BIG MAMA THORNTON - In Europe - álbum esencial de blues

Antes de entrar en el disco, conviene detenerse un momento en la figura que lo sostiene todo. Big Mama Thornton no fue solo una gran voz del blues, fue una presencia que desbordaba cualquier etiqueta, una artista que vivió al margen de lo que se esperaba de ella y que convirtió cada escenario en un espacio propio. "In Europe" no se entiende sin ese recorrido previo, sin las heridas, los logros invisibles y la determinación que arrastraba consigo cuando llegó a Londres en 1965. Porque lo que se escucha en este álbum no es solo música, es el eco de todo lo que había vivido hasta ese momento.

ALBUM: In Europe 

Hay artistas que parecen pertenecer a un lugar concreto, a un tiempo, a una escena. Y luego está Big Mama Thornton, que suena como si perteneciera a todos ellos a la vez y a ninguno en particular. Escuchar "In Europe" es asomarse a un cruce de caminos, uno de esos momentos en los que el blues deja de ser únicamente una música del sur de Estados Unidos para convertirse en un lenguaje compartido, entendido y celebrado también al otro lado del océano.

El disco nace en un contexto muy específico. En 1965, Willie Mae "Big Mama" Thornton participa en el American Folk Blues Festival, una gira que llevó a Europa a algunos de los nombres más importantes del género. Aquellas actuaciones no solo sirvieron para consolidar la reputación del blues fuera de Estados Unidos, también ofrecieron a muchos músicos una acogida que en su propio país se les había negado durante años. Thornton lo dijo sin rodeos en una entrevista, en Europa hacían más ruido, había más reconocimiento, más escucha.

Fue en ese ambiente, casi eléctrico en lo emocional, cuando Chris Strachwitz decidió grabarla en Londres, en los Wessex Studios. Y lo hizo rodeándola de una banda que, sobre el papel, ya era una declaración de intenciones, Buddy Guy a la guitarra, Eddie Boyd al piano y órgano, Fred Below a la batería, Jimmie Lee Robinson al bajo, con apariciones de Walter Horton a la armónica y Mississippi Fred McDowell aportando su slide. No era un acompañamiento, era una constelación de estrellas.

Pero incluso en medio de ese elenco, la sensación es clara desde el primer tema, todo gira alrededor de ella.

Voz que no pide permiso:

La historia de Willie Mae Thornton siempre aparece atravesada por la injusticia. Fue la primera en grabar el tema "Hound Dog", en 1952, llevándola al número uno del rhythm and blues. Años después, la versión de Elvis Presley convertiría la canción en un símbolo global, dejando a Big Mama Thornton en un segundo plano que nunca debió existir. No recibió lo que le correspondía, ni en dinero ni en reconocimiento. Y sin embargo, escucharla aquí es entender que su legado no depende de eso.

Su voz tiene algo difícil de explicar sin caer en exageraciones. No es solo potente, es una voz con textura, con peso, con una especie de verdad que no se puede fingir. Hay momentos en el disco "In Europe" en los que parece que cada frase arrastra todo lo que ha vivido, la infancia dura en Alabama, los trabajos precarios, los escenarios compartidos con músicos que luego sí entrarían en la historia oficial.

En "Hound Dog", que aparece en dos versiones, no hay rastro de domesticación. Es cruda, casi desafiante, con una energía que nada tiene que ver con la lectura más ligera que popularizó Elvis Presley. Aquí la canción vuelve a su origen, a ese punto donde el blues y el primer rock and roll todavía eran inseparables.

Electricidad y polvo, dos caras:

Una de las cosas que más me atrapan personalmente de este álbum es su equilibrio entre lo eléctrico y lo desnudo. En temas como "Sweet Little Angel", la guitarra de Buddy Guy no acompaña, dialoga, responde, empuja. Hay momentos en los que parece que ambos están compitiendo por ver quién llega más lejos, pero sin perder nunca la coherencia. El resultado es un blues vibrante, casi físico.

"Little Red Rooster" se mueve en otra dirección. La atmósfera es más densa, más arrastrada, como si el tiempo se ralentizara. La armónica de Walter Horton añade un tono casi fantasmal, mientras Thornton canta con una mezcla de ironía y cansancio que convierte el tema en algo mucho más inquietante de lo habitual.

Y luego están las piezas junto a Mississippi Fred McDowell, "My Heavy Load", "School Boy" y "Chauffeur Blues". Aquí todo cambia. La electricidad desaparece y el disco se acerca a un terreno más antiguo, más cercano al Delta. La guitarra slide de McDowell no llena el espacio, lo abre. Y en ese hueco, Thornton se permite matices que no siempre son evidentes en sus registros más intensos. Su voz sigue siendo enorme, pero también se vuelve más precisa, más contenida.

Esa dualidad, entre la crudeza urbana del Chicago blues y la raíz más rural, es lo que le da al disco una profundidad especial. No es una colección de temas, es un recorrido por distintas formas de entender el blues.

Canciones que respiran:

Hay algo muy particular en la forma en que Thornton interpreta las letras. Incluso cuando el tema no es suyo, como en "Little Red Rooster" o "Sweet Little Angel", consigue que parezca autobiográfico. Y cuando sí lo es, como en "Unlucky Girl", esa sensación se multiplica. No hay distancia entre la canción y quien la canta.

"Session Blues", donde ella misma se sienta a la batería, tiene un aire casi improvisado, como si estuviéramos asistiendo a un momento capturado sin filtros. Es uno de esos cortes en los que se percibe su faceta de multi-instrumentista, algo que muchas veces se pasa por alto cuando se habla de ella.

"I Need Your Love" tiene esa imperfección que solo aparece cuando todo está en su sitio. No busca pulir nada, no hay intención de suavizar, y precisamente por eso funciona. Es blues en su forma más directa.

El cierre del disco, con una entrevista entre Thornton y Strachwitz, añade una capa más. Escucharla hablar, con esa mezcla de seguridad y cansancio, ayuda a entender mejor todo lo que hay detrás de la música.

Más allá del contexto:

Es inevitable pensar en cómo este disco dialoga con otros momentos del blues y del rock. Hay ecos que luego aparecerán en artistas como Janis Joplin, que convirtió "Ball and Chain" en un grito generacional, o incluso en la forma en que el blues fue reinterpretado por bandas británicas en esos mismos años.

Pero lo interesante de "In Europe" es que no suena como una transición ni como un puente. Suena completo en sí mismo. No necesita ser comparado para tener sentido.

También es un disco que habla de su tiempo sin necesidad de hacerlo explícitamente. La gira europea, el redescubrimiento del blues por audiencias blancas, la falta de reconocimiento en Estados Unidos, todo eso está ahí, aunque no se nombre. Se percibe en la intensidad, en la forma de cantar, en la manera de ocupar el espacio.

Por qué sigo volviendo al álbum:

Hay trabajos musicales que uno respeta, otros que uno admira, y luego están los que uno necesita escuchar de vez en cuando para recordar por qué le gusta la música. "In Europe" entra en esta última categoría.

No es perfecto en un sentido técnico, ni lo pretende pienso. Hay momentos irregulares, pequeños desajustes, pero precisamente ahí está su valor. Es un disco vivo, sin maquillaje, donde cada nota parece tener un motivo.

Disco recomendado

Como recomendación musical, pocas cosas me parecen tan claras. Si alguien quiere entender qué es el blues más allá de los tópicos, este disco es un buen punto de partida. Y si ya lo conoce, volver a él siempre tiene algo nuevo que ofrecer.

Big Mama Thornton nunca tuvo todo lo que merecía en vida, pero dejó registros como este que siguen hablando por ella. Y mientras esa voz siga sonando, con toda su fuerza y toda su verdad, su lugar en la historia no podrá ser ignorado.

Video del tema "Little Red Rooster":

Tracklist:

1.Sweet Little Angel 05:30 
2.The Place 02:35 
3.Little Red Rooster 04:28 
4.Unlucky Girl 03:20 
5. Hound Dog (1) 03:00 
6.Swing It on Home (1) 01:51
7.Your Love Is Where It Ought to Be 03:50
8.Session Blues 04:47 
9.Down Home Shake-Down 03:37 
10.My Heavy Load 05:49 
11.School Boy 04:30 
12.I Need Your Love 03:19
13.Good Time in London 04:25 
14.Chauffeur Blues 05:07
15.Swing It on Home (2) 03:24 
16 Hound Dog (2) 03:11 
17. Big Mama Talks to Chris Strachwitz 15:56

MISSISSIPPI FRED McDOWELL - I Do Not Play No Rock 'N' Roll - Album

Introducción:

 
"Mississippi" Fred McDowell, era uno de los grandes defensores del "Delta Blues", dejó una huella indeleble en la música con su inconfundible guitarra slide y su conmovedora voz. En este blog post, recomiendo uno de sus grandes discos "I Do Not Play No Rock 'N' Roll", una oferta de música blues que también es significativa para McDowell al cambiar de la guitarra acústica a la eléctrica y acompañado por una sección rítmica.

El legado de "Mississippi" Fred McDowell:

 
Nacido en el corazón de Mississippi en 1904, Fred McDowell creció inmerso en la rica herencia del blues de la región del Delta. Adoptó magistralmente la distintiva técnica de la guitarra slide, combinándola con su inquietante voz, que se convirtió en su marca registrada. La música de Fred McDowell reflejaba el dolor, las luchas y las alegrías de la vida afroamericana en el Mississippi del siglo XX.

Aprendió a tocar la guitarra relativamente tarde en su vida, en 1933, debido a la influencia que ejerció el gran bluesman Charlie Patton sobre él. Nunca se dedicó realmente profesionalmente 100% a la música, llevando siempre una vida de granjero, tocando sólo los fines de semana y en ocasiones muy especiales. El historiador Alan Lomax lo grabó, por primera vez, en 1959.

Con el creciente interés por el blues y la música folklórica en los Estados Unidos a principios de los años 60, las grabaciones de campo de McDowell para Alan Lomax llamaron la atención de los aficionados al blues y de los productores discográficos, y en un par de años, finalmente se había convertido en músico y artista de grabación en su propio derecho. Sus LP resultaron bastante populares y actuó en festivales y clubes de todo el mundo. Se convierte en uno de los grandes bluesmen del Delta.

Fred McDowell murió de cáncer en 1972, a los 68 años.

ALBUM: I Do Not Play No Rock 'N' Roll

Publicado como LP de vinilo negro en 1969 (Reino Unido, 1970), fue también publicado como álbum mono (SM 409) y reeditado como CD de disco sencillo ampliado y como CD doble con ilustraciones. Un trabajo significativo en el género del blues country y delta, siendo reconocida su canción "61 Highway" como una composición clave. Este álbum marcó una transición para Fred McDowell, ya que era la primera vez que tocaba una guitarra eléctrica, acompañada de una sección rítmica compuesta por bajo y batería.

Al principio, los puristas del blues estaban un poco molestos por esta transición, ya pasaría algo parecido en el caso de Bob Dylan y de ciertos músicos de jazz experimentales, causando cierta controversia y revuelo en estos círculos. Sin embargo, la música de este disco ahora clásico se destaca junto con lo mejor del resto del material de Mississippi Fred. La voz de McDowell es un instrumento poderoso en sí mismo y a lo largo de este LP se encuentran intermezzos hablados, que brindan una maravillosa visión del hombre detrás de la música.

Fred McDowell interviene en este disco acompañado de una sección rítmica. Las actuaciones son trascendentes y su blues es profundo. Aprenderás mucho sobre el blues, la cultura afroamericana y la historia estadounidense con este álbum.

Video del tema "Good Morning Little Schoolgirl":

Y sí, también está presente su fantástico estilo cuello de botella (slide guitar). Fred McDowell realmente demuestra sus habilidades aquí. Cada corte comienza con una introducción hablada de él mismo, explicando la forma en que toca la guitarra y sobre los orígenes del blues. Además encontrarás magníficas interpretaciones de conocidas canciones estándar de blues ("Baby Please Don't Go" y "Good Morning Little Schoolgirl"), y originales como "Kokomo Me Baby" o "Red Cross Store". Incluso interpreta algunos espirituales al final, sus actuaciones religiosas también son trascendentes llenas de soul.

 

Disco recomendado

 
Este álbum se erige como una obra maestra atemporal, un tesoro de la música cruda y sincera de Fred McDowell que sigue siendo tan impactante hoy como lo fue cuando se lanzó. A través de su puro arte, McDowell nos transportará al corazón del Delta, recordándonos por qué el blues ha perdurado y continúa cautivando al público de todo el mundo. Este es un elemento de escucha esencial y una delicia para la colección de cualquier amante del blues de Delta.

Video del tema "Highway 61":

Tracklist (formato LP vinilo):

A1.Baby Please Don't Go 4:48
A2.Good Morning Little Schoolgirl 4:26
A3.Kokomo Me Baby 3:00
A4.That's All Right Baby 5:04
A5.Red Cross Store 4:04

B1.Everybody's Down on Me 9:12
B2.61 Highway 4:43
B3.Glory Hallelujah 2:47
B4.Jesus Is on the Mainline 3:38

Músicos:

• Fred McDowell: guitarra, voz, escritor.
• Jerry Puckett - bajo
• Darin Lancaster- batería
• Tommy Couch - productor

CHARLEY PATTON | Founder of the Delta Blues - Album

Charley Patton (Charlie Patton, Bluesman) 

Fue un músico estadounidense de Delta blues. Considerado por muchos como el "Padre del Delta Blues", creó un cuerpo perdurable de música americana e inspiró a la mayoría de los músicos de "Delta blues". Algunos expertos en música lo consideraban uno de los músicos estadounidenses más importantes del siglo XX.

Su estilo de canto ronco y apasionado, su guitarra fluida y su ritmo lo convirtieron en una estrella. Patton fue una celebridad reconocida y una influencia fundamental en los músicos de todo el Delta. Sus discos, especialmente su primer y mayor éxito, "Pony Blues", se podían escuchar en fonógrafos en todo el Sur. Aunque ciertamente no fue el primer bluesman de Delta en grabar, rápidamente se convirtió en uno de los más populares del género. A finales de los años 20 (Siglo XX), Charley Patton era una celebridad. Su música abarca todo, desde blues, baladas, ragtime hasta gospel. Hay relatos de sus actuaciones en las que estaba haciendo lo que "T Bone Walker" estaba haciendo veinte años después y "Chuck Berry" treinta años después, como tocar detrás de su cabeza o entre sus piernas.

Patton es generalmente considerado como uno de los arquitectos originales de poner el blues en un ritmo fuerte y sincopado, y su tono estridente se logró afinando su guitarra un paso y medio por encima del tono estándar en lugar de usar un capo. Sus habilidades de composición en el instrumento se ilustran con su inclinación por encontrar y utilizar varios temas diferentes como acompañamiento de fondo en una sola canción. Influyó directamente en contemporáneos como "Son House" y, durante su tiempo, en el prometedor talento del blues "Robert Johnson".

Grabó por primera vez en 1929 para el sello Paramount y, en el plazo de un año, no solo era el artista de blues con mayores ventas, sino también el más prolífico de la música. Patton también fue responsable de conectar a sus compañeros y bluesmen Willie Brown y Son House con sus primeras oportunidades de grabar.

Charley Patton no empezó a grabar hasta cinco años antes de su muerte. Tenía una afección cardíaca que finalmente lo atrapó en 1934. El legado grabado total de Patton es de unas 60 canciones en total; su última sesión realizada solo un par de meses antes de su muerte.

En mayo de 2021, el "Salón de la Fama del Rock and Roll" incorporó a Charly Patton a la clase de 2021 como una influencia temprana del rock.

ALBUM: Founder of the Delta Blues

Una recopilación de populares temas en disco de vinilo publicado en 1971 como 2xLP, que ha sido editado posteriormente en otras versiones y formatos como CD, este último con algunos temas extra: "When Your Ways Get Dark" & "Devil Sent The Rain" (del sello "Yazoo"). 

El blues de Charly Patton inscribió todas sus vivencias en un sonido áspero y a veces apenas audible grabado para el sello "Paramount". Era uno de los bluesmen más importantes de la época y suena como un tipo tosco; un músico autodidacta y seguro de sí mismo. El blues no empezó con Patton, pero él personificó su expresionismo.

Es una música primitiva y cruda que resuena con los sonidos oscuros de las personas que luchan por salir adelante en tiempos difíciles en un entorno hostil. Aquí encuentras la música blues del sufrimiento real y es inmensamente efectiva. Quizás (estoy seguro) nuestros oídos acostumbrados a escuchar música moderna pueden encontrar esta recompilación "pesada" y lineal a medida que zumba en tu cabeza. Pero es el catalizador para el blues posterior y, finalmente, el rock and roll. Tipos jóvenes como Son House y Robert Johnson le dieron al estilo de blues de Patton un poco más de estilo rítmico, accesibilidad y diversidad, lo que permitió que todo se digiere mejor para las nuevas generaciones. Pero que no nos engañen, Patton, estaba antes, y este álbum lo demuestra.

Un disco recomendado. Un álbum doble para los amantes de la música blues que también tienen un toque fetiche para los coleccionistas. Los orígenes se pueden encontrar aquí, las raíces se remontan a una de las fuentes, Charly Patton.

Video del tema "Pony Blues":

Tracklist (versión 2 X LP vinilo):

Mississippi Bo Weevil Blues 
Screamin' And Hollerin' The Blues  
Down The Dirt Road Blues  
Pony Blues    
Banty Rooster Blues 
It Won't Be Long      
Tom Rushen Blues    
A Spoonful Blues      
Shake It And Break It          
Going To Move To Alabama
Elder Green Blues     
Frankie And Albert   
Some These Days I'll Be Gone         
Green River Blues     
Hammer Blues           
When Your Way Gets Dark 
High Water Everywhere Part 1        
High Water Everywhere Part 2        
Rattlesnake Blues      
Running Wild Blues  
Dry Well Blues          
Moon Going Down   
Bird Nest Bound       
High Sheriff Blues    
Stone Pony Blues      
34 Blues         
Revenue Man Blues  
Poor Me

SLEEPY JOHN ESTES | The Legend of Sleepy John Estes - Album

Sleepy John Estes (Bluesman)

 
John Adam Estes, conocido como "Sleepy John Estes", fue un guitarrista, compositor y vocalista de blues estadounidense. 

El bluesman "Big Bill Broonzy" calificó el estilo de cantar de John Estes como "llorar" el blues debido a su calidad emocional. En realidad, su voz proviene de su experiencia laboral como líder de un equipo de mantenimiento de ferrocarriles, donde sus improvisaciones vocales y su voz aguda marcaron el ritmo de las actividades laborales.

Muchas de las canciones de Estes estaban basadas en eventos de su vida o en personas que conocía en su ciudad natal, Brownsville, como el abogado local ("Lawyer Clark Blues"), el mecánico de automóviles local ("Vassie Williams 'Blues") o un adolescente ("Little Laura Blues"). También dio consejos sobre asuntos agrícolas ("Working Man Blues") y relató su propio intento de llegar a un estudio de grabación para una sesión subiéndose a un tren de carga ("Special Agent [Railroad Police Blues]").

Nunca un guitarrista destacado, Estes confió en su voz expresiva para llevar su música, y las grabaciones que hizo a partir de 1929. Sus letras combinaban una aguda observación con la capacidad de convertir una frase eficaz. A lo largo de su carrera, su música siguió siendo simple pero poderosa, y a pesar de sus estancias en Memphis y Chicago, conservó un sonido tradicional hogareño. Convirtió sus experiencias y las condiciones de su vida en un arte.
 

Una breve historia:

 
Nació en Ripley, Tennessee, en 1899 o 1900. En 1915, su padre, un aparcero que tocaba la guitarra, trasladó a la familia a Brownsville, Tennessee. A la edad de 19 años, mientras trabajaba como peón de campo, comenzó a actuar profesionalmente, principalmente en fiestas, con el acompañamiento de Hammie Nixon, un armonicista, y James "Yank" Rachell, guitarrista y mandolinista. Estes continuó trabajando intermitentemente con ambos músicos durante más de cincuenta años.

Estes debutó como artista discográfico en Memphis, Tennessee, en 1929, en una sesión organizada para "Victor Records". Estes cantó con un estilo vocal distintivo de "llanto". Estes sonaba tanto como un anciano, incluso en sus primeros discos, que, según los informes, los revivalistas del blues demoraron su búsqueda porque asumieron que había muerto hace mucho tiempo. Sin embargo, los historiadores del blues Bob Koester y Samuel Charters redescubrieron al bluesman en 1962, Estes estaba completamente ciego y vivía en la pobreza. Reanudó las giras con el músico y amigo Nixon y grabó para Delmark Records. Incluso, Estes, Nixon y Rachell aparecieron en el famoso "Festival Folk de Newport" en 1964.

Estes murió el 5 de junio de 1977 mientras se preparaba para una gira europea.

Su música influyó en artistas como The Beatles, Bob Dylan, The Kinks, Eric Clapton y Led Zeppelin. John Lennon ha mencionado muchas veces que escuchaba a Estes cuando era estudiante.

 

ALBUM: The Legend of Sleepy John Estes

Con este álbum, el veterano músico blues hizo un regreso impresionante. Producido por el presidente de "Delmark Record" e historiador de blues Bob Koester el 24 de marzo de 1962 y publicado en 1963, esta histórica sesión acústica encuentra Estes acompañado por Ed Wilkinson en el bajo, John "Knocky" Parker en el piano, y amigo de mucho tiempo Hammie Nixon en la armónica.

Los del sello "Delmark" deberían estar orgullosos de este disco, lograron que Estes volviera al estudio después de muchos años de desafortunada negligencia. Sleepy John Estes hizo su debut como guitarrista de grabación de estudio en 1929 y grabó varias obras antes de retirarse de la escena musical en 1941. De hecho, muchos creyeron erróneamente que estaba muerto y, por lo tanto, dejaron de buscarlo. Después de un largo alejamiento de la música, Bob Koester y un grupo de fanáticos del Blues lo redescubrieron en 1962, y el bluesman ciego y empobrecido volvió a tomar la guitarra y comenzó a tocar el blues.

Este disco no es muy diferente de sus grabaciones anteriores y Sleepy John Estes vuelve a reinterpretar viejos favoritos como "Divin 'Duck Blues", "Someday Baby", "Stop That Thing", "Milk Cow Blues" y "Married Woman Blues"...etc.

Un disco recomendado. Es accesible y el arte de Sleepy John Estes sigue vivo a través de la versión de "Someday Baby" de Bob Dylan y la versión de The Kinks de "Milk Cow Blues", por solo mencionar dos. Un excelente álbum que sirve de introducción para conocer a este artista y sus relatos de blues.

Video del tema " Someday Baby":

Tracklist:

1.Rats in My Kitchen
2.Someday Baby
3.Stop That Thing
4.Diving Duck Blues
5.Death Valley Blues
6.Married Woman Blues
7.Down South Blues
8.Who's Been Telling You, Buddy Brown
9.Drop Down Mama
10.You Got to Go
11.Milk Cow Blues
12.I'd Been Well Warned

MISSISSIPPI FRED McDOWELL - Album (1995)

Mississippi Fred McDowell (Bluesman)

Fred McDowell, conocido por su nombre artístico "Mississippi Fred McDowell", fue un cantante y guitarrista estadounidense de delta blues. Un gigante del blues con la guitarra acústica (después la eléctrica) que trabajó en la oscuridad (desconocido al público) hasta que fue descubierto a finales de los años 50.

Como estilista y músico del blues original del "Delta", fue magnífico, a partes iguales con otras leyendas como "Charley Patton" y "Son House", saliendo a la palestra a través de su voz maltratada y su estilo de tocar la guitarra. Mississippi Fred McDowell podría ser el más intenso de los maestros del Delta blues.

Una breve historia:

Fred McDowell nació en Rossville, Tennessee. Sus padres eran granjeros, y ambos murieron mientras Fred era joven. Comenzó a tocar la guitarra a los 14 años y pronto empezó a tocar para pedir propinas en los bailes de Rossville. Después de décadas de tocar para pequeñas reuniones locales, McDowell fue grabado en 1959 por los musicólogos de folclore americano Alan Lomax y Shirley Collins, en su viaje de grabación de campo. Con el interés en el blues y la música folclórica en aumento en los Estados Unidos en ese momento, las grabaciones de McDowell para Lomax llamaron la atención de los aficionados al blues y los productores de discos, y en un par de años, finalmente se había convertido en un músico profesional y artista de grabación. Sus LPs resultaron bastante populares y actuó en festivales y clubes de todo el mundo.

McDowell continuó tocando blues en el estilo del norte de Mississippi tanto como lo había hecho durante décadas, a veces con guitarra eléctrica en lugar de guitarra acústica. Fue particularmente conocido por su dominio de la guitarra slide (bottleneck).

Unas anécdotas; Fred McDowell enseñó a Bonnie Raitt a tocar la guitarra slide y su canción "You Gotta Move" fue versionada por The Rolling Stones en su clásico álbum de 1971 "Sticky Fingers".

Fred McDowell murió de cáncer en 1972, edad 66.

Su discografía es extensa - y eso que se hizo popular relativamente tarde en su vida - con muchos álbumes de estudio, en directo y recopilatorios disponibles. Sin embargo, si tuviera que sugerir un disco como una forma de presentarte a este maravilloso músico y bluesman, les recomendaría su álbum "Mississippi Fred McDowell" (edición de 1995).

ALBUM:  Mississippi Fred McDowell

Un lanzamiento por "Rounder Records (CD 2138)" en 1995. Este álbum es una gran introducción a la música de Mississippi Fred McDowell si no le conoces y/o eres fan del Delta blues.

En este álbum Fred McDowell muestra su material estándar. Con 20 canciones y con su guitarra acústica, la música de este disco es todo menos simple; es poderosa y apasionante. El hecho de que lo haya grabado en su casa (en su salón) le da una primitiva autenticidad. Puedes escuchar a la gente hablando de fondo, y a veces niños jugando, y en lugar de distraerse, sin embargo, se admira el álbum por su alegría de vivir. Podría decirse que es mejor que una grabación de estudio y muy diferente de los discos de conciertos en directo. Si bien no todas las canciones son completamente únicas, McDowell (con su guitarra y voz profunda, cálida y, a veces, hipnótica) logra brindarte algo para disfrutar y esperar con cada canción.

Fred también se destaca a sí mismo como un guitarrista de blues "bottleneck" de primer nivel (hipnótico y frenético) y su voz es realmente auténtica y conmovedora. La guitarra tiene una buena claridad y en algunas de las canciones tiene una calidez y profundidad magníficas.

Como la mayoría de las grabaciones antiguas (o minoritarias), este álbum no está disponible en todas partes. Pero no te preocupes, puedes comprarlo por Internet y la mayoría de las plataformas de música digital lo tienen disponible para buscar y escuchar.

Un disco recomendado. Hay un gran trabajo de guitarra y canciones en este álbum, casi puedes imaginarte estado en un bar de carretera en algún lugar del Delta mientras escuchas. Si te gusta el Delta blues y la guitarra slide, este es un álbum esencial para tu colección.

Y termino, también recomiendo que explores su material en directo, especialmente "Fred Mcdowell Live in New York" (1972) y "Fred Mcdowell Live at the Gaslight" (2000).

Video del tema "Shake 'Em on Down" (versión guitarra eléctrica):

Tracklist (incluye bonus tracks):

1. Done Left Here 3:28
2. All the Way From East St. Louis 3:10
3. Shake 'Em on Down 2:36
4. The Girl That I'm Lovin' 3:21
5. Good Morning Little School Girl 2:59
6. Left My Baby Standing 5:01
7. On the Frisco Line 3:03
8. Write Me a Few Lines 4:01
9. Goin' Down the River 4:48
10.I Rolled and I Tumbled 3:24
11.Trouble Everywhere I Go 2:19
12.Red Cross Store Blues 3:04
13.John Henry 3:10
14.Kokomo Blues 2:36
15.Milk Cow Blues 1:49
16.Trouble Everywhere I Go (Alternate Version) 2:12
17.I've Been Drinking Water Out of Hollow Log 3:43
18.Highway 61 4:28
19.Someday Baby 3:11
20.Como 2:20

THE BLACK KEYS | Delta Kream - Album

ALBUM: Delta Kream 

Es el décimo álbum del dúo de rock, The Black Keys, publicado a través de "Easy Eye Sound" y "Nonesuch Records" el 14 de mayo de 2021.

En los últimos años, pocas veces he sentido esa sensación de "expectativa" para la salida de un disco. Todo comenzó con el anuncio de "The Black Keys" de un nuevo álbum hace unos meses y  el lanzamiento del single "Crawling Kingsnake" como anticipo; la espera se acabó.

Volviendo a sus raíces más simples de sus primeros discos, el décimo álbum del dúo de Ohio rinde homenaje a las versiones de las canciones de los artistas que continúan inspirándose. Dan Auerbach y Patrick Carney nunca han perdido el blues. Con "Delta Kream" se rinde homenaje a los héroes y canciones del blues de "The Mississippi Hill Country". “Crecimos aprendiendo a tocar como estos músicos”, dice Carney. “Es por eso que seguimos volviendo a esta música. Es la razón por la que la banda incluso existe. Hicimos este álbum para recordarle a la gente lo que nos inspiró”

Para aquellos que quieren saber, "The Mississippi Hill Country" se encuentra en el norte del estado, a lo largo de la frontera con Tennessee, al este del Delta del Mississippi. Una tierra poco fértil, de pequeñas granjas y bosques que sustentan la industria maderera, sus residentes desarrollaron una variedad distinta de blues caracterizada como "boogie hipnótico" que enfatiza el ritmo y la percusión, riffs de guitarra constantes, pocos cambios de acordes y estructuras de canciones poco convencionales. El blues de "Hill Country" nunca tuvo la popularidad de sus primos del Delta. Muchos de los grandes de este subgénero vivieron y tocaron solo en su región inmediata, incluidos los maestros reconocidos del subgénero, "Junior Kimbrough" y "R. L. Burnside", ambos presentes y homenajeados en "Delta Kream".

Este álbum es esencialmente un disco de versiones (Junior Kimbrough, R. L. Burnside, Big Joe Williams, John Lee Hooker, Mississippi Fred McDowell y Ranie Burnette): un tributo. Está lejos de ser la primera vez que Dan Auerbach y Patrick Carney rinden homenaje a sus héroes del blues. Su excelente EP de 2006, "Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough", incluía una carta de Auerbach detallando cómo el bluesman lo inspiró a abandonar la universidad para dedicarse a la música. "Delta Kream" ilustra su amor y gratitud con un conjunto de canciones que continúan inspirándose. The Black Keys están respaldados por los propios acompañantes de esos bluesmen: el guitarrista de slide de R.L Burnside, Kenny Brown, y el bajista de Junior Kimbrough, Eric Deaton. El resultado es mágico, parece que llevan tocando juntos toda la vida y la química (comprensión) entre los músicos es asombrosa.

El álbum fue grabado en 10 horas durante dos tardes en el estudio "Easy Eye Sound" de Dan Auerbach en Nashville al final de la gira "Let 's Rock", con poca planificación y sin ensayos previos. La obra es una sesión suelta y tosca que emula la sensación general de las grabaciones iniciales, aunque con algo de "toque moderno" adicional, pero no demasiado. Las versiones son musculosas que se zambullen en el barro de la historia. La versión de "Poor Boy a Long Way From Home" de Robert Lee Burnside resuena con ritmos entrecortados de la guitarra slide del veterano Kenny Brown. El tema "Sad Days, Lonely Nights" emula la determinación de la grabación en directo original de Kimbrough; Auerbach difama y grita cada frase como si se hubiera desplomado al final de la barra en el club de blues local. Suena hipnotizado por el ritmo de "Crawling Kingsnake", que se desliza sobre los silbidos de percusión de Carney. Y hay algo de voyerista en su canturreo gutural en "Stay All Night", como si te estuviera mirando desde detrás de unas gafas oscuras. Desde el tema de apertura,  "Crawling King Snake" de John Lee Hooker y "Going Down South" de Burnside, cantada aquí en espeluznante falsete, "Delta Kream" sigue irradiando la esencia de lo que hizo que esta música del norte de Mississippi fuera tan distintiva, apreciada y tan inquietante.

Este disco no va a romper las listas de éxitos, es una inmersión profunda en las canciones que les encantan al dúo; menos un lanzamiento importante que un proyecto apasionante. Las críticas iniciales apuntan a esto, los más rockeros publican que esperaban algo más, mientras los de blues lo anuncian como un gran álbum. Yo me encuentro con los últimos, los amantes del blues, y personalmente me encanta este disco. Aparte de la temática del álbum, prefiero y me gusta más The Black Keys cuando vuelven a sus "raíces". Sus últimos álbumes (El Camino...Let´s Rock) no me entusiasmaron tanto y estaba ya pensando si se habían "desviado" demasiado. Este trabajo les pone - o les devuelve - en la línea más equilibrada, mas organica.

Un disco recomendado. Personalmente me parece un álbum brillante, me gusta mucho hasta la portada. Es divertido, muy agradable y va gustar a todo amante y fan del blues. Y cuando lo hayas escuchado, deberías buscar las versiones originales, así comparar. Y si te animas aun más, busca las obras originales de R. L. Burnside, Junior Kimbrough etc.,... que también son geniales.

En fin, me alegra mucho tener de nuevo a "The Black Keys" donde musicalmente deben estar, o al menos, ejercer más su arte en este estilo de rock. Un 5/5 para este álbum.

★ ★ ★ ★ ★

Video del tema "Poor Boy a Long Way from Home":

Tracklist:

1.         "Crawling Kingsnake" (Big J Williams, John L Hooker)    6:08
2.         "Louise"           (Mississippi Fred McDowell)   4:23
3.         "Poor Boy a Long Way from Home" (R.L. Burnside)       4:08
4.         "Stay All Night"            (Junior Kimbrough)      5:44
5.         "Going Down South"    (R. L. Burnside)           3:48
6.         "Coal Black Mattie"     (Ranie Burnette)           3:48
7.         "Do the Romp" (Junior Kimbrough)      5:01
8.         "Sad Days, Lonely Nights"       (Junior Kimbrough)      5:57
9.         "Walk with Me"           (Junior Kimbrough)      5:36
10.       "Mellow Peaches"        (Big Joe Williams)        3:47
11.       "Come and Go with Me"          (Junior Kimbrough)      5:55
12.       "Crawling Kingsnake" (edit)     (John Lee Hooker)      3:52

BIG BILL BROONZY | Big Bill Broonzy Sings Folk Songs

Big Bill Broonzy (Bluesman)

Fue un cantante, compositor y guitarrista de blues. Se refería a sí mismo como el último de los grandes cantantes de blues rural y su llegada a la ciudad de Chicago de la preguerra consistía en quitar el puesto del #1 del Chicago Blues, Hudson Whittaker. Sin embargo, su  legado irá más lejos que solo reemplazar al mítico Tampa Red. Un compositor prolífico, Broonzy es considerado una de las figuras más importantes del Blues del Siglo XX.

Una breve historia:

William Lee Conley Broonzy, nacido en 1893 en Scott, Mississippi y criado en Pine Bluffs, Arkansas, fue uno de los 17 hijos de padres pobres que fueron esclavos. Trabajó en una granja desde la edad de ocho años, pero cuando no estaba trabajando en los campos, se le podía encontrar tocando un violín de caja de construcción tosca, en el que rápidamente se convirtió en un experto, actuando por la zona. Las influencias de Broonzy incluyeron la música folclórica, espirituales, música ragtime, hokum y country blues que escuchó mientras crecía y los estilos de sus contemporáneos, incluidos Jimmie Rodgers, Blind Blake, Son House y Blind Lemon Jefferson. Broonzy combinó todas estas influencias en su propio estilo de blues, que presagió el blues de Chicago de la posguerra, luego refinado y popularizado por artistas como Muddy Waters y Willie Dixon.

En 1920, después de un período en el ejército, Broonzy se aventuró al norte de Chicago. Allí se conectó con el "Bluesman", "Papa Charlie Jackson", y pasó del violín a la guitarra comenzó su carrera como músico. Con una voz suave pero fuerte acompañada de una hábil forma de tocar la guitarra, Big Bill Broonzy pronto impresionó a la gente con su country blues de inflexión urbana, y luego grabó su primer disco, en 1927. Grabó bajo una variedad de nombres artísticos en sus primeros años: Big Bill And Thomps, Big Bill Johnson, Big Bill Broomsley, por nombrar algunos, y en 1938 apareció en el prestigioso "Carnegie Hall de Nueva York" (que hasta ese momento había sido exclusivamente un lugar de música clásica) en la famosa serie "From Spiritual To Swing" de conciertos organizados por el legendario A&R y descubridor de talentos John Hammond. Un concierto que originalmente tenía a Robert Johnson como cabeza de cartel que fue reemplazado por Big Bill Broonzy después de su muerte de Johnson.

Broonzy amplió su trabajo durante la década de 1940 mientras perfeccionaba sus habilidades para escribir canciones, lo que mostraba una habilidad especial para atraer a un público urbano más sofisticado, así como a personas que compartían sus raíces rurales. Su trabajo en este período muestro que actuaba en un espectro musical más amplio que casi cualquier otro bluesman antes o después, incluyendo en su repertorio ragtime, hokum blues, country blues, blues urbano, canciones con tintes de jazz, canciones folclóricas y espirituales. Después de la Segunda Guerra Mundial, Broonzy grabó canciones que fueron el puente que permitió a muchos músicos más jóvenes cruzar hacia el futuro del blues: el blues eléctrico de la posguerra de Chicago. Sus grabaciones de 1945 de "Where the Blues Began", con Big Maceo al piano y Buster Bennett al saxo, y "Martha Blues", con Memphis Slim al piano, mostraron el camino a seguir. Una de sus canciones más conocidas, "Key to the Highway", apareció en este momento. En 1948, Mercury Records firmó con Broonzy.

En la década de 1950, un regreso a sus raíces tradicionales de folk-blues lo convirtió en una de las figuras principales del resurgimiento de la música folk estadounidense emergente y una estrella internacional. Broonzy no fue un converso al estilo de blues eléctrico que surgió en Chicago en los años 50, pero continuó ejerciendo su oficio en un entorno acústico, lo que resultó en que se lo percibiera en gran medida como un músico folk. Fue un período en el que, a pesar de sus próximos años de crepúsculo, viajó al extranjero y estuvo tocando en conciertos "sold out" de toda Europa.

Su larga y variada carrera lo marca como una de las figuras clave en el desarrollo de la música blues en el siglo XX. Broonzy registró los derechos de autor de más de 300 canciones durante su vida, incluidas adaptaciones de canciones folclóricas tradicionales y canciones de blues originales. Como compositor de blues, fue único en escribir canciones que reflejaban sus experiencias rurales a urbanas. Broonzy como guitarrista acústico inspiró a Muddy Waters, Memphis Slim, Ray Davies, John Renbourn, Eric Clapton, Rory Gallagher, Ronnie Wood, Tom Jones, Jerry García, Ben Taylor y Steve Howe etc.

Big Bill Broonzy murió de cáncer de garganta a los 65 años en agosto de 1958.

A continuación una lista de los muchos álbumes que publicó y que pueden servir como introducción al músico de Blues:

•  Big Bill Broonzy and Washboard Sam (1953)
• His Story (1957)
• Big Bill Broonzy Sings Country Blues (1957)
• Blues with Big Bill Broonzy, Sonny Terry and Brownie McGhee (1959)
• The Bill Broonzy Story (1961)
• Big Bill Broonzy Sings Folk Songs (1962)
• Big Bill Broonzy Sings Folk Songs (Smithsonian Folkways, 1989) (reissue)
• Best of the Blues Tradition (1991)
• Do That Guitar Rag (1928–1935) (1991)
• Trouble in Mind (2000)
• Broonzy Volume 2: 1945–1949: The Post War Years (2000)
• Big Bill Broonzy in Concert (2002)
• Big Bill Broonzy on Tour in Britain: Live in England & Scotland (2002)
• Big Bill Blues: His 23 Greatest Songs 1927–42 (2004)
• Get Back (2004)
• Big Bill Amsterdam Live Concerts 1953 (2006)
• Keys to the Blues (2009)
• All The Classics 1936-1937, Vol. 4 (2019)

Cualquier álbum de la discografía podría servir bien para introducirte a Big Bill. Uno muy bueno es "The Big Bill Broonzy Story" (1961); múltiples temas grabadas en 1957 en un estudio de Chicago para lo que se convertirá en una gigantesca caja de 5 LP. Solo él con su guitarra acústica sentado frente a un micrófono. A su lado está el productor Bill Randle, y detrás de la sala de control un ingeniero de grabación. Personalmente me gusta algo más el disco "Big Bill Broonzy Sings Folk Songs" de 1962. Un álbum excelente para conocer el "auténtico" Broonzy y que está disponible en vinilo y CD.

ALBUM: Big Bill Broonzy Sings Folk Songs

Álbum publicado en 1962 cuatro años después de su muerte. Clasificado entre los grandes del blues como Robert Johnson, Son House y Elmore James, Big Bill Broonzy fue durante muchos años el último practicante superviviente del estilo "Delta Blues". Este disco, grabado para "Smithsonian Folkways" en 1956, captura a Broonzy al final de su carrera, pero aún durante la cima de su poder. Un álbum que inmortaliza una actuación magistral.

Una obra de canciones que demuestra a Broonzy en excelente forma. Su poderosa voz y guitarra se exhiben en un conjunto que incluye blues tradicionales, gospel y canciones populares, todas interpretadas con una autoridad innegable. Broonzy tenía problemas de salud en 1956 cuando se grabaron las canciones, pero nunca lo sabrías escuchando este disco. La interpretación de Broonzy es maravillosamente fluida, mientras que su forma de tocar la guitarra impresiona. Es solo Big Bill y su guitarra, tocando canciones folclóricas en un estilo acústico-blues y country-blues.

Algunos de los temas fueron grabados en concierto por la radio "WFMT" en la Universidad Northwestern. El clásico góspel "This Train" es de esa actuación, con la guitarra conductora de Broonzy asumiendo el control mientras el público se une al canto. La canción "I Don't Want No Woman (To Try To Be My Boss)" es puro country blues, al igual que "Martha", un punto culminante del disco, ya que los gritos de tristeza del cantante expresa su añoranza por su mujer. El último tema de la cara A, "Tell Me Who", destaca su destreza con la guitarra. La cara B también contiene algunas canciones geniales: "Bill Bailey", "Tell Me What Kind of Man Jesus Is", "John Henry" y "Glory of Love".

Broonzy aprovecha la oportunidad que le brinda "Big Bill Broonzy Sings Folk Songs" para demostrar la variedad de influencias musicales que ha dominado con éxito a lo largo de su carrera. Demuestra estar igualmente cómodo tanto en el folk country como en el blues puro, ofreciendo interpretaciones brillantes donde Broonzy canta un interesante conjunto de letras poco comunes, doblando la melodía con un inspirado cambio de blues.

Un disco recomendado. Este álbum demuestra sin duda uno de los puntos altos de la carrera de Broonzy. Imprescindible para los fans de blues y genial para introducirte al maestro. Después de disfrutar de este disco busca "The Big Bill Broonzy Story" (1961) por las plataformas digitales para continuar gozando.

Video del tema "Tell Me Who":

Tracklist (formato LP):

Cara A:

A1                   Backwater Blues
A2                   This Train
A3                   I Don't Want No Woman (To Try To Be My Boss)
A4                   Martha
A5                   Tell Me Who

Cara B:

B1                   Bill Bailey
B2                   Alberta
B3                   Goin' Down This Road
B4                   Tell Me What Kind Of Man Jesus Is
B5                   John Henry
B6                   Glory Of Love

CEDELL DAVIS | Feel Like Doin' Something Wrong - Album

Uno de los pocos y quizás últimos auténticos "Bluesmen" del estilo tradicional con raíces en el sur profundo de los Estados Unidos (el Delta). Un músico que consiguió superar todo tipo de desgracias y obstáculos para continuar ejerciendo su arte, el blues, su pasión. Un ejemplo para muchos sobre la perseverancia, el trabajo, la creatividad y el amor hacia la música. Todo un pionero...

 

CeDELL Davis (Bluesman)

 

Ellis CeDell Davis (9 de junio de 1926-27 de septiembre de 2017) fue un guitarrista y cantante de blues. Fue más notable por su estilo distintivo de tocar la guitarra. Davis tocaba la guitarra usando un cuchillo de mantequilla en su mano de una manera similar a la guitarra slide. Davis pasó décadas actuando en todo el sur de los Estados Unidos en locales de música y fiestas caseras antes de que un público más amplio tuviera la oportunidad de escuchar su blues rural electrificado en la década de 1980.

Su voz era un gemido granulado mientras cantaba sobre los problemas de las mujeres y la mala suerte; su guitarra podía impulsar ritmos boogie y shuffle o delgadas y nudosas, deslizándose suavemente y luego enrollando en un aguijón disonante.

Tocando la guitarra con un "cuchillo"

CeDell Davis nació en 1927 en Helena, Arkansas (EE.UU). Su mano derecha quedó paralizada por la poliomielitis (polio) a la edad de 10 años, por lo que cambió su guitarra a un estilo de cuello de botella para zurdos tocado con un cuchillo, lo que lo convirtió en un sonido atonal único.

Tocaba localmente durante las décadas de 1950 y 1960 con amigos como Robert Nighthawk, Big Joe Williams y Charlie Jordan. En 1957, Davis resultó gravemente herido en una estampida en una taberna de St. Louis, paralizando aún más y confinándolo a una silla de ruedas, pero perseveró con su música. Después de una serie de apariciones en compilaciones y varias actuaciones en directo en Nueva York, el sello "Fat Possum Records" fichó a Davis.

Un periodista de blues, Robert Palmer produjo su álbum debut, "Feel like Doin 'Something Wrong" (1994). Davis después tomó un tiempo para grabar otros discos y pasó los siguientes años escribiendo y actuando.

En 2005 un derrame cerebral le quitó la habilidad a Davis para tocar la guitarra, pero continuó actuando y grabando como cantante, publicando "Last Man Standing" en 2015 y "Even the Devil Gets the Blues" en 2016. Fue hospitalizado después de un ataque cardíaco en septiembre de 2017, y murió el 27 de ese mes a la edad de 91 años.

Discografía, álbumes para conocer a este Bluesman:

• Feel Like Doin' Something Wrong - 1994
• The Best of CeDell Davis – 1995
• The Horror Of It All – 1998
• When Lightning Struck the Pine - 2002
• Highway 61 - 2003
• Last Man Standing - 2015
• Even The Devil Gets The Blues - 2016

 

ALBUM: Feel Like Doin' Something Wrong

Es el álbum debut con el sello "Fat Possum Records" publicado en 1994. También es el disco que me introduce a este excepcional Bluesman. Es llamativo que tardara tanto tiempo para plasmar su música en formato álbum, después de tanto tiempo actuando por el sur de los EE.UU. Es posiblemente uno de los pocos sobrevivientes del blues más tradicional - "como se hacía antes". Es precisamente el encanto de este álbum, su sonido tan distinto y estilo tan rural y tradicional.

Producido por Robert Palmer, "Feel Like Doin 'Something Wrong" captura el blues embrujado de CeDell Davis. Usando un cuchillo de mantequilla para deslizar una guitarra, Davis crea sonidos extraños e impredecibles y los combina con su voz retorcida. Todo un resultado de adaptación, perseverancia y mucho trabajo para no dejar que los efectos del "polio" frenará su habilidad de continuar con su música.

No hay una mala canción en este disco, y sus versiones de "Murder My Baby" (tradicional), "Boogie Chillen" (John Lee Hooker), "In the Evening (Leroy Carr)", Green Onions (Booker T) y "Reconsider Baby (Lowell Fulson)" se encuentran entre los mejores blues contemporáneos de los  últimos años. 

No paro de recordar y ver semejantes parecidos a los Bluesman de guitarra eléctrica (Muddy, John Lee, Buddy Guy...) y a los jóvenes ingleses (ejemplo "The Rolling Stones" y los del "British Wave") cada vez que escucho este álbum. 

Un disco recomendado de un apasionado Bluesman relativamente desconocido que merece mucha más atención y reconocimiento. Un artista de blues único con una voz y guitarra inconfundibles que mantenía y preservaba el largo patrimonio e historia del blues del sur profundo (Delta Blues). Gran álbum que gustará, especialmente a fans del blues.

Video de "She´s Got the Devil in Her":

Tracklist:

1          I Don't Know Why    3:55
2          Every Day Every Way           3:16
3          She's Got The Devil In Her   2:05
4          Boogie Chillen No. 2    3:50
5          Baby, I Love You So 3:55
6          If You Like Fat Women        2:07
7          Guitar Boogie         2:06
8          Falling Rain Blues      4:14
9          In The Evening          3:45
10        Sit Down On My Knee          2:51
11        Got To Be Moving On           3:24
12        Reconsider Baby         4:15
13        Murder My Baby          4:28
14        Green Onions            1:13

MUDDY WATERS | Top 10 Ranking Albums

¿Cuáles son los mejores álbumes de MUDDY WATERS?

Pregunta difícil para contestar ya que cada uno tiene sus favoritos. Y asi debe serlo. Yo voy a proponer mis Top 10 discos de Muddy Waters, un ranking de 10 al 1; pongo un video más abajo detallando mi elección.

Pero antes voy a responder a otra pregunta ¿Quién era y fue Muddy Waters? Gracias a los impresionantes trabajos de verdaderos expertos en la materia (fuentes: greatrockbible, allmusic, mbluestrail, wiki…etc.), pongo a continuación un resumen de la vida y la carrera de uno de los más grandes Bluesmen, y de la historia de la música americana. O como algunos también le llaman, el verdadero "Hoochie Coochie Man". 

Muddy Waters (Bluesman)

Uno de los músicos más importante que surgió en el Blues de la posguerra. Un bluesman-cantante incomparable, un talentoso compositor y un extraordinario guitarrista. Muddy Waters absorbió las influencias de la música rural del "Profundo Sur" y los trasladó a Chicago, inyectando su música con una energía eléctrica feroz y ayudando a ser pionero en el estilo "Chicago Blues" que llegaría a dominar la música durante los años 50, 60 y 70 del Siglo XX. La profundidad de la influencia de Muddy Waters en el Rock y el Blues es casi incalculable.

Muddy Waters nació como McKinley Morganfield, fue criado en la plantación "Stovall" en Clarksdale, Mississippi por su abuela, Della Grant. Se dice que Della Grant le dio al joven Morganfield el apodo de "Muddy" porque le gustaba jugar en el barro cuando era niño, y el nombre se quedó, con "Water" y "Waters" que se agregaron unos años después. El sur rural fue un semillero del Blues en los años 20 y 30, y el joven Muddy quedó fascinado con la música cuando descubrió que un vecino tenía un fonógrafo y discos de artistas como Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson y Tampa Red.

En la plantación de "Stovall" a medida que "Muddy Waters" se sumergía más profundamente en el Blues, tomó la armónica, A los 13 años actuaba en fiestas, a veces con el guitarrista Scott Bohanner. En su adolescencia, Muddy conoció y estudio más el sonido de artistas contemporáneos y maestros del "Delta Blues", como Son House, Robert Johnson y Charley Patton; la música inspiró a Waters a cambiar de instrumento, y se compró una guitarra cuando tenía 17 años, aprendiendo a tocar con el estilo "slide". En unos pocos años, estaba actuando solo y con una banda de cuerdas local, "Son Simms Four"

Muddy Waters se convirtió en un elemento artístico fijo en Mississippi, actuando con artistas como Big Joe Williams y Robert Nighthawk, y a finales del verano de 1941, Alan Lomax y John Work III llegaron a Mississippi con una plataforma de grabación portátil, ansiosos por documentar el talento local del Blues para la "Biblioteca del Congreso de los EE.UU.". Lomax y Work quedaron muy impresionados con Muddy, y grabaron varios temas, dos de las canciones fueron publicados, y cuando Muddy recibió dos copias de los singles y $ 20 de Lomax, lo alentó a considerar seriamente una carrera profesional. En julio de 1943, Lomax volvió a grabar más material con Waters; estas primeras sesiones con Lomax se recopilaron en el álbum "Down On Stovall's Plantation" (1966), y una re-edición de 1994 del material, "The Complete Plantation Recordings", que ganó un premio Grammy.

En 1943, Muddy Waters decidió trasladarse a la ciudad de Chicago, con la esperanza de ganarse la vida con su música. En los principios Muddy conducía un camión y trabajaba en una fábrica de papel durante el día, y por la noche tocaba en fiestas y en cualquier bar que lo tuviera. El bluesman "Big Bill Broonzy" se acercó a Waters y lo ayudó a conseguir mejores conciertos; Muddy había cambiado recientemente a la guitarra eléctrica para ser mejor escuchado en clubes ruidosos, lo que agregó un nuevo poder a su sonido. En 1946, Waters había llamado la atención de "Okeh Records", quien lo llevó al estudio para grabar, pero decidió no publicar. Una sesión ese mismo año para "20th Century Records" resultó en que solo se publicara una melodía como la cara B de un lanzamiento de James "Sweet Lucy" Carter, pero a Waters le fue mejor con "Aristocrat Records", un sello con sede en Chicago fundado por los hermanos Leonard y Phil Chess. Los hermanos Chess comenzaron a grabar Muddy Waters en 1947, y sus singles se convierten en éxitos comerciales para lanzar a Waters como una estrella en la escena del Blues de Chicago.

Inicialmente, los hermanos Chess grabaron a Muddy Waters con músicos locales de confianza, pero para su trabajo en directo, Muddy Waters había reclutado una banda que incluía a "Little Walter" en la armónica, "Jimmy Rogers" en la guitarra y "Baby Face Leroy" llegando a ganar la reputación como la banda de Blues más espectacular de Chicago. El bluesman "Otis Spann" se unió al grupo de Waters al piano en 1953, y se convertiría en el ancla de la banda hasta bien entrados los años 60, después de que Little Walter y Jimmy Rogers se marcharan para perseguir carreras en solitario. En los años 50, Waters (con Willie Dixon) publico algunos de los temas más poderosas e influyentes en la historia del Blues; como "Rollin 'y Tumblin", "I'm Ready", "I'm Your Hoochie Coochie Man","Mannish Boy", "Trouble No More","Got my Mojo Working" y "I Just Want to Make Love to You", para convertirle en una estrella con una presencia regular en las listas de Billboard R&B.

A finales de la década de los años 50, la carrera de Muddy Waters se hundía. El auge del "Rock & Roll" y el "Folk" había alejado el centro de atención de los músicos de Blues más tradicionales en favor de músicos más jóvenes y rebeldes (ruidosos).  Waters comenzó a tocar más música acústica basada en su herencia del Delta en los años siguientes, y publicó un álbum titulado "Folk Singer" en 1964. Sin embargo, la ironía era que los fans del Blues (gracias al "British Wave") pronto reavivarían el interés en Muddy Waters y el sonido Chicago eléctrico. Músicos y bandas influenciados por Muddy Waters del Reino Unido se convirtieron en estrellas internacionales: Eric Clapton, John Mayall, Alexis Korner y una banda londinense que se nombró a sí mismo en honor al éxito de Muddy en 1950 "Rollin 'Stone" - The Rolling Stones. Chess Records quería cambiar de estrategia comercial y situar Muddy Waters más en el mercado "blanco" haciendo que el Bluesman grabara discos "experimentales" y "psicodélicos" juntos con músicos "blancos" ingleses. No era precisamente algo muy cómodo para Muddy Waters, aunque posteriormente algunos discos, por ejemplo "Electric Mud",  serian vistos como trabajos "innovadores".

Chess Records ayudó a Waters a hacer algunos de los mejores discos de Blues de los años 50 y 60, fue la desaparición del sello lo que llevó a su renacimiento creativo. En 1969, Chess vendió el sello a "General Recorded Tape", y el sello pasó por un largo y lento declive comercial, hasta que finalmente se cerró en 1975. Johnny Winter, un fan de Muddy Waters desde hace mucho tiempo, escuchó que la leyenda del Blues no tenía un contrato discográfico y fue fundamental para que Waters firmara con "Blue Sky Records", un sello distribuido por CBS. Johnny Winter produjo las sesiones para el primer lanzamiento de Blue Sky de Muddy Waters y se sentó la banda de gira de Waters (incluidos Bob Margolin y Willie "Big Eyes" Smith) junto con James Cotton al arpa y Pinetop Perkins al piano. El disco "Hard Again" de 1977 fue un triunfo, sonando tan crudo y contundente como los clásicos de Chess, y fue aclamado como uno de los mejores álbumes que Waters jamás. Desde entonces Muddy Waters disfrutó de nuevo un gran impulso en su carrera, y se encontró nuevamente de gira para grandes y entusiastas multitudes, compartiendo escenarios con personas como Eric Clapton y The Rolling Stones.

La salud de Muddy comenzó a fallarle en 1982, y su última aparición en directo fue en el otoño de ese año, cuando cantó algunas canciones en un show de Eric Clapton en Florida. Waters murió de insuficiencia cardíaca en su casa de Westmont, Illinois, el 30 de abril de 1983. Desde entonces, tanto Chicago como Westmont han nombrado calles en honor a Muddy, ha aparecido en un sello postal y un marcador conmemora el lugar donde vivió su infancia en Clarksdale.

La influencia de Muddy Waters ha sido enorme. La banda británica "The Rolling Stones" se nombró a sí mismos en honor a la canción de 1950 de Muddy Waters "Rollin 'Stone". "Jimi Hendrix" recordó que "lo escuché por primera vez cuando era un niño y me asustó hasta la muerte". La banda "Cream" hizo una versión de "Rollin 'and Tumblin'" en su álbum debut de 1966, "Fresh Cream". Eric Clapton fue un gran admirador de Muddy Waters mientras crecía, y su música influyó en la carrera musical de Clapton. La canción también fue versionada por "Canned Heat" en el Monterey Pop Festival y luego adaptada por "Bob Dylan" en su álbum "Modern Times". Uno de los mayores éxitos de Led Zeppelin, "Whole Lotta Love", está basado en el éxito de Muddy Waters "You Need Love" (escrito por Willie Dixon). "Hoochie Coochie Man", fue interpretado por "The Allman Brothers Band", "Humble Pie", "Steppenwolf" y "Supertramp" . En 1993, Paul Rodgers publico el álbum Muddy Water Blues: A Tribute to Muddy Waters, en el que hizo versiones de varias de sus canciones, incluidas "Louisiana Blues", "Rollin 'Stone", "(I'm your) Hoochie Coochie Man "y" I'm Ready "en colaboración con guitarristas como "Gary Moore", "Brian May" y "Jeff Beck". Angus Young, del grupo AC / DC, ha citado a Muddy como una de sus influencias. El título de la canción de AC / DC "You Shook Me All Night Long" proviene de la letra de la canción de Muddy Waters "You Shook Me", escrita por Willie Dixon y J. B. Lenoir. Earl Hooker lo grabó por primera vez como instrumental, que luego fue sobre-grabado con la voz por Muddy Waters en 1962. Led Zeppelin también hacen una versión en su álbum....y continuara siendo así para las nuevas generaciones.

Los mejores álbumes de Muddy Waters: Top 10 ranking 

Obviamente una lista subjetiva y personal...aquí somos todos fans y cada uno vive la música de su manera.

Ver video:




Lista de los mejores álbumes:
1. Folk Singer (1964)
2. At Newport (1960)
3. Hard Again (1977)
4. Electric Mud (1968)
5. The Complete Plantation Recordings (1993)
6. I’m Ready (1966)
7. Fathers and Sons (1969)
8. Muddy Waters Sings Big Bill (1960)
9. After The Rain (1969)
10. King Bee (1981)