MIKE OLDFIELD - Tubular Bells (1973) - Album

No sé por qué he tardado tanto en dedicar un post en este blog de música al álbum "Tubular Bells" de Mike Oldfield. Además de ser una obra maestra y responsable del lanzamiento financiero del imperio "Virgin Music", es difícil de catalogar. ¿Es new age? ¿progresivo? ¿electrónico? ¿experimental? ¿O "Tubular Bells" encaja en todas las descripciones? Lo otro sorprendente de este disco es que Mike Oldfield toca casi todos los instrumentos.        

Descubramos juntos un poco más sobre Mike Oldfield, comprendamos un poco más el álbum "Tubular Bells" y entendamos por qué es una recomendación sólida.

 

¿Quién es Mike Oldfield?

 

Michael Gordon Oldfield es un músico, compositor y productor inglés mejor conocido por su álbum de estudio debut "Tubular Bells" (1973), que se convirtió en un inesperado éxito comercial. Aunque principalmente es guitarrista, Oldfield toca una variedad de instrumentos, que incluyen teclados y percusión, además de voces. Ha adoptado una variedad de estilos musicales a lo largo de su carrera, incluido el rock progresivo, world music, folk, clásica, electrónica, ambient y new age.

En 1971, mientras trabajaba sobre su nuevo álbum Oldfield llamó la atención de Richard Branson, quien aceptó editar "Tubular Bells" en su nuevo sello discográfico, "Virgin Records". La canción de apertura del LP se utilizó más tarde en la película de terror "The Exorcist" y el álbum vendió más de 2,7 millones de copias solo en el Reino Unido.

La discografía de Mike Oldfield incluye hasta la fecha 26 álbumes de estudio, nueve de los cuales han alcanzado el top ten del Reino Unido. Su último álbum, "Return to Ommadawn", se lanzó en 2017. El sello de Oldfield anunció su retiro en 2023.

 

ALBUM: Tubular Bells 

 
Es el disco de estudio debut del músico británico Mike Oldfield, publicado el 25 de mayo de 1973 como el primer álbum de "Virgin Records". Se compone de sólo dos temas en su mayoría instrumentales. Oldfield, que tenía 19 años cuando se grabó, tocaba casi todos los instrumentos. La portada de "Tubular Bells" fue creada por el diseñador y fotógrafo Trevor Key.

El álbum "Tubular Bells" se vendió inicialmente lentamente, pero obtuvo éxito mundial en diciembre de 1973, cuando su tema de apertura se utilizó para la banda sonora de la película de terror "El exorcista". Esto provocó un aumento de las ventas que aumentó el perfil de Mike Oldfield y jugó un papel importante en el crecimiento del Grupo Virgin. Se estima que ha vendido más de 15 millones de copias en todo el mundo. 

Este álbum se grabó en "The Manor Studio" (localizado en el campo de Oxford) con una grabadora Ampex de 16 pistas de 2 pulgadas con sistema de reducción de ruido Dolby, que era el principal equipo de grabación de Manor en ese momento. Oldfield hizo que Virgin alquilara instrumentos, incluidos guitarras, teclados e instrumentos de percusión. Mike Oldfield tocó la mayoría de los instrumentos como una serie de sobre grabaciones, lo cual era una técnica de grabación poco común en ese momento. En total, se realizaron 274 sobre grabaciones y se estima que dos mil "pinchados" (grabaciones multipista en las que una parte de la interpretación se grababa en una cinta previamente grabada, normalmente sobrescribiendo cualquier sonido que hubiera estado previamente en la pista utilizada).

La obra combina una variedad de instrumentos para crear una multitud de ritmos, tonos, alturas y armonías que se fusionan perfectamente entre sí, dando como resultado una asombrosa plétora de música. La familiar y espeluznante apertura, que se hizo famosa por su uso en la película "El Exorcista", comienza el álbum lentamente, a medida que cada instrumento se abre paso acústicamente en el ruido actual que se escucha, hasta que hay un gran unísono de sonidos excéntricos. A lo largo del álbum, los tempos varían de suaves a intensos y sorprendentes, lo que genera excelentes culminaciones musicales. Mandolinas y guitarras españolas se unen a órganos chirriantes y teclados, mientras campanas extrañas y ruidos de manivela resuenan en la distancia. En la mitad del álbum, la invitada "Vivian Stanshall" anuncia cada instrumento segundos antes de que se escuche, terminando con las siniestras campanas tubulares.

La primera cara del LP presenta la "Part One", una pieza continua de 25 minutos que fluye y refluye con una gracia hipnótica. Desde sus serenos pasajes iniciales, donde delicados arpegios de guitarra se entrelazan con sintetizadores etéreos, hasta su clímax creciente impulsado por ritmos impulsores y melodías en cascada, "Part One" es una escalofriante clase magistral de dinámica y creación de tensión.

Por el otro lado, la "Part Two" explora más a fondo el paisaje sonoro establecido en la primera mitad, aunque con una estructura más fragmentada. Aquí, Mike Oldfield introduce nuevos motivos y temas, fusionando con un sentido de fantasía y experimentación. El álbum culmina con una repetición triunfal del tema principal, que cierra el círculo al oyente y le proporciona una sensación de cierre del viaje musical.

El aspecto más interesante y abrumador de este álbum es el hecho de que se evocan tantos sonidos pero ninguno pasa desapercibido, lo que permite al oyente una inmersión gradual en cada porción única de la música.

Escuchando este disco, me hace pensar que Mike Oldfield es probablemente uno de los primeros actos progressive más prestigiosos de principios de los 70 (siglo xx), a la altura de "Yes", "Genesis" y "King Crimson". Su capacidad para combinar música clásica melódica con rock progresivo y folk es innovadora. Incluso diría que su combinación lo convierte probablemente en uno de los artistas más experimentales en la historia del rock progresivo, aparte de "Fripp" y "Zappa", por supuesto, ya que es capaz de crear estos "momentos Bach modernos" dentro de los confines del rock al estilo de "Canterbury".

Además, el álbum "Tubular Bells" ha servido como modelo para el floreciente género de la música ambient y electrónica. Su fusión de elementos acústicos y electrónicos sentó las bases para artistas como "Tangerine Dream", "Brian Eno", etc., que explorarían un territorio sonoro similar en los años siguientes.

 

Disco recomendado

 
Música instrumental única. "Tubular Bells" es una escalofriante excursión al ámbito de la música new age experimental y ambient. Además, recuerda, Mike Oldfield tenía sólo 19 años cuando grabó "Tubular Bells" y el disco fue responsable de consolidar el "Imperio Virgin Records", además de marcar el camino para los futuros músicos de la música electrónica progresiva - experimental. Me atrevería a decir que "Tubular Bells" es una de las primeras obras significativas de "Intelligent Dance Music" (IDM), eliminando el término "dance".

En fin, un clásico e imprescindible.

Video de tema "Part One":

Tracklist (original LP):

Cara A:

1.         "Tubular Bells, Part One"       25:30

Cara B:

1.         "Tubular Bells, Part Two" (Incorporates "The Sailor's Hornpipe")   23:22

Los créditos:

•  Mike Oldfield: piano de cola, glockenspiel, órgano Farfisa, bajo, guitarra eléctrica (incluidas "guitarra rápida", "guitarra fuzz", "guitarra tipo mandolina" y "guitarras que suenan como gaitas"), acorde de órgano con amplificador de motor grabado, percusión variada, guitarra acústica, flageolet, piano honky tonk, órgano Lowrey, campanas tubulares, tímpanos de concierto, órgano Hammond, guitarra española, voz ("Piltdown Man" y "Moribund chorus")

Músicos adicionales:

•  Steve Broughton - batería
• Lindsay Cooper - bajos de cuerdas
• Jon Field - flautas
• Mundy Ellis - coros ("Girlie Chorus")
• Sally Oldfield - coros ("Girlie Chorus")
• Vivian Stanshall – Maestra de Ceremonias
• Nasal Choir (sin acreditar)
• Bootleg Chorus: el coro de Manor dirigido por Mike Oldfield

Producción:

• Mike Oldfield - productor, mezcla de sonido estéreo y envolvente 5.1
• Simon Heyworth – productor, ingeniero de sonido, masterizaciónTom Newman - productor, ingeniero de sonido
  

FAQ:

Preguntas populares que se hacen sobre Mike Oldfield y el disco "Tubular Bells":

¿Es verdad que Mike Oldfield tocó todos los instrumentos en su álbum "Tubular Bells"?

Si, Mike Oldfield realmente tocó la mayoría de los instrumentos del álbum (con la excepción de la batería que se escucha en la cara dos).

¿Cuántos instrumentos tocó Mike Oldfield en su álbum "Tubular Bells"?

Mike Oldfield cuenta que fuero 20 instrumentos, entre ellos guitarras eléctricas y acústicas, piano de cola y órgano de tubos, glockenspiel, timbales, silbato de hojalata y, por supuesto, las famosas campanas tubulares (ver arriba).

¿Cuántos años tenía Mike Oldfield cuando compuso "Tubular Bells"?

Mike Oldfield tenía 19 años.

¿En qué película se utilizo la canción "Tubular Bells" de Mike Oldfield?

Se utilizó para la banda sonora de la película de terror "El Exorcista".

KATE BUSH - Aerial - Album

La cantante, compositora, productora y bailarina inglesa, Kate Bush, llegó recientemente al frente de una nueva audiencia, mejor dicho, una nueva generación de jóvenes entusiastas de la música, a través de la canción "Running Up That Hill" que aparece en la serie de televisión "Stranger Things" en 2022. Un resurgimiento en las listas de todo el mundo, encabezando las listas en ocho países, incluido el Reino Unido durante tres semanas consecutivas, alcanzando también un nuevo pico del número tres en el Billboard Hot 100. De repente, los adolescentes de todo el mundo estaban maravillados con la música de Bush.

Lleva en activo desde 1975, y quizás su disco más "popular" es "Hound of Love" (1985), que contiene el éxito ya mencionado "Running Up That Hill". Sin embargo, Kate Bush tiene otros 9 álbumes igualmente interesantes y que valen la pena escuchar. Uno de ellos es …

ALBUM: Aerial (Doble CD)

 
El octavo álbum fue publicado el 7 de noviembre de 2005. Marcó el regreso de Kate Bush a la música después de una pausa de doce años y fue recibido con gran entusiasmo tanto por la crítica como por los fans. De hecho, este disco sorprendió por su calidad y belleza.

"Aerial" está llena de himnos románticos a las cosas mundanas y cósmicas, destacando la capacidad de Bush para agregar dimensión y transferir emoción a través de la canción. Todo repartido en dos discos. El primer CD, "A Sea of Honey", es una colección de canciones, arregladas para todo, desde una banda de rock hasta un solo de piano. El segundo CD, "A Sky of Honey", es conceptual. Fue producido por Bush con la ingeniería y la mezcla del colaborador de toda la vida Del Palmer. Musicalmente, el álbum es un trabajo de múltiples capas, que incorpora elementos de folk, renacimiento, música clásica, reggae, flamenco y rock.

Este no es un álbum que aborda grandes preguntas o canaliza la rabia y las ansiedades. No reclama el poder de las mujeres ni defiende la rebelión. La letra no es política, ni se señala con el dedo a nadie por ningún motivo. Esta es una obra sobre lo mundano: pájaros, hacer limpieza de casa, el número Pi y su hijo pequeño. Este es un trabajo alegre sobre cosas pequeñas, creado por una mujer de mediana edad que parece estar en paz con su vida. Dentro de este contexto, Kate Bush logra transformarlo todo en puro arte.

El primer disco, "A Sea of Honey", presenta un conjunto de canciones no relacionadas, incluido el exitoso single "King of the Mountain", y una oda de estilo renacentista a su hijo Albert "Bertie" McIntosh interpretada con instrumentos de época y, una canción basada sobre la historia de Juana de Arco llamada "Joanni". La canción más destacada es la pieza de piano y voz "A Coral Room", que trata sobre la pérdida de la madre de Bush y el paso del tiempo, que es "impresionante" en su simplicidad y quizás una de las piezas más hermosas que Bush haya grabado.

El segundo disco, "A Sky of Honey", consiste en una sola pieza musical que se deleita con la experiencia de aventuras al aire libre en un solo día de verano, comenzando por la mañana y terminando 24 horas después con el próximo amanecer. En este sentido es conceptual. Hay "samples" de cantos de pájaros, elementos que representan el cielo y el mar, etc. Este segundo disco es un "álbum" increíble por sí solo.

Personalmente disfruto con las canciones "King of the Mountain", "A Coral Room" y los dos últimos temas "Nocturn" y "Aerial"; todo el LP es genial, pero estos son excepcionales.

Tomado como un conjunto de dos discos, "Aerial" quizás se encuentre entre los mejores álbumes de Kate Bush. Con cada disco tomado como un trabajo independiente, el oyente aún obtiene dos de los mejores álbumes de Kate Bush. También es quizás el trabajo más sensual y seductor de Bush, pero también para algunos, uno de sus trabajos menos inmediatos. Requiere escucharlo repetidamente para que sus sutiles complejidades se revelen, aunque las melodías son altamente memorables y únicas. Es su álbum más diverso, con elementos de reggae y trip-hop ("King of the Mountain"), rock progresivo ("Aerial"), jazz ("Sunset"), world music ("An Architect's Dream "), clásica ("Prologue"), blues-rock ("How To Be Invisible"), folk ("Bertie") y dub ("Somewhere in Between"), entre muchos otros estilos y sonidos. Es un trabajo poderoso, sensual y complejo que exige y recompensa al oyente.

Disco recomendado, un tremendo disco de regreso. Confirma lo que los fans ya sabían sobre los poderosos talentos artísticos de Kate Bush. También presenta a Kate Bush a una nueva "ola" de fans. Si descubriste recientemente a Kate Bush a través de su canción "Running Up That Hill" ("Stranger Things"), y eso te motivó a descubrir el disco que contiene esa misma canción, entonces genial. Continua la exploración, busca y escucha también este maravilloso doble álbum.

Video del tema "A Coral Room":

Tracklist:

Disc 1:

A Sea of Honey

Side one:

1."King of the Mountain" – 4:53
2."π" (Pi) – 6:09
3."Bertie" – 4:18
4."Mrs. Bartolozzi" – 5:58

Side two

1."How to Be Invisible" – 5:32
2."Joanni" – 4:56
3."A Coral Room" – 6:12 

Disc 2:

A Sky of Honey

Side three 

1."Prelude" – 1:26
2."Prologue" – 5:42
3."An Architect's Dream" – 4:50
4."The Painter's Link" – 1:35
5."Sunset" – 5:58
6. "Aerial Tal" – 1:01 

Side four

1."Somewhere in Between" – 5:00
2."Nocturn" – 8:34
3. "Aerial" - 7:52

JLIN | Black Origami

Los fanáticos de la música siempre estamos buscando novedades, y en especial, algo que nos sorprenda. En 2017 me cruce con el álbum de una chica americana que hacia música electrónica que impactado. Aún no se muy bien cómo exactamente describir su apuesta musical - que estilo - aunque es asombroso.

Jlin (Artista musical)

Nombre Jerrilynn Patton, aka "JLIN", y es una artista americana de la electrónica. Jerrilynn Patton comenzó a producir música en 2008, pero antes tiene una historia curiosa.

Durante su juventud Jerrilynn Patton estuvo expuesta a la música a través de sus padres, y sus artistas favoritos fueron Anita Baker, Rachelle Ferrell y Sade. Asistió brevemente a la "Universidad de Purdue: Wisconsin" como estudiante de matemáticas. Ya de adulta, trabajaba en una fábrica de acero hasta 2008 cuando se lanzó a la música animada por su madre. Comenzó produciendo música inclinada hacia el "Soul" y muy sampleado hasta que su madre le sugiere trabajar su voz para limitar el "sample". Figuras local del "Dance" como DJ Rashad & Gant-Man, DJ Clent, RP Boo, Traxman y otros productores notables también ayudaron a JLIN en sus principios y lanzar su carrera. Hasta el momento ya lleva tres álbumes publicados:

• Dark Energy (2015)
• Black Origami (2017)
• Autobiography (Music from Wayne McGregor s Autobiography) (2018)

...el segundo disco "Black Origami", es para mi, su mejor trabajo hasta el momento y el más impactante. Hay una madurez artística en este álbum que es asombroso.


ALBUM: Black Origami 


El segundo álbum publicado el 11 de mayo de 2017 y producido por la propia JLIN. Grabado desde 2015 a 2016 mientras trabajaba en una fábrica de acero, presenta colaboraciones con músicos vanguardistas como William Basinski, Holly Herndon, Fawkes y Dope Saint Jude. El título del álbum hace referencia a la estructura de la música: las canciones son piezas complejas que aprovechan el silencio tanto como los sonidos, de forma similar a como un “Origami” crea intrincadas obras de arte basadas en papel normal. Y yo pienso y pregunto ¿y esto es solo su segundo álbum? Jerrilynn Patton (aka JLIN) tiene la cabeza musicalmente muy bien amueblada.

El recibimiento de "Black Origami" no podía ser de otra manera,  fue aclamado por la crítica destacando el mayor rango de JLIN en su sonido y estilo. La variedad de sonidos del álbum, su percusión y ritmos y el uso de los colaboradores lo diferencia. El crítico musical Daniel Sylvester resumió el álbum asi..."Black Origami es terrenal y futurista, complejo y lineal, danzante y una mierda mental total". Mierda en este contexto es "una locura" de disco. La propia JLIN nos explica que quería hacer "algo diferente, algo que me desafiara a mí mismo" y hacer música "sin límites". Creo que lo consiguió.

El álbum, comparado con el debut "Dark Energy", es más espacioso, hasta el punto de que canciones como "Enigma" o " Carbon 7" se sienten como si estuvieran coreografiadas con pasos fluidos y de ballet (ver video abajo) en lugar de los movimientos rápidos de los Clubs. Personalmente,"Black Origami" me descoloca, era y es tan diferente de lo que estaba circulado en la electrónica en su momento. Es oscuro, palpo ira, la depresión, el miedo y tiene esos ritmos africanos, tribales y fantasmagóricas...innovación. Escuchando la obra me viene a mente un grande de la música electrónica, Aphex Twin, JLIN esta en un mismo nivel. Te das cuenta que la propuesta "electrónica" de JLIN con "Black Origami" es que no se trata de "textura" o "sampling", se trata de que los sonidos sean apaleados violentamente de sus asociaciones y contextos culturales golpeando a la repetición no lineal. Lo acepto!

Un disco recomendado, difícil de encajar en un solo estilo (quizás más bien "Intelligent Dance Music"...IDM). Un álbum diverso, interesante e impregnado de ADN africano, virtuosismo tecnológico, brillo melancólico y glamoroso. Te llevará en un viaje sónico a través de paisajes emocionales y composiciones dignas de zumbido aparentemente diseñadas para dispersar tus células cerebrales. Es absolutamente original, progresista y una obra de una genia de la música electrónica. Solo JLIN nos dirá hasta donde quiere y puede llegar con su arte, por ahora tenemos esta joya

Y termino, es un disco para la mente, difícil va ser bailarlo menos si eres un tipo con las habilidades de "Michael Jackson" (o el bailarín del video abajo).

Video del tema "Carbon 7" (161):



Tracklist del álbum "Black Origami":
1. "Black Origami" 4:30
2. "Enigma" 3:48
3. "Kyanite" 4:25
4. "Holy Child" 4:04
5. "Nyakinyua Rise" 3:40
6. "Hatshepsut" 4:40
7. "Calcination" 1:38
8. "Carbon 7 (161)" 4:13
9. "Nandi" 3:30
10. "1%" 3:46
11. "Never Created, Never Destroyed" 3:31
12. "Challenge (To Be Continued)" 2:43

KATE BUSH - Hounds of Love - Album

KATE BUSH (Cantante)

Catherine Bush, aka KATE BUSH, es una cantante, compositora y productora musical británica. En 1978, a los 19 años, encabezó la lista de singles del Reino Unido durante cuatro semanas con su single debut "Wuthering Heights" (álbum "The Kick Inside"), convirtiéndose en la primera artista femenina en alcanzar el #1 del Reino Unido.

Desde entonces, ha publicado 25 singles en el Top 40 del Reino Unido, incluidos los 10 éxitos principales "The Man with the Child in His Eyes", "Babooshka", "Running Up That Hill", "Don't Give Up" (dúo con Peter Gabriel ) y "King of the Mountain". Sus 10 álbumes de estudio llegaron al Top 10 del Reino Unido, incluidos los álbumes "Never for Ever" (1980), "Hounds of Love" (1985) y la compilación "The Whole Story (1986)".

Kate Bush comenzó a escribir canciones a los 11 años. Ella firmó con el sello discográfico EMI Records después de que el guitarrista de Pink Floyd, David Gilmour, le ayudó a producir un demo. Kate Bush es un artista de lo más inusual, la música de Bush es una mezcla de Folk Rock, Art Rock, Prog y Pop, a menudo interpretada como una producción teatral, con letras llenas de drama, fantasía, peligro y sentido de la maravilla en el mundo humano y natural. Incorpora la danza y el mimo en sus interpretaciones haciendo que sea un artista única en la escena musical y del Rock.

Tal talento tan diferenciador y poco convencional a impactado sobre una larga lista de musicos y artistas de la nueva generación: Regina Spektor, Ellie Goulding, K.D. Lang, Bat for Lashes, Erasure, Alison Goldfrapp of Goldfrapp, Grimes y Solange Knowles. Y otro ejemplo, la banda Coldplay se inspiró en "Running Up That Hill" para componer su single "Speed of Sound". En 2015, Adele declaró que el lanzamiento de su tercer álbum de estudio se inspiró en el regreso de Kate Bush al escenario en 2014. Citados estos músicos aún hay más que expresan directamente su admiración por el trabajo de Kate Bush: Tori Amos, Courtney Love, Annie Lennox, Björk, Florence Welch, Elizabeth Fraser de Cocteau Twins, Dido, St. Vincent, Antony de Antony and the Johnsons, Stevie Nicks, Robert Smith, John Lydon, Steven Wilson, Tricky, Prince...etc. y etc.

Kate Bush, es críticamente deificado universalmente por sus composiciones de buen gusto, artísticos, inteligente y únicos.

Discografía hasta ahora:

• The Kick Inside (1978)
• Lionheart (1978)
• Never for Ever (1980)
• The Dreaming (1982)
• Hounds of Love (1985)
• The Sensual World (1989)
• The Red Shoes (1993)
• Aerial (2005)
• Director's Cut (2011)
• 50 Words for Snow (2011)
• Before the Dawn (2016)

Una lista de discos magníficos donde destaco dos; el impresionante "retorno" de 2005 con "Aerial" y su mejor álbum hasta el momento "Hounds of Love" de 1985. Este último la abre al mercado estadounidense y la fama mundial.

ALBUM: Hounds of Love

Sexto álbum publicado 16 de septiembre de 1985. Un éxito de ventas que también marcó un gran avance en el mercado estadounidense, produciendo un conjunto de videos deslumbrantes (importante para MTV), así como un cuerpo envidiable de éxitos, encabezado por "Running Up That Hill", su mayor single desde "Wuthering Heights". Un álbum que ilustra la inteligencia y espíritu artístico de Kate Bush inspirándose para la canción principal "Running Up That Hill" en la novela "Ulises" de James Joyce además aludiendo a "Jerusalén" de William Blake,  y surtiendo de Peter Reich y su "A Book of Dreams" en otras partes del álbum. Las canciones "Deeper Understanding", "Never Be Mine" y "Rocket's Tail" cuentan con voces de acompañamiento del conjunto búlgaro "Trio Bulgarka". Y tengo que mencionar la colaboración de músicos excepcionales como Nigel Kennedy (violín), Michael Nyman, Mick Karn (bajo y ex-Japan), Alan Stivell (arpa céltica), Dave Gilmour (guitarra /Pink Floyd), Stuart Elliot (batería) … y así la lista. Nivelazo!

Aparte de estos toques de puro arte el disco "Hounds of Love" esta muy cuidado técnicamente como un álbum de Pop, y abundan las melodías y arreglos memorables. Tiene Pop-progresivo orquestado con quizás la mejor interpretación vocal de la carrera de Kate Bush, ampliando su rango y también dibujando expresividad desde el fondo de sí misma, tanto que uno casi siente que la está escuchando a escondidas. Fue el primer álbum completamente realizado por Kate Bush, hecho completamente en sus propios términos, hecho completamente en su propio estudio casero de 48 pistas, según su calendario y preferencias, y entregado íntegramente; esto es importante mencionar, ya que ayuda a explicar la pura presencia del elemento más llamativo del álbum: el espíritu de experimentación a cada paso, en los pequeños detalles del sonido.

"Hounds of Love" es un álbum de dos partes. El primero está impregnado de sensualidad lírica y sonora que tiende a invadir al oyente, mientras que el segundo trata sobre las experiencias del nacimiento y renacimiento (la parte conceptual: narra un navegante naufragado flotando en el mar esperando que le rescaten). Esa comprensión enormemente divergente, desde las minucias de cada canción hasta el amplio arco de las dos suites, todas muy ornamentadas con instrumentación en capas, hace que este disco sea una maravilla como pieza de música Pop. Pongo mi lista de temas del álbum que más me gustan: “Running Up That Hill (A Deal With God)” “The Big Sky”, “Mother Stands For Comfort”, “And Dream Of Sheep”, “Watching You Without Me” y “The Morning Fog”.

Un disco recomendado. Un álbum de Pop puro de los años 80, desafía el oyente directamente sus canciones aparentemente descolocados, aunque recompensa con uno de mejores singles (y canciones) de la década de 1980. Sin duda el álbum más conmovedor y artísticamente adepto de Kate Bush. Es nada menos que una perfección sonora. Excepcional.

Video del tema "Running Up that Hill":



Tracklist del disco "Hounds of Love" (formato LP original):

Hounds of Love:

A1. Running Up That Hill (A Deal With God) 4:56

A2. Hounds of Love 3:02

A3. The Big Sky 4:41

A4. Mother Stands for Comfort 3:08

A5. Cloudbusting 5:10

The Ninth Wave:

B1. And Dream of Sheep 2:45

B2. Under Ice 2:05

B3. Waking the Witch 4:18

B4. Watching You Without Me 4:07

B5. Jig of Life 4:04

B6. Hello Earth 6:13

PORCUPINE TREE | Disco Recomendado

La banda Porcupine Tree - cancion "Trains":

Compositor Steven Wilson:
Tema : "Trains" ( corte 2 )
Álbum : In Absentia

Letra: 

Train set and match spied under the blind
Shiny and contoured the railway winds
And I've heard the sound from my cousin's bed
The hiss of the train at the railway head

Always the summers are slipping away

A 60 ton angel falls to the earth
A pile of old metal, a radiant blur
Scars in the country, the summer and her

Always the summers are slipping away
Find me a way for making it stay

When I hear the engine pass
I'm kissing you wide
The hissing subsides
I'm in luck

When the evening reaches here
You're tying me up
I'm dying of love
It's OK

BARONESS | Disco 2012

Baroness

BARONESS son de Savannah , Georgia (EE.UU) y han dado en el clavo. Su tercer disco titulado "Yellow & Green" es un firme candidato a Disco 2012. Llevan juntos desde 2003 y han ido evolucionando del "metal" hacia el "progressive" a un "alternative-hard rock" que les ha ido abriendo el "melón" de fans.

Un disco variado, temas pensados y madurados y para todo tipo de públicos si hay paciencia para solo escuchar. Si, es un disco para escuchar, cosa que increíblemente mucha gente no hace con su música.

Un trabajo de cuero y gay, pero suficientemente duro y versátil para no llevar pluma. Llamativo, adictivo y recomendado. Buscadlo por los canales ahora habituales y hacerte con ello, te va gusta pienso, escucha.

THE CHURCH | Por que me gustan, y mucho...

Uno de mis bandas favoritas de todos - mis - tiempos, los australianos THE CHURCH...más comentarios míos bastan. Súper recomendado y gran álbum.

BATTLES | Buen Trabajo

BATTLES es un trío de Nueva York ( EE.UU) que están hacienda de hablar gracias a su segunda disco “Gloss Drop”. Sonidos que se pueden "nombrar" como “rock experimental, progressive y – este me gusta – math-rock”. Ya lo ves, cuantas más etiquetas tiene un grupo mejor parecen ser :O)

Lo que si me gusta es la contribución del “maestro electro”, Gary Numan, en este ultimo disco en el tema “My Machine”. Solo por esto merece un post en el blog. La verdad es que los “cabrones” han hecho un buen disco, buscadlo por los canales habituales para prestarlo un poquito de cariño.

Get Decor "Passion" - Ahhhh Esos Tiempos!

Te juntas con unos colegas fanáticos del dance, unas birras y todos nos recordamos de nuestra juventud. Desde aquí aparecen a la mente todo tipo de canciones, álbumes, artistas, Clubs, Djs ...más experiencias y memorias que formaron parte de esos fantásticos años.

Estaba recordando cuando era Dj, si como suena, hace ya mas de 18 años y ponía discos en los Clubs, la radio y lo más impresionante, RAVES de más de 5.000 personas. Había un tema sobre el año 1989-1990 que ponía siempre, sin parar y me he metido en “YouTube” y ahí estaba en versión montaje pero con un sonido de puta madre (gracias a “gimpystinger”).

Como llenaba las pistas de baile este tema de "Progressive House" era increible...