Video del tema "Doctor Skank":




Tracklist del Doble disco "The Sound Doctor: Black Ark Singles and Dub Plates 1972-1978":
A1 –Delroy Butler Oppression
A2 –Junior Byles Army Of Love (inedita)
A3 –Dillinger Wam-Pam-Pa-Do
A4 –Bobby Floyd Sound Doctor
A5 –Young Dellinger Doctor Skank
A6 –The Upsetters Horny Train (Exclusive Dub Plate Mix)

B1 –Al Maytone Do Good
B2 –Brother Roy Different Experience
B3 –Tinga Stewart Smiling Faces
B4 –Hux Brown Group Smiling Version
B5 –Keith Poppin Be Prepared
B6 –U Roy 006 (Original Jamaican Mix)

C1 –Lee & Jimmy Key Card
C2 –The Upsetters Domino Game
C3 –Tony Fearon Message To The Nation
C4 –Upsetters Dub Message
C5 –The Flames Water Your Garden
C6 –Chenley Duffus Standing On The Hill

D1 –The Gatherers Start Over
D2 –The Ethiopians It's Impossible
D3 –Jah T Grandfather Land
D4 –Pat Francis King Of Kings
D5 –The Upsetters King Of Kings Version
D6 –Count Stocky & The Upsetters To Hell And Back

Video del tema "Dub Machine":



Créditos:
Arreglos, ingeniero, productor – Lee 'Scratch' Perry, The Upsetter
Coros – Aura Lewis, Candy McKenzie, Pamela Reed
Bajo – Boris Gardiner, Robbie Shakespeare
Bateria – 'Benbow' Creary, Mikey 'Boo' Richards, Sly Dunbar (SLY & ROBBIE)
Flauta – Egbert Evans
Guitarra – Earl 'China' Smith, Ernest Ranglin, Geoffrey Chung, Ranny Williams, Robert 'Billy Boy' Johnson, Willie Lindo
Percusion – Noel 'Skully' Simms
Remastered – Anders Peterson
Saxo – Glen DaCosta, Richard 'Dirty Harry' Hall
Trombón– Vin 'Don D' Gordon
Trompeta – Bobby Ellis, David Madden

THE FLAMING SIDEBURNS | Hallelujah Rock'n'Rollah

Repasando mi colección de discos he encontrado un álbum de una banda divertida y que son siempre un placer escuchar: "The Flaming Sideburns". No son muy conocidos por el gran público pero tienen su hueco dentro del circuito "Garage-Punk Rock" europeo y del underground americano. No he escrito un post sobre ellos aún, y ahora es un buen momento para darlos exposición y uno de sus discos que más me gusta.

The Flaming Sideburns

Banda de Garage Punk-Rock que se formó en la ciudad de Helsinki, Finlandia en 1995. La mayoría de los miembros son finlandeses, pero el vocalista es un expatriado argentino. Una curiosa mezcla de culturas, los aparentemente frío nórdicos y un caliente latino que solo puede dar un resultado explosivo y divertido. La formación es Eduardo "Speedo" Martínez (voz y argentino), Ski Williamson (guitarra), Jeffrey Lee Burns (guitarra), The Punisher (bajo) y Jay Burnside (batería).

La banda incorpora el sonido del pasado del Rock N Roll, desde Link Wray, The Sonics, The Rolling Stones, The Stooges...hasta The New York Dolls. La historia escrita sobre ellos menciona que al juntarse se plantearon el modesto objetivo de "salvar el "Rock N Roll ". La leyenda sigue diciendo que afirman haber pasado por un "portal del tiempo" después de abrir como teloneros para Little Richard en 1965, verdad o no (obviamente, no), me ganaron para siempre.

La mayoría de los miembros de "The Flaming Sideburns" habían antes tocado en una variedad de bandas. El guitarrista Ski Williamson (también conocido como Jukka Suksi) fue miembro de "Isabel's Pain", mientras que el guitarrista Jeffrey Lee Burns tocó con "Teenage Kicks"; ambos tocaron juntos en la banda "Bomber". El baterista Jay Burnside estuvo un tiempo con  "Lowdown Shakin 'Chills", "The Unhinged" y "Kowalskis", mientras que el cantante Eduardo "Speedo" Martínez y el bajista The Punisher entraron relativamente como "novatos". Sin embargo, con el tiempo estos dos ultimos crearan una relación estrecha y cuando no están liados con "The Flaming Sideburns" tocando juntos en un proyecto paralelo llamado "Jack Meatbeat & the Underground Society".

The Flaming Sideburns han publicado muchos singles, EPs, directos y cuatro discos de estudio hasta el momento. Llevo siguiendolos un tiempo, pero el único álbum que tengo es el primero "Hallelujah Rock'n'Rollah".

Discografía, hasta ahora:

• Hallelujah Rock'n'Rollah (2001)
• Save Rock'n'Roll (2002)
• Sky Pilots (2004)
• Keys to the Highway (2007)

En su gira de 2010 por España demostraron lo bueno que son sobre el escenario, es la última vez que les vi LIVE.

ALBUM: Hallelujah Rock'n'Rollah

El primer álbum de estudio publicado en 2001. Ese año tuvo un importante renacimiento de Garage-Rock por los países nórdicos, y THE FLAMING SIDEBURNS estaban creando su propio sonido afín gracias a su estridente, divertido y ceñido ataque de Rock N Roll que combinaba el sonido de The Velvet Underground y The Rolling Stones, con el rugido de los MC5.

Lo notable es que se las arreglan para evitar sonar demasiado parecido a los conocidos bandas de Rock, lo que claramente no es poca cosa, para imponer su propia personalidad. No dudo que la voz y personalidad de Eduardo "Speedo" Martínez ayuda a diferenciar a la banda gracias a su "interpretación latina"

Los temas más destacados de Hallelujah Rock'n'Rollah para mi son "Lonesome Rain", "I'm in the Moon", "Loose My Soul" y "Sweet Sounds of L*U*V", con unas buenas "lentas" en "Stripped Down" y "Flowers", canciones que ayudan que sea un disco muy sólido y divertido de principio a fin. Este disco también tiene unas guitarras explosivas y un bajo duro que permite al líder Eduardo "Speedo" Martínez ser la estrella del disco con su voz arrogante, súper segura y con acento nórdico!

Este disco llegó a publicarse en los Estados Unidos con el título "Save Rock'n'Roll" y les dio a conocer dentro del circuito underground. Además uno de los temas de este disco, "Street Survivor" fue usado en un anuncio de TV para la marca de coches "Toyota".

Un disco recomendado. Un álbum que seguro va gustar a los fans del Rock N Roll (y The Rolling...) y del sonido "Garage". Un trabajo muy completo, entretenido y muy divertido. A mi me gusta mucho este disco, me gusta su narrativa y la banda me resulta distinto y muy cool.

Video de "Lose My Soul":



Tracklist:
1.Loose My Soul 3:05
2.Up in Flames 2:54
3.Blow the Roof 3:28
4.Flowers 3:03
5.World Domination 2:58
6.Sweet Sound of L*U*V 3:23
7.Street Survivor 3:02
8.Stripped Down 2:53
9.Lonesome Rain 3:58
10.Spanish Blood 4:09
11.I'm in the Moon 4:09

THE J. GEILS BAND | The J. Geils Band - Album

The J. Geils Band 

Banda de Blues-Rock americana (Boston) formada en 1968, bajo el liderazgo del guitarrista John "J" Geils. Los miembros originales de la banda incluyeron al vocalista Peter Wolf, Seth Justman (vocalista y tecladista), Danny Klein (bajista), Richard "Magic Dick" Salwitz (armónica y el saxo) y Stephen Bladd (batería), siendo Peter Wolf y Seth Justman los principales compositores.

La banda tocó Blues-Rock influenciado por R&B durante la década de 1970. A través de constantes giras, la banda logró un gran número de seguidores en los Estados Unidos gracias a sus enérgicos espectáculos. Pronto alcanzaron la relativa popularidad antes de avanzar hacia un sonido más Pop-comercial para sonar más en radio a principios de la década de 1980, cosa que llevó a la banda a su apogeo comercial. Después de que Peter Wolf dejara la banda en 1983 para seguir una carrera en solitario, la banda publicó un álbum más en 1984, antes de separarse en 1985. A partir de 1999, la banda tuvo varias reuniones antes de la muerte  John J. Geils el 11 de abril de 2017.

La "J. Geils Band" fue una de las bandas de Rock más populares en los Estados Unidos durante los años 70. Donde sus contemporáneos fueron influenciados por el "Boogie" del Blues-Rock británico y sonidos de la psicodelia, J. Geils Band era una banda más de bar, produciendo versiones simples y puras R&B, Doo-Wop y Soul, cortándose con una dosis saludable de "Swagger". Los comentarios de sobre sus directos describen una banda muy divertido y entretenido.

A principios de los años 80, el grupo suavizó su sonido Blues-Rock y cambió su imagen para abrirse a un público más amplio con una filosofía más "Pop-Comercial". Les valió el gran éxito "Centerfold"(álbum Freeze Frame de 1982), que se mantuvo en el #1 de las listas (Billboard Hot 100) durante seis semanas. Pero cuando la banda se preparó para grabar nuevo material, las tensiones entre Seth Justman y Peter Wolf habían aumentado considerablemente, lo que resultó en la salida de Peter Wolf, que rápidamente llevó a la desaparición de la banda. El precio del exito comercial fue alto.

No obstante, The J. Geils Band dejaron huella. Su amor por el clásico R&B de los años 50 y 60 que crecieron escuchando aparece en todos los álbumes que publicaron. El mismo J. Geils fue uno de los guitarristas más subestimados del Rock, Peter Wolf era un carismático lider y cantante,  y Richard "Magic Dick" Salwitz ha sido llamado quizás el mejor músico de armónica blanca de todos los tiempos. En definitiva, una de las mejores bandas en directo de cualquier época.

Nos dejan una extensa e interesante catálogo de álbumes.

Discografía:

• The J. Geils Band (1970)
• The Morning After (1971)
• Bloodshot (1973)
• Ladies Invited (1973)
• Nightmares...and Other Tales from the Vinyl Jungle (1974)
• Hotline (1975)
• Monkey Island (1977)
• Sanctuary (1978)
• Love Stinks (1980)
• Freeze Frame (1981)
• You're Gettin' Even While I'm Gettin' Odd (1984)

Personalmente me inclino por su etapa más pura de Blues Rock y me quedo con los dos primeros discos, en particular el debut - "The J. Geils Band".

ALBUM: The J. Geils Band 

El álbum debut publicado el 16 de noviembre de 1970. Un fantástico primer álbum de Blues, R&B y puro Rock N Roll. El disco demostró que no estaba muerto el Rock N Roll en 1970 y es una explosión continua de energía. Llama la atención la actuación del cantante Peter Wolf, Richard "Magic Dick" Salwitz se sale en la armónica y J. Geils toca la guitarra de maravilla junto con Seth Justman en los teclados.

El disco contiene versiones de clásicos como "Homework" (Otis Rush), "Serves You Right to Suffer" (John Lee Hooker), "Sno-Cone" (Albert Collins), "Cruisin' for a Love" (Juke Joint Jimmy) y "Pack Fair & Square" (Walter Price), junto con sólidos y divertidos originales. Una buena mezcla de nostalgia, intensidad y emoción de una banda ya bien experimentado en directo y delante de audiencias muy exigentes.

Un disco recomendado, especialmente para los fanáticos de Blues y Blues-Rock. Excelente disco que quizás sufrió la sombra de otras bandas contemporáneas activos en el mismo momento cara al gran público como "Canned Heat" y "Creedence Clear Revival". Fuera asi o no, siempre es un buen momento para descubrir este disco o retomarlo.

Video de The J Geils Band - "Hard Drivin' Man":



Tracklist:
Cara A
1. "Wait" Seth Justman, Peter Wolf 3:25
2. "Ice Breaker (For The Big "M")" J. Geils 2:15
3. "Cruisin' for a Love" Juke Joint Jimmy 2:32
4. "Hard Drivin' Man" Wolf, Geils 2:18
5. "Serves You Right to Suffer" John Lee Hooker 5:01
Cara B
6. "Homework" Otis Rush, Al Perkins, Dave Clark 2:45
7. "First I Look at the Purse" Robert Rogers, Smokey Robinson 3:54
8. "What's Your Hurry" Wolf, Justman 2:44
9. "On Borrowed Time" Wolf, Justman 3:03
10. "Pack Fair and Square" Big Walter Price 2:01
11. "Sno-Cone" Albert Collins 3:24

THE STROKES | Is This It - Album

¿Salvaron el Rock? Muchos lo han comentado que inyectaron estilo, diversión y pegadiza composiciones a la música Rock. The Strokes son reconocidos como una de las bandas más influyentes de principios del siglo XXI. Con su primer álbum en 2001 revitalizaron una escena de Rock que había pasado años centrada en el Post-Grunge y el Nu-Metal ayudando a dar forma al sonido y la apariencia del Rock Alternativo en la década de 2000. Wooow, vaya elogios (y presión).

THE STROKES (Banda de Rock)

Banda americana de indie rock de Manhattan, Nueva York. Formada en 1998, la banda está compuesta por el cantante Julian Casablancas, los guitarristas Nick Valensi y Albert Hammond Jr., el bajista Nikolai Fraiture y el baterista Fabrizio Moretti. Han sido reconocidos como una de las bandas más destacadas de los renacimientos de Garage-Rock y Post-Punk, responsables del resurgimiento del Rock-Alternativo de Nueva York.

Julian Casablancas, Nick Valensi y Fabrizio Moretti comenzaron a tocar juntos mientras asistían a la Escuela. Nikolai Fraiture se hizo amigo de Casablancas mientras los dos asistían al "Lycée Français". A los 13 años, Casablancas fue enviado a "Le Rosey", un internado en Suiza, para mejorar su rendimiento académico. Allí conoció a Albert Hammond, Jr. (hijo del famoso cantautor inglés Albert Louis Hammond). Más tarde, cuando Hammond Jr. llegó a Nueva York para asistir a la "Escuela de Artes Tisch" de la Universidad de Nueva York, compartió piso con Casablancas. Los compañeros comenzaron una banda, primero actuaron en el "HiFi Bar", luego "The Spiral", seguido por el "Luna Lounge", y luego en el popular "Mercury Lounge" de Manhattan. En Octubre del 2001 publican su álbum debut.

El sonido de la banda es Indie Rock, Garage Revival y Post-Punk Revival. El vocalista Julian Casablancas ha citado a Lou Reed como una gran influencia. Además, ha declarado que Bob Marley, Nirvana y Pearl Jam son las principales influencias en su trabajo, siendo esta última la razón por la que comenzó a hacer música después de escuchar la canción "Yellow Ledbetter".

Con una filosofía de regresar a lo básico, The Strokes agregó nuevos elementos de "New Wave" y "Synthpop" al Rock, abriendo el camino para otras bandas como Kings of Leon, The Killers, The Libertines, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys...etc. El hecho es que The Strokes explotaron sobre la escena mundial y cautivaron las mentes de los criticos, especialistas, musicos y fans de manera pocas veces visto, y diría algo exagerado. Quizas los ultimos años de los 90 del Siglo XX habían entrado en un agujero donde la aparición de The Strokes parecía un pequeño "milagro" y salvación.

La discografía de THE STROKES hasta ahora:

• Is This It (2001)
• Room on Fire (2003)
• First Impressions of Earth (2005)
• Angles (2011)
• Comedown Machine (2013)
• The New Abnormal (2020)

Personalmente, no me han "comido la cabeza". Pienso que en general hay mucha exageración cuando se habla y se escribe sobre "The Strokes". El primer álbum es un grandísimo e influyente disco, su mejor trabajo y no hay dudas, pero sus posteriores álbumes han ido cayendo progresivamente en calidad e impacto. Pienso que con los años han sido sostenidos por una fiel e "hipnotizado" prensa especializada que siguen bajo el hechizo del álbum debut. Existe una cierta lealtad ciega que no se atreve asumir cuando algo es "mediocre", refuerza mucho más el impacto explosivo que tuvo, y sigue teniendo el primer disco "Is This It".

ÁLBUM: Is This It

El álbum debut publicado el 30 de julio de 2001 y producido por Gordon Raphael. Elaborando sobre material el EP "Modern Age" y manteniendo un sonido en directo (garage), es un disco que narra las vidas y relaciones urbanas de la ciudad de Nueva York. La portada tambien se ha hecho famosa, causó controversia por ser demasiado explícita sexualmente y fue reemplazada para el mercado americano, aunque la foto del perfil lateral del culo femenino es para el resto de planeta el estándar (por cierto no entiendo la controversia). Además el tema "New York City Cops" fue inicialmente retirado del "tracklist" por los ataques a las Torres Gemelas del 11 de Septiembre, aunque aparece en el vinilo y versión internacional del CD. El disco fue apoyado por tres singles: "Hard to Explain", el ahora mítico "Last Nite" y "Someday".

La aparición de este disco tuvo un impacto similar a una bomba atómica. Anteriormente saturados de años de Pop-comercial con sus narrativas triviales y de excesos, aparecieron unos chicos jovenes, atractivos, cool y con aura de malotes al estilo grunge que volvieron a resucitar el sonido de musicos y bandas como Lou Reed, Television y The Stooges. Lo novedoso es que no copiaron el sonido de dichas bandas sino que lo hicieron suyo, y en el proceso volvió el foco de la musica rock alternativo mundial a la ciudad de Nueva York.

El crítico Gary Mulholland considera que el lanzamiento de "Is This It" es un "momento que cambia el mundo" y señala que su impacto fue "inmediato y dramático". El periodista Tam Gunn explica que "causó un cambio radical" en la música convencional en los Estados Unidos y el Reino Unido. Los especialistas posteriormente ponen "Is This It" como la zona cero de bandas como The Libertines, Franz Ferdinand, Arctic Monkeys, Kings of Leon, The Killers..etc. Pero los elogios tambien consiguieron niveles más profundos; Jed Gottlieb argumenta que, aunque "Is This It" proporcionó una influencia musical sustancial, su mayor éxito fue renovar la industria de la música y hacer que los A&R de los sellos discográficos exploren y promuevan bandas alternativas, cosa que pasó en el Reino Unido. El crítico Gary Mulholland continua y agrega que incluso las estrellas Pop de esa década que redescubrieron el disco, el electro y el synthpop tienen una deuda con el disco, porque su éxito comercial "hizo que todos los experimentos olvidados del arte Pop de finales de los 70 y principios de los 80 instantáneamente estuvieran listos para la reinvención". Y por ultimo, Joe Colly de la revista online "Pitchfork" sugiere que "solo capturas este tipo de rayo en una botella una vez". En fin, el mundo musical estaba en "ecstasy" con la publicación de "Is This It", y parecía con no podian "c*gar", cosa exagerado en mi opinión y que con el paso del tiempo me daria razon, aunque no quita en absoluto la calidad y nivel del primer disco de The Strokes.

Todas las canciones del álbum se mezclaron con 11 o menos pistas y el álbum no contiene "trucos de producción" para captar la esencia orgánica de las composiciones. La mitad de "Is This It" consiste en material disponible anteriormente, pero eso no es una decepción ya que son temazos. Sin embargo, el nuevo material son ya canciones probadas y aun mejores. El tema "Is This It" es un homenaje de ser joven, y "Alone Together" y "Trying Your Luck" desarrollan el lado melancólico del grupo, mientras que "Soma", "Someday" y "Take It or Leave It" capturan la forma más exuberante y despectiva. The Strokes en este álbum vuelven a poner de "Vogue" el lema "Rock N Roll, Sexo y Drogas",  y revitalizan las formaciones tradicionales de guitarra, bajo y batería. En fin, si sirve, mis temas recomendados son "Last Nite", "Take It or Leave it", "Someday", "Hard to Explain", "The Modern Age", "When It Started" y "Is This It".

Y termino, el lado malo de tener un lanzamiento tan atómico, tan impactante, tan bueno e influyente es que todo lo que hagas después tiene que superarlo,  sino será percibido como malo. Para mi, "The Strokes", nunca han podido volver a estar al mismo nivel, todos los discos publicados después de "Is This It" no me emocionan. Es más, pienso que la presión sobre la banda de publicar algo parecido o de superior nivel les ha afectado y frustrado. No obstante, dicho esto, nadie puede quitar a "The Strokes" el sitio en la historia de la música que tiene su primer álbum. Esto ya es para siempre.

Un disco recomendado. Verdaderamente un álbum emblemático, ayudó a marcar el comienzo del movimiento de Post-Punk Revival de principios del siglo XXI. No hay, ni habrá otro álbum de "The Strokes" como este y que impacte tan fuerte.

Video de The Strokes - "The Modern Age":



Tracklist del álbum “This is It”:

1. "Is This It" 2:35
2. "The Modern Age" 3:32
3. "Soma" 2:38
4. "Barely Legal" 3:54
5. "Someday" 3:07
6. "Alone, Together" 3:12
7. "Last Nite" 3:18
8. "Hard to Explain" 3:48
9. "New York City Cops" 3:36 (version internacional y vinilo)
10. "Trying Your Luck" 3:28
11. "Take It or Le

ARIEL PINK | Before Today - Album

ARIEL PINK (Banda)

Ariel Marcus Rosenberg, aka Ariel Pink, cantante, multi-instrumentista y compositor americano cuyo trabajo se basa principalmente en el Pop de los años 1970-1980. Su estética de baja fidelidad y sus discos grabados en casa demostraron ser influyentes para muchos músicos independientes a finales de la década de 2000. Con frecuencia se lo cita como "padrino" de los movimientos "Pop encantado" y "Chillwave", y se le atribuye el impulso de una tendencia más amplia que implica la evocación de los medios, los sonidos y las tecnologías pasadas de moda de décadas anteriores.

Desde joven Ariel Pink escuchaba musica de Def Leppard, Metallica, Anthrax, y después grupos y artistas como Bauhaus, The Cure y Michael Jackson. Con el tiempo se animo a experimentar con la grabación de canciones en un "Portaestudio" de ocho pistas creando sonidos influenciados en dichas bandas. La mayoría de su producción registrada proviene de un prolífico período de ocho años (1996–2003) en el que acumuló más de 200 cintas de material en cassette. Prácticamente toda su música lanzada en la década de 2000 fue escrita y grabada antes de 2004. Sus álbumes atrajeron de inmediato muchos seguidores muy fieles.

Discografía, hasta el momento:

• Underground (1999) (oficialmente publicado 2007)
• The Doldrums (2000) (oficialmente publicado  2004)
• Scared Famous (2001)
• Fast Forward (2001)
• House Arrest (2002) (oficialmente publicado 2006)
• Lover Boy (2002) (oficialmente publicado 2006)
• Worn Copy (2003)
• Before Today (2010)
• Ku Klux Glam (2012) (con R. Stevie Moore)
• Mature Themes (2012)
• Pom Pom (2014)
• Dedicated to Bobby Jamieson (2017)

La música de Pink abarca una selección diversa de estilos, a veces dentro de la misma canción, y adopta una versión posmoderna de la música Pop. Sus grabaciones iniciales mezclan el Pop psicodélico de baja fidelidad (Lo-fi) con elementos extraídos del "Soft Rock" de la década de 1980 y el Pop clásico" de California.

La verdad es que la música de Ariel Pink no tiene una definición, aqui el encanto. Para mi es un músico difícil de seguir, no me gusta todo lo que produce y me llama la atención solo ciertos trabajos. Es inconsistente, bajo mi criterio, pero cuando publica algo bueno, para mi es fantastico. Como ya he descrito, su line de trabajo" es Lo-Fi Pop psicodélico" donde recupera sonidos del pasado de los años 70 y 80 para darlos vida de nuevo dentro de un contexto moderno y de actualidad. Aquí el término musical "Haunted Music", la reencarnación de sonidos ya "muertos", o mejor dicho olvidados en el tiempo.

Sus fans le adoran y elogian todo lo que publica, lo entiendo no hay ninguna duda sobre el descomunal talento de Ariel Pink. Yo particularmente tengo que ser más selectivo, y dentro de esa acción, el disco que más me gusta es "Before Today" de 2010. Es el álbum que me introduce al músico y prácticamente el único de su discografía que sigo escuchando con cierta regularidad.

ALBUM: Before Today

El octavo álbum acreditado a "Ariel Pink's Haunted Graffiti" (conjunto montado de Ariel Pink, Eric Lumbleau – voz, Chris Cohen – voz, Aaron Gonzalez – bajo, Dennis González – trompeta, Stefan González – batería, Max "Sax" Kaplan – saxo, Jim Lehnert – alto saxo,Tamara Cauble – violín, Aaron Sperske - Drums y Nedelle Torrisi – voz), su primer disco escrito y grabado con una banda de apoyo, y publicado el 8 de junio de 2010. El álbum fue aclamado por la crítica y especialistas musicales tras su lanzamiento,

Ariel Pink llama a "Before Today" su primer álbum, quizás por que es su "primer disco" que se graba en un estudio profesional. Además, aunque el "Chillwave" ya estaba siendo expuesto por otras bandas cuando se publicó, el estilo toma notoriedad con este álbum. Ariel Pink, sin querer o a sabiendas, hace el "Chillwave" suyo.

Como no podía ser de otra manera, repase los álbumes anteriores para asi poder definir "Before Today" y ver que cambia o donde evoluciona. Lo primero es lo obvio, una mejor producción y fidelidad. Segundo, no hay mucho cambio, al menos no es radical, observado hay más experimentación y atrevimiento, y narrativas quizás algo absurdas con las canciones. Todo en línea con, supongo, la psicodelia y la personalidad carismática (y peculiar) del músico. Lo que sí diferencia este disco a Ariel Pink y su formación es que combina una amplia gama de estilos y géneros: Pop, Rock, Psych-Rock, Post-Punk e musica Instrumental, dando más riqueza al oyente.

Otro elemento que define este álbum es el labor de artista de ser el punto que recoge el pasado para lanzarlo al futuro. Hay mucho del Pop pasado (anticuado) que circula en el álbum (como fantasmas - aqui el termino "Haunted Pop") que se ha filtrado por una mesa de mezclas moderna y por la cabeza peculiar de Ariel Pink para reconvertir los sonidos a "hoy". Quizas es esto la "diferencia" de los otros trabajos, y lo que más aprecio en este álbum. No obstante, es un disco de difícil digestión y requiere paciencia.

Un disco recomendado, los poco de Ariel Pink que escucho con más regularidad. Un álbum repleto de ganchos, arreglos espectaculares que logra un efecto flotante. Algo extraño sí que es, no lo voy a negar, en mi caso es lo que busco en la musica que me gusta; salirse de lo normal.

Video de la canción "Bright Lit Blue Skies":



Tracklist
1. "Hot Body Rub" 2:26
2. "Bright Lit Blue Skies" 2:25
3. "L'estat (Acc. to the Widow's Maid)" 4:26
4. "Fright Night (Nevermore)" 3:35
5. "Round and Round" 5:08
6. "Beverly Kills" 3:56
7. "Butt-House Blondies" 3:27
8. "Little Wig" 5:46
9. "Can't Hear My Eyes" 3:19
10. "Reminiscences" 2:34
11. "Menopause Man" 4:00
12. "Revolution's a Lie" 3:49

DINOSAUR JR | You're Living All Over Me

DINOSAUR JR (Banda)

Banda americana de Rock-Alternativo estadounidense formada en 1984, originalmente llamada simplemente "Dinosaur" hasta que los problemas legales forzaron un cambio de nombre a "Dinosaur Jr."

La banda fue fundada por Joseph Mascis (guitarra, voz y compositor), Lou Barlow (bajo y voz) y Emmett Murph (batería). J. Mascis y Lou Barlow tocaron juntos antes, en la batería y la guitarra respectivamente, en la banda de Punk Hardcore "Deep Wound" formada en 1982 mientras la pareja asistía a la escuela secundaria. Después de la escuela comenzaron a explorar música más lenta pero agresiva, similar a "Black Sabbath", "The Replacements" y "Neil Young". El amigo universitario de Mascis, Gerard Cosloy, le presentó a bandas pop influenciadas psicodelicamente como "Dream Syndicate", que Mascis a su vez le mostró a Barlow.

Formado "Dinosaur" (Jr.), y después de tres álbumes en sellos independientes, la banda se ganó una reputación como una de las influencias formativas en el Rock-Alternativo. La tensión creativa llevó a J Mascis a despedir a Lou Barlow, quien más tarde formó "Sebadoh" y "Folk Implosion", le reemplazó Mike Johnson. El baterista Emmett Murph también llegaria finalmente a renunciar, con J. Mascis asumiendo las tareas de batería en los álbumes de la banda antes de que el grupo se disolviera en 1997. La formación original se reformó en 2005, publicando cuatro álbumes a partir de entonces.

La voz arrastrada de J Mascis (influenciado por John Fogerty, Mick Jagger y Neil Young) y el sonido distintivo de la guitarra, que se remontan al rock clásico de los años 60 y 70 y se caracterizan por un amplio uso de retroalimentación y distorsión, fueron muy influyentes en el movimiento de Rock-Alternativo de los años 90 del Siglo XX.

Dinosaur Jr ha sido descrito musicalmente como una banda alternativo, indie rock y de noise rock, también se habla de hardcore punk (primeros álbumes) y grunge (principios de los años 90). Sin embargo, el estilo musical de la banda, en comparación con sus contemporáneos underground en la década de 1980, difería de varias maneras. Esto incluye la influencia del "Rock clásico", el uso de la retroalimentación, el volumen extremo y la dinámica fuerte y silenciosa.

Para poder continuar explicando algo más el sonido musical de la banda,  J. Mascis escuchó a artistas de rock clásico como "The Rolling Stones" y "The Beach Boys" cuyos elementos se incorporaron al sonido de Dinosaur Jr. Además, J.Mascis también era fan de muchas bandas Punk y Hardcore como "The Birthday Party", y ha señalado con frecuencia a Nick Cave como una influencia. Al igual que el trabajo de guitarra de J Mascis, las líneas de bajo de Lou Barlow, con sus acordes rápidos muy distorsionados y pulverizadores, se basan en gran medida en músicos como Lemmy de "Motörhead" y Johnny Ramone (Ramones).

Discografía, hasta el momento:

• Dinosaur (1985)
• You're Living All Over Me (1987)
• Bug (1988)
• Green Mind (1991)
• Where You Been (1993)
• Without a Sound (1994)
• Hand It Over (1997)
• Beyond (2007)
• Farm (2009)
• I Bet on Sky (2012)
• Give a Glimpse of What Yer Not (2016)

Personalmente me gustan muchos álbumes de Dinosaur Jr, el debut "Dinosaur" es muy bueno, "Bug" mola mucho, "Green Mind" es la bomba y "Where You Been" es bueno. Sin embargo, me gusta más "You're Living All Over Me (1987)".

ALBUM: You're Living All Over Me

El segundo álbum de estudio publicado el 14 de diciembre de 1987 producido por Wharton Tiers (Sonic Youth, Glenn Branca, Das Damen, Helmet, White Zombie, Quicksand, An Albatross, The Dentists, Unrest y Gumball). Un refinamiento de la fórmula presentada en su álbum debut, este disco es una fusión de Punk Hardcore, ruido al estilo "Sonic Youth", Heavy Metal y Hard Rock melódico en la línea de "Neil Young", convirtiéndose en un punto de inflexión en el Rock N Roll underground.

Con su punto desequilibrado, el álbum suena positivamente amenazante y vanguardista: los bajos de Lou Barlow avanzan sobre los golpes de Emmett Murph en la batería con la guitarra de J Mascis girando riffs y distorsión . Si bien el álbum,  visto desde una perspectiva global, contiene una composición desigual de repertorio (canciones), los mejores momentos para mi gusto son "Little Fury Things", "Raisans" (con impresionante solo de guitarra), "In a Jar" y "Sludgefeast"...aunque todos los cortes molan.

Un disco recomendado. Un álbum para fans del "ruido" y para guitarristas. Un trabajo que mejor se define como una pared de ruido distorsionado, una explosión brutal de potencia y reverberación que señala el camino para otras bandas posteriores como "Pixies" y "Nirvana". Un disco considerado con el tiempo como un punto álgido del Rock-Alternativo americano en la década de 1980.

Video del tema "Raisans":

Tracklist del disco "You're Living All Over Me":
1. "Little Fury Things" 3:06
2. "Kracked" 2:50
3. "Sludgefeast" 5:17
4. "The Lung" 3:51
5. "Raisans" 3:50
6. "Tarpit" 4:36
7. "In a Jar" 3:28
8. "Lose"        3:11
9. "Poledo" 5:43

ROSE TATTOO - Rose Tattoo - Album

Rose Tattoo (Banda australiana)

Una breve historia:

Grupo de rock de las antípodas, veterana y de mucho prestigio, ahora dirigida por Gary Stephens, aka Angry Anderson. Su sonido Hard Rock curtido durante años por el circuito de "Clubs y Pubs" mezcla influencias de Blues-Rock siendo conocidos por canciones ya clásicas como "Bad Boy for Love", "Rock 'n' Roll Outlaw","Nice Boys","We Can Be Be Beaten" y "Scarred for Life "...por dar ejemplos. Son un símbolo musical de la clase obrera y unos "tipos duros".

Rose Tattoo se formó en Sydney (Australia) en 1976 con Leigh Johnston (guitarra), Tony Lake (voz), Peter Wells (guitarrista) - quien acababa de dejar como bajista a la banda de Heavy Metal "Buffalo"- , el baterista Michael Vandersluys e Ian Rilen de "Band of Light" que se unió al bajo. Este ultimo fue un ex-convicto y tipo duro que dio a la banda la credibilidad callejero que estaban buscando. El guitarrista Mick Cocks pronto reemplazó a Leigh Johnston; Lake y Vandersluys fueron sustituidos por los ex miembros de la banda "Buster Brown": Angry Anderson y Dallas "Digger" Royall, respectivamente. La banda "Buster Brown", con sede en Melbourne, disfrutó de notoriedad local, tocando en el "Festival Sunbury" de 1974 incluyó al futuro baterista de AC/DC Phil Rudd. Rose Tattoo hizo su debut público en la víspera de Año Nuevo en el famoso Club de rock "Checkers". La banda ha experimentado numerosos cambios en su formación durante los años, y muchos - hasta 5 ex-miembros - han fallecido de cáncer (como Mick Cocks, Ian Rilen y Peter Wells). Es indicativo de la banda, que vieron cómo tocaban.

Principalmente inspirado por las bandas "The Rolling Stones", "Faces" y "Billy Thorpe y The Aztecs" de los años 70, el sonido rockero de Rose Tattoo rápidamente ganó seguidores devotos en la área de Sydney. Los miembros de AC/DC eran grandes fans y los recomendaron a su sello discográfico. El single debut de la banda "Bad Boy for Love" alcanzó el puesto # 19 en la lista de singles australiana y les lanzó hacia una larga y célebre carrera orientado por los prestigiosos productores Harry Vanda y George Young que trabajaron sus primeros cuatro álbumes.

La discografía de la banda "Rose Tattoo" hasta ahora:

• Rose Tattoo (1978)
• Assault & Battery (1981)
• Scarred for Life (1982)
• Southern Stars (1984)
• Beats from a Single Drum (1986)
• Pain (2002)
• Blood Brothers (2007)
• Outlaws (2020)

Según el historiador australiano de la música rock "Ian McFarlane", Rose Tattoo es "una de las bandas más veneradas de todos los tiempos. Los "Tatts" tocan blues sin igual, de nivel callejero con énfasis en la guitarra deslizante y las estridentes frases líricas". Bandas como Guns N 'Roses, LA Guns, Keel, Nashville Pussy, Motosierra, Pud Spuke Helen Schneider, Skrewdriver y la banda uruguaya The Knight's Night han versionado canciones de Rose Tattoo. El 16 de agosto de 2006  fueron incluidos en el "Salón de la Fama de la Asociación Australiana de la Industria de Grabación (ARIA)".

El grupo se disolvió en 1987, posteriormente se reformaron brevemente en 1993 para apoyar a "Guns N 'Roses" en una gira australiana. Volvieron de nuevo en 1998 y desde entonces han lanzado dos álbumes de estudio más.

Si hay una álbum que mejor puede servir para introducir a Rose Tattoo, pienso que tiene que ser el debut "Rose Tattoo" de 1978

ALBUM: Rose Tattoo

Rock N Roll Outlaw (edición europea)

El álbum debut publicado en noviembre de 1978 producido por el famoso equipo de Vanda & Young (ex-Easybeats, AC/DC, The Angels y Stevie Wright...por ejemplo). Disco que les lanzaría para llegar a calificar "Rose Tattoo" como posiblemente la mejor banda Punk-Rock de "clase obrera" del mundo. Esto es naturalmente debatible, pero hay una fuerte asociación con los valores y ética obrera en la música y con los orígenes de los miembros de la banda.

Es un monstruo de álbum,  peligroso e impredecible, cuyo poder y fuerza apenas ha disminuido en las décadas posteriores. La primera canción, "Rock 'N' Roll Outlaw", dibuja la línea en la arena, desafiando a todos los que la crucen; sigue "Nice Boys" dando un puñetazo en la mandíbula. El corte "One of the Boys" es un intensivo "Boogie", mientras que "The Butcher and Fast Eddy" es una historia sobre bandas callejeras. El primer single del disco "Bad Boy for Love" toma prestado su riff principal de "She's Got Balls" de AC/DC, y el número lento "Stuck on You" es el equivalente al "Gimme Danger" de The Stooges. Las canciones "Remedio" y "T.V." son explosiones de pura energía y una locura total terminando con "Astra Wally" para un clímax total de Rock durísimo.

Resumiendo, es un disco genial de unos tipos muy duros, tatuados y malvados todos ellos ya veteranos de la escena del Rock australiano de los Clubs y Pubs. Son los chicos que cruzamos la calle para evitarlos. Este álbum sería su particular tarjeta de presentación y "Banda Sonora".

El disco llegaría lejos e impactaría sobre muchos otros músicos de carácter "duro" como fue con Axl Rose e Izzy Stradlin (Guns N Roses) que afirmaron que "Rose Tattoo" cambió sus vidas y les confirmó que su propio futuro estaba en el Rock N Roll. El tema "Nice Boys" también fue versionado por la banda de Punk "Nashville Pussy" en su EP debut de 1998 "Eat More Pussy". En 1987, la canción "Rock & Roll Outlaw" fue versionado por la banda estadounidense "Keel" para la banda sonora de la película "Dudes". En 2010, el álbum "Rose Tattoo (1978)" figuraba en el libro, "100 mejores álbumes australianos".

Disco recomendado

El álbum ideal para conocer a los australianos "ROSE TATTOO" si no sabes de ellos. Una obra que les capta perfectamente como personas, artistas y músicos, de sonidos fuertes y aún más en actitud.

Video del tema "Nice Boys":

 

Tracklist (álbum: edición original):

1."Rock 'n' Roll Outlaw"  – 3:24

2."Nice Boys"  – 2:55

3."The Butcher and Fast Eddy"  – 6:33

4."One of the Boys"  – 3:12

5."Remedy"  – 3:03

6."Bad Boy for Love"  – 3:08

7."T.V."  – 2:02

8."Stuck on You"  – 3:58

9."Tramp"  – 2:40

10."Astra Wally"  – 5:58

Miembros de la banda Rose Tattoo:

Angry Anderson - voz principal

Peter Wells - guitarra slide, voz

Mick Cocks - guitarra solista, guitarra rítmica

Geordie Leach - bajo (pistas 1 a 5, 7 a 9, 11 a 13, 15 a 18)

Ian Rilen - bajo (pistas 6, 10, 14)

Dallas "Digger" Royall - batería

Producción:

Harry Vanda - productor

George Young - productor