LIFEGUARD - Ripped and Torn - Album

Hoy en día no es común encontrar un álbum debut que suene como una descarga eléctrica, pero eso es exactamente lo que ofrece "Ripped and Torn" de Lifeguard. El trío de Chicago ha logrado condensar la energía pura de sus raíces DIY (Do It Yourself), la creatividad inagotable de una escena que ayudaron a construir y una profunda reverencia por la historia del punk en treinta minutos de caos coherente. Lo que a primera vista podría sonar abrasivo, rápidamente se revela como una construcción cuidadosa, rebosante de melodía y urgencia. Esta no es solo una colección de canciones, es la declaración de una banda joven que no teme arriesgarse y desafiar los límites de lo que el indie rock aún puede ser.

ALBUM: Ripped and Torn 

Al escuchar "Ripped and Torn", no tenía muy claro qué esperar de Lifeguard. Claro, había leído sobre las raíces DIY del trío de Chicago y su conexión con una escena vibrante de jóvenes art punks, pero nada me habría preparado para la aventura salvaje y emocionante que ofrece este disco. Es ruidoso, impredecible e implacablemente intenso, pero de alguna manera también es pegadizo, encantador e incluso tierno a su manera distorsionada.

Este álbum debut, publicado el 6 de junio de 2025 a través de Matador Records, es una declaración sorprendente de una banda que apenas ha salido de la adolescencia. Grabado en Chicago en 2024 con Randy Randall de No Age como productor, captura el sonido de un grupo que une innumerables ideas e influencias para crear algo emocionante y vibrante.

Energía pura se une a una cuidada elaboración:

En esencia, "Ripped and Torn" es un disco de indie rock. Pero a Lifeguard no le interesa ir a lo seguro ni encajar perfectamente en ningún género. A lo largo de doce canciones y poco más de treinta minutos de duración, abrazan los límites del punk, las atmósferas turbias del no wave y el pulso urgente del noise rock. El tema inicial, "A Tightwire", te sumerge en la profundidad con un ritmo acelerado, guitarras vibrantes y voces que suenan medio cantadas, medio gritadas, como si las arrancaran de lo más profundo de tu ser.

Hay una energía innegable en la forma de tocar de la banda. La guitarra de Kai Slater oscila entre líneas melódicas delgadas y ráfagas de distorsión dentadas; la batería de Isaac Lowenstein es inquieta e intrincada; mientras que el bajo de Asher Case lo sustenta todo con un pulso minimalista y dublín. Son jóvenes músicos que conocen a la perfección su historia: el post-punk británico, el hardcore estadounidense e incluso el pop psicodélico de los 60, pero lo desmantelan todo y lo reconstruyen a su manera.

Canciones surgen del caos:

Lo que me impresionó del álbum "Ripped and Torn" es cómo la banda equilibra sus instintos experimentales con una sorprendente habilidad para los estribillos. La segunda canción, "It Will Get Worse", comienza perezosamente con acordes vibrantes y repentinos golpes de platillos antes de avanzar a toda velocidad como un tren desbocado. Sus estribillos "oh-oh", lanzados con una desenfadada frescura, recuerdan a los Ramones en su momento más exuberante, pero filtrados a través de una capa de retroalimentación estridente.

Luego hay momentos más tranquilos de una belleza inquietante, como "Like You'll Lose", donde armonías vocales a dos voces se ciernen sobre un ritmo despoblado e hipnótico. La canción principal, "Ripped + Torn", se inclina hacia el pop de los 60, pero como si se refractara a través de un espejo agrietado: las armonías se arremolinan en una neblina de reverberación, la batería entra y sale entrecortadamente, y aun así, todo se mantiene unido de una manera que resulta extrañamente reconfortante.

Entre estas canciones más tradicionales se encuentran pequeños interludios extraños como "Music for 3 Drums" y "Charlie's Vox". Más que canciones, son experimentos con texturas y ruido, breves vistazos a la incansable creatividad de la banda. Puede que suenen a relleno en teoría, pero en el contexto de este álbum, funcionan como un refrescante sabor que intensifica el impacto de las canciones que las rodean.

La escena de Chicago y el espíritu DIY:

Parte de lo que hace a este disco tan interesante es la historia que hay detrás. Lifeguard está profundamente arraigado en la vibrante escena juvenil de Chicago, centrada en conciertos en casas, fanzines y un genuino sentido de comunidad. Slater edita y publica Hallogallo, un fanzine hecho a mano que lleva el nombre de una canción de Krautrock, mientras que Case y Lowenstein se iniciaron tocando en otros grupos locales. Esta conexión con una escena viva y dinámica le da a su música una urgencia que resulta poco común hoy en día.

También se puede percibir en sus letras. Gran parte de "Ripped and Torn" suena como fragmentos de monólogos internos ansiosos, llenos de imágenes de estancamiento y frustración: "Quedarse sin rumbo, quedarse sin tiempo", repite Slater en "It Will Get Worse". Hay rabia, pero también camaradería e incluso alegría, la sensación de encontrar tu lugar en un mundo que a menudo parece desorientado.

Por qué Ripped and Torn es una buena opción:

Este no es un disco fácil. Algunos oyentes se resistirán a la disonancia, la retroalimentación y el caos absoluto. Pero quienes estén dispuestos a aceptar el caos encontrarán aquí algo profundamente gratificante. Lifeguard no hace ruido por sí mismo; cada aullido de retroalimentación y armonía desequilibrada se siente deliberado, parte de una visión más amplia.

Lo más impresionante es la moderación que demuestran para una banda tan joven. En ningún momento "Ripped and Torn" cae en la autocomplacencia. Incluso los momentos más extraños se basan en un compromiso con la melodía y la estructura. Los treinta minutos del álbum pasan volando, dejándote aturdido pero con ganas de volver a sumergirte en él.

Disco recomendado

"Ripped and Torn" es uno de esos debuts que llega completamente formado. Es caótico pero centrado, abrasivo pero atractivo, impregnado de historia musical pero completamente contemporáneo. Puede que Lifeguard sea una banda joven, pero ya suenan como si supieran exactamente lo que quieren hacer y, lo que es más importante, por qué lo quieren hacer.

Si buscas un álbum que te desafíe, te emocione y te recuerde por qué el indie rock es importante, este es. Ripped and Torn es el sonido de una banda que rompe con las reglas y construye algo hermoso desde cero.

Dale una oportunidad, deja ir tus expectativas y déjate llevar por el ruido. Lifeguard se encargará del resto. ¡Buen disco!

Video del tema "How to Say Deisar":

Tracklist:

1. "A Tightwire" 2:19
2. "It Will Get Worse" 2:53
3. "Me and My Flashes" 0:23
4. "Under Your Reach" 3:47
5. "How to Say Deisar" 4:03
6. "(I Wanna) Break Out" 1:36
7. "Like You'll Lose" 4:02
8. "Music for 3 Drums" 1:02
9. "France And" 2:26
10. "Charlie's Vox" 1:16
11. "Ripped + Torn" 3:29
12. "T.L.A." 3:27

Lifeguard (Banda):

• Asher Case – bajo, guitarra barítona, voz, grabación
• Isaac Lowenstein – batería, dub, noise, grabación
• Kai Slater – guitarra, voz, grabación

Técnico:

Randy Randall – producción, mezcla, grabación

SLOWDIVE - Souvlaki - Album (Revisited)

Souvlaki, el segundo álbum de estudio de la banda inglesa "Slowdive", fue editado el 1 de junio de 1993 por Creation Records. Grabado durante un período de transición personal y artística, tuvo una respuesta crítica moderada y un éxito comercial modesto, alcanzando el puesto número 51 en la lista de álbumes del Reino Unido. Sin embargo, con el tiempo, este disco se ha convertido en una pieza clave del shoegaze y el dream pop, venerado por sus paisajes sonoros con textura y su profundidad emocional. Quiero volver a escribir sobre este disco para recomendarlo a los nuevos lectores de este blog de musical.

ALBUM: Souvlaki 

A principios de los 90, la banda británica "Slowdive" parecía ir a contracorriente. La prensa musical británica había empezado a virar hacia la confianza antológica del britpop, dejando poco espacio para la neblina introspectiva del shoegaze. Las críticas a menudo eran crueles. Melody Maker escribió la famosa frase: "¿Slowdive? Para mí, es más como una muerte lenta", y Richey Edwards, de la banda Manic Street Preachers, declaró que odiaba a la banda "más que a Hitler". Estos mordaces comentarios reflejaban un sentimiento más amplio: las guitarras distorsionadas y las voces etéreas que definían el shoegaze se consideraban pasadas de moda.

Mientras tanto, entre bastidores, "Slowdive" atravesaba sus propias turbulencias. Los co-vocalistas y guitarristas Rachel Goswell y Neil Halstead habían terminado su relación, y Halstead se refugió en la composición solitaria. Creation Records rechazó sus maquetas iniciales, lo que empujó a la banda a empezar de nuevo. A pesar de la tensión, o quizás debido a ella, las canciones resultantes estaban llenas de emoción pura y experimentación sonora.

Melancolía y luz se entrelazan:

Al abrir "Alison", Souvlaki establece de inmediato su tono agridulce. Los acordes cálidos y brillantes crean una sensación de nostalgia ingrávida, y la letra de Halstead insinúa pérdida y esperanza a partes iguales: "Porque simplemente estoy flotando". La canción evoca ese momento de calma en el que la alegría y la tristeza se superponen, perdurando mucho después de que se desvanece la nota final.

Video del tema "Alison":

Le sigue "Machine Gun", con la voz de Goswell flotando en el registro agudo, suavizada por una fuerte reverberación hasta asemejarse a un susurro. La interacción entre su frágil interpretación y la firmeza vocal de Halstead captura el tira y afloja emocional que caracteriza el corazón del álbum. El estribillo, construido alrededor de la guitarra acústica, introduce una sorprendente calidez en medio de una atmósfera por lo demás onírica.

La sutil influencia de Brian Eno aparece en dos canciones: "Sing" y "Here She Comes". "Sing" posee una cualidad casi alienígena, con texturas electrónicas que se arremolinan en torno a una batería lenta e hipnótica. "Here She Comes" despoja aún más el sonido, ofreciendo una melodía delicada y una sensación de aislamiento que contrasta con los arreglos estratificados del resto del disco.

"Souvlaki Space Station" destaca como pieza central, con sus líneas de bajo con influencias dub y sus guitarras en cascada que crean la sensación de caer en el espacio. Es un viaje sonoro que se siente a la vez expansivo y claustrofóbico. When the Sun Hits, posiblemente la canción más popular de la banda, ofrece un coro imponente y líneas de guitarra luminosas que atraviesan las texturas nebulosas del álbum, anclando el tema firmemente en el dream pop.

El tema final, "Dagger", rompe con la exuberante producción del álbum. Con solo la voz y la guitarra acústica de Halstead, es austero y vulnerable. El arreglo sobrio de la canción expone las emociones heridas bajo la reverberación, sirviendo como un epílogo íntimo.

Recepción y redención:

En el momento del lanzamiento, Souvlaki fue recibido con indiferencia en Gran Bretaña. En Estados Unidos, SBK Records retrasó su lanzamiento ocho meses e incluyó canciones adicionales del quinto EP de la banda, incluyendo una versión sobrenatural de "Some Velvet Morning". Los errores de marketing solo agravaron la sensación de que Slowdive había perdido su momento.

Sin embargo, el tiempo tiene una forma de re-contextualizar el arte. A principios de la década del 2000, una nueva generación estaba descubriendo el souvlaki. Su influencia se filtró en el trabajo de bandas como Beach House y Blonde Redhead, cuyo dream pop se inspiró en la paleta sonora de Slowdive. Cuando Slowdive se reunió en 2014, encontraron un público deseoso de acogerlos. Al interpretar "When the Sun Hits" en vivo, revelaron una banda cuya música no había envejecido, sino que había madurado.

Por qué perdura:

Lo que hace a Souvlaki tan perdurable es su honestidad emocional y su capacidad para envolver al oyente en su sonido. Cada escucha revela algo nuevo: una armonía susurrante, una línea de teclado fantasmal, una letra que resuena de forma diferente con el tiempo. Es un álbum para reflexiones nocturnas, para paseos tranquilos, para esos momentos en los que las palabras por sí solas no bastan.

Disco recomendado

Souvlaki no es una reliquia de principios de los noventa (siglo XX). Trasciende su época, ofreciendo una exploración atemporal del desamor, la añoranza y la belleza. Para quienes buscan una experiencia inmersiva, este es un disco que invita a dejarse llevar y a la deriva.

Si nunca has escuchado Slowdive, empieza por aquí. Puede que Souvlaki no fuera apreciado en su época, pero se ha convertido en una de las obras definitorias del shoegaze, y su poder silencioso aún resuena hoy.

Video del tema "When the Sun Hits" (LIVE-2014):

Tracklist (formato original):

1. "Alison" 3:51
2. "Machine Gun" 4:27
3. "40 Days" 3:14
4. "Sing" 4:48
5. "Here She Comes" 2:17
6. "Souvlaki Space Station" 5:57
7. "When the Sun Hits" 4:46
8. "Altogether" 3:41
9. "Melon Yellow" 3:52
10. "Dagger" 3:38

Slowdive (Banda):

• Neil Halstead – voz, guitarra
• Rachel Goswell – voz, guitarra
• Christian Savill – guitarra
• Nick Chaplin – bajo
• Simon Scott – batería

Músico adicional:

Brian Eno – teclados y versiones de "Sing" y "Here She Comes".

THE BETA BAND - Hot Shots II - Album

Cuando escuché "Hot Shots II", no estaba preparado para la rapidez con la que desbarataría mis expectativas. The Beta Band siempre había sido una presencia esquiva al margen de la música popular, demasiado excéntrica para encajar cómodamente en el mainstream, pero demasiado inventiva para ser ignorada. Con este disco, encontraron un punto óptimo inesperado: una colección de canciones que se sienten a la vez realistas y experimentales, sobrias pero llenas de vida. Décadas después, sigue sonando como ninguna otra, un recordatorio de lo transformadora que puede ser la música cuando una banda deja de intentar complacer a nadie más que a sí misma. Quiero recomendartelo.

ALBUM: Hot Shots II

Hay álbumes que definen a una banda. Para The Beta Band, "Hot Shots II", publicado el 16 de julio de 2001, bien podría ser ese momento decisivo. Tras un autoproclamado "peor álbum jamás hecho" y años de lucha con su desbordante creatividad, el cuarteto escocés regresó con un disco que despeja lo superfluo y muestra su trabajo más centrado y humano hasta la fecha.

Si bien el título irónico del álbum sugiere algo ligero, lo que descubren aquí es una reinvención pulida pero conmovedora: un sonido que respira, late y se siente vivo. The Beta Band no solo ha recalibrado su identidad, sino que también ha arraigado la música folk en el siglo XXI.

Se atreven a ser diferentes:

Vale la pena recordar lo inusual que era el enfoque de The Beta Band a principios del milenio. Aquí estaba un grupo que no temía fusionar baladas folk con grooves dub, tejer ritmos hip-hop bajo melodías pastorales y adoptar una especie de despreocupación desvencijada que parecía más una pandilla de amigos experimentando que una banda arribista escalando las listas de éxitos.

Su éxito inicial, inmortalizado sobre todo en la película "Alta Fidelidad", cuando el personaje de John Cusack impulsó las ventas de sus EP con la frase: "Apuesto a que puedo vender cinco de estos EP de Beta Band con solo escucharlo", los convirtió en un grupo de culto. Pero su debut homónimo dejó confundidos incluso a los fans más acérrimos. Fue un álbum errático, que se desvió hacia callejones sin salida, y dejó a muchos preguntándose si la innovación de la banda se había convertido en indulgencia. El propio grupo fue el crítico más duro, denunciando públicamente el disco y retirándose para replantearse su siguiente paso.

Pulido pero juguetón:

Mientras que el debut se sentía disperso, "Hot Shots II" se siente como un rayo láser. Las canciones son más concisas, la experimentación más controlada y la esencia emocional más aguda. El mérito de esta transformación corresponde en parte a Colin Emmanuel (también conocido como C-Swing), un productor de R&B que aportó un sonido limpio y espacioso que permite que cada elemento musical respire.

El tema de apertura, "Squares", marca el tono con un ritmo contagioso, una melodía pegadiza y la voz hipnótica de Steve Mason, quien interpreta la frase ligeramente siniestra: "He visto a los demonios, pero no hicieron ningún sonido". Es sobrio pero profundamente pegadizo, combinando piano sampleado con pops de vinilo de una manera que se siente a la vez retro y futurista.

"Quiet" es otro tema destacado, con su percusión tribal y líneas de bajo inspiradas en el dubstep que crean una sensación de caos controlado. La voz de Mason, a menudo monótona e inexpresiva, se desliza sobre estas olas como un canto meditativo. Mientras tanto, "Broke" resuena con una energía dancehall que no desentonaría en una fiesta en un sótano, demostrando que los instintos rítmicos de la banda están más agudizados que nunca.

Y luego está "Al Sharp", posiblemente la joya del álbum. Una magnífica mezcla de xilófonos, cuerdas sampleadas y voces en capas, la canción es rica y texturizada, pero nunca recargada. Es aquí donde la promesa de The Beta Band se materializa por completo: inventiva sin ser alienante, intrincada pero irresistiblemente groovy.

Profundidad emocional en la simplicidad:

A pesar de toda su sofisticación rítmica, "Hot Shots II" también ofrece momentos de quietud y reflexión. "Gone" se reduce a una simple balada de guitarra y piano, cuya belleza austera perdura mucho después de las notas finales. La letra oscila entre imágenes cósmicas ("fell from a spaceship") y una vulnerabilidad íntima ("will you think of me when I'm gone?"), capturando la agridulce sensación de amor y ausencia.

En el otro extremo del espectro, "Dragons" se construye desde un ritmo de batería impregnado de reverberación hasta un exuberante crescendo de sintetizadores y voces multipista. Es a partes iguales un viaje psicodélico y una confesión sincera.

El tema final, "Eclipse", se siente como una meditación sobre la unidad, terminando con la simple pero profunda frase: "We all live together on a little round ball". Es caprichosa, filosófica y extrañamente conmovedora: cualidades que definen lo mejor del trabajo de The Beta Band.

Algunos defectos, pero bueno al fin y al cabo:

Si hay una crítica que hacer, es la ocasional reticencia de la banda a dar rienda suelta a su lado más salvaje. Algunos oyentes podrían echar de menos la rareza desquiciada que hizo tan emocionantes a los tres EP. Y el tema extra de hip-hop, "Won", resulta chocantemente fuera de lugar, interrumpiendo la fluidez elegante que se establece a lo largo del álbum.

Sin embargo, estas son pequeñas objeciones en un disco que, por lo demás, triunfa en casi todos los aspectos. "Hot Shots II" conserva el encanto y el espíritu aventurero de la banda, a la vez que da espacio a sus ideas para que florezcan en canciones completas.

Por qué Hot Shots II merece la pena:

Décadas después, "Hot Shots II" se mantiene como una obra singular. No es folk, ni funk, ni electrónica, pero bebe de todos estos mundos y crea algo único y propio. Pocas bandas desde entonces han logrado una fusión de estilos tan fluida, y menos aún lo han hecho con tanto entusiasmo.

Para quienes nunca se han adentrado en el universo de The Beta Band, este es el punto de partida perfecto. Es accesible sin ser precavido, experimental sin ser alienante y siempre gratificante de principio a fin.

Disco recomendado

The Beta Band una vez advirtió en broma a sus oyentes que no compraran su álbum debut. Con "Hot Shots II", no hace falta tal advertencia. Este es un disco que merece tu tiempo y atención. Tanto si eres fan de la música alternativa británica como si simplemente sientes curiosidad por algo diferente, "Hot Shots II" es una experiencia auditiva vital y vibrante.

Hazte un favor: busca un momento tranquilo, ponte unos buenos auriculares y deja que The Beta Band te lleve a un lugar completamente inesperado.

Video del tema "Squares":

Tracklist:

1. "Squares" 3:46
2. "Al Sharp" 3:34
3. "Human Being" 4:31
4. "Gone" 3:41
5. "Dragon" 4:56
6. "Broke" 4:40
7. "Quiet" 4:49
8. "Alleged" 5:31
9. "Life" 3:51
10. "Eclipse" 6:37

WE LOST THE SEA - A Single Flower - Album

Pocas bandas cargan con el peso de su propia historia como los australianos "We Lost The Sea". Surgidos de las afueras de Sydney en 2007, este colectivo instrumental se ha forjado una reputación por crear paisajes sonoros impactantes y cargados de emoción que abordan temas de pérdida, esperanza y resiliencia humana. Su último álbum, "A Single Flower", llega seis años después de Triumph and Disaster y casi una década después del influyente Departure Songs, continuando su legado con un disco tan ambicioso como profundamente personal. Por eso recomiendo este lanzamiento en este blog de música.

ALBUM: A Single Flower

Cuando escuché por primera vez "A Single Flower", el último álbum de We Lost The Sea (2025) de Sydney, no estaba preparado para lo que iba a suceder. Este no es un simple disco de post-rock. Es un viaje emocional, una profunda meditación sobre la pérdida, la resiliencia y esos frágiles momentos de esperanza que florecen incluso en los paisajes más desolados.

Una banda forjada en la tragedia:

"We Lost The Sea" nunca ha sido una banda que rehúye los temas fuertes. Formada en 2007 en Campbelltown, un suburbio a las afueras de Sydney, el grupo se forjó inicialmente un nombre con su sonido colosal y sus álbumes conceptuales. Sus primeros lanzamientos, Crimea y The Quietest Place on Earth, cargaron con el peso de la guerra y el colapso emocional, pero fue Departure Songs en 2015 el que consolidó su lugar en el mundo del post-rock. Ese disco, nacido tras la trágica muerte del vocalista Chris Torpy, se convirtió en un hito, una elegía sin palabras por el sacrificio y el espíritu humano. Con "A Single Flower", la banda regresa casi una década después, demostrando que aún tienen algo vital que decir.

Luz en medio de la oscuridad:

"If They Had Hearts" abre el álbum de una manera que resulta a la vez familiar y sorprendente. Un riff de guitarra solitario y melancólico serpentea a través del silencio, arrastrándote lentamente mientras una batería apagada y un piano delicado se cuelan en la mezcla. La canción se construye pacientemente, capa tras capa, hasta que estalla en un imponente crescendo de guitarras y percusión alrededor del minuto cinco. Es catártico, pero hay una ternura bajo la potencia, como si la banda estuviera sacando luz de las sombras.

Este equilibrio, entre belleza y brutalidad, entre tristeza y alegría, define todo el álbum. "A Dance With Death" continúa con una ferocidad que parece casi viva. El bajo retumba como un terremoto distante mientras la batería cruje con urgencia. A medida que la canción crece, las guitarras tejen patrones intrincados, a veces imponentes, a veces irregulares e inquietantes. Cuando el sonido finalmente se desvanece en el silencio, deja un eco inquietante, como el recuerdo de una tormenta.

Contraste y complejidad:

Un aspecto sorprendente de "A Single Flower" es cómo abraza el contraste. "Where Everything Here Is Black" y "Blinding" son densas y opresivas, evocando la sensación de una habitación tenuemente iluminada con el aire denso como el humo. "Bloom (Murmurations of First Light)" es su opuesto, etéreo, vibrante y lleno de movimiento. Este último evoca imágenes de pájaros volando y girando al unísono, guitarras y piano danzando suavemente sobre una sección rítmica agitada.

Luego llega "The Gloaming", un breve pero devastador interludio de cuerdas y piano. Con apenas tres minutos de duración, es quizás la pieza más delicada del álbum, y sin embargo, tiene una inmensa carga emocional. Cuando la escuché por primera vez, tuve que detenerme para asimilarla. Momentos como este te recuerdan la capacidad de la banda para la contención y la sutileza.

El colosal cierre

Y luego está "Blood Will Have Blood". Con veintiséis minutos, no es tanto una canción como un viaje. La primera mitad es casi serena, una lenta construcción de guitarras y teclados que se expande como el amanecer. Pero a medida que pasan los minutos, el ambiente se oscurece. Los tambores marchan como soldados, las guitarras gruñen y chocan, y la música surge con una violencia que se siente casi primitiva. Justo cuando parece que la oscuridad ha triunfado, un rayo de luz se abre paso, una esperanzadora melodía de guitarra que te transporta suavemente al final del álbum.

Un testimonio de resistencia:

Al escuchar "A Single Flower", es imposible no pensar en la historia de la banda. El dolor que moldeó Departure Songs aún perdura en su sonido, pero este álbum se siente menos como una elegía y más como un testimonio de resistencia. Trata sobre encontrar la belleza en la ruptura, sobre seguir adelante incluso cuando el mundo parece decidido a tragarte por completo.

Por qué escucharlo:

"We Lost The Sea" ha entregado un álbum monumental e íntimo. Respeta las tradiciones del post-rock, las construcciones lentas, los clímax impactantes, pero también encuentra espacio para la experimentación, con toques electrónicos y cambios rítmicos inesperados. Los fans de bandas como Mono, Godspeed You! Black Emperor o Explosions in the Sky encontrarán mucho que amar aquí, pero también lo hará cualquiera que se sienta atraído por la música que se atreve a sentir profundamente.

Disco recomendado

"A Single Flower" no es fácil de escuchar. Requiere tu atención y la recompensa con momentos de belleza impresionante y liberación emocional. Para quienes estén dispuestos a emprender el viaje, este es uno de los álbumes más conmovedores y logrados del año.

En un mundo que a menudo parece tambalearse al borde del abismo, We Lost The Sea nos ha regalado un disco que nos recuerda por qué resistimos. Deja que una sola flor florezca en tu vida. No te arrepentirás.

Video del tema "If They Had Hearts":

Tracklist:

1.If They Had Hearts 08:43
2.A Dance with Death 10:22
3.Everything Here Is Black and Blinding 07:42
4.Bloom (Murmurations at First Light) 13:35
5.The Gloaming 03:07
6.Blood Will Have Blood 27:11

Banda:

• Mark Owen - Guitarras, Piano
• Matt Harvey - Guitarras, Noise
• Kieran Elliott - Bajo
• Carl Whitbread - Guitarras
• Mathew Kelly - Piano, Sintetizadores, Fender Rhodes
• Alasdair Belling - Batería, Positivity

Producido por We Lost The Sea y Tim Carr

MIKE BLOOMFIELD, AL KOOPER & STEVE STILLS - Super Session - Album

Me topé con el disco "Super Session" casi por casualidad, al igual que la forma en que se grabó. A primera vista, podría parecer otro experimento de blues-rock de finales de los sesenta, pero en pocos minutos te das cuenta de que es algo completamente distinto. Es crudo pero refinado, suelto pero notablemente coherente, y transmite la energía de tres músicos inquietos atrapados entre dos capítulos de sus carreras. Al seguir escuchándolo, no pude evitar imaginar cómo se sentiría estar en ese estudio, sin un gran plan, solo una sala llena de talento y la cinta rodando. Esa sensación de espontaneidad es lo que hace que valga la pena explorar "Super Session" décadas después. Permitirme recomendar aquí, en este blog de música, este extraordinario álbum.

ALBUM: Super Session

Al escucharlo, me impresionó lo natural que resulta. Para ser un álbum nacido de la espontaneidad y la necesidad, transmite un propósito que muchos discos cuidadosamente planificados no logran. Publicado en julio de 1968 por Columbia Records, esta colaboración entre Al Kooper, Mike Bloomfield y Stephen Stills se erige como uno de los grandes accidentes afortunados del rock. Con el tiempo, su influencia no ha hecho más que crecer, a pesar de que comenzó como una sesión de improvisación sin grandes ambiciones.

Talentos inquietos:

Para 1968, estos tres músicos se encontraban entre proyectos, cada uno buscando el siguiente capítulo en sus carreras. Al Kooper acababa de dejar Blood, Sweat & Tears tras crear su álbum debut. Mike Bloomfield estaba a punto de dejar The Electric Flag. Stephen Stills, que aún no formaba parte de Crosby, Stills & Nash, acababa de salir de Buffalo Springfield. Kooper, ahora trabajando como A&R para Columbia Records, aprovechó la oportunidad para traer a Bloomfield al estudio para un experimento de grabación de dos días.

El objetivo de Kooper era simple: reunir a un grupo de músicos talentosos en una sala y dejarlos improvisar, como los músicos de jazz que admiraba. La idea no era crear un disco pop refinado, sino explorar el blues, el rock y más allá de una forma libre y desestructurada. Además de Kooper en teclados y guitarra y Bloomfield en la guitarra principal, la formación incluía a Barry Goldberg en el teclado, Harvey Brooks en el bajo y "Fast" Eddie Hoh en la batería.

Lo que siguió fue una serie de actuaciones inspiradas que trascendieron su modesto presupuesto de 13.000 US$ y su limitada preparación.

Blues en pleno apogeo:

La primera mitad (cara A) de Super Session pertenece a Bloomfield y es una obra maestra de la guitarra eléctrica de blues. El tema inicial, "Albert’s Shuffle", marca el tono con un ritmo relajado, mientras el fraseo fluido de Bloomfield se entrelaza con el órgano Hammond de Kooper. Hay una química orgánica que se siente casi telepática. En "His Holy Modal Majesty", una excursión modal de nueve minutos que rinde homenaje a John Coltrane, Bloomfield se adentra en el territorio del jazz, mientras que el uso experimental de la ondulina por parte de Kooper le da a la pieza una atmósfera psicodélica con tintes orientales.

Otros temas como "Stop" (una canción de Jerry Ragovoy) y "Man’s Temptation" de Curtis Mayfield muestran la versatilidad de Bloomfield, cuya versatilidad blues se expande para dar cabida a texturas más funky y conmovedoras. Estos cortes revelan por qué la revista Rolling Stone lo incluyó posteriormente entre los mejores guitarristas de todos los tiempos. La forma de tocar de Bloomfield es a la vez sofisticada y cruda, un equilibrio inusual que pocos han logrado desde entonces.

Video del tema "Stop":

Pero entonces, de repente, Bloomfield se fue. Acosado por el insomnio y quizás por su propia confusión interna, dejó una nota y regresó a San Francisco, dejando a Kooper con medio álbum y otro día de estudio por delante.

Entra Stephen Stills:

En lo que podría haber sido un desastre, Kooper cambió de rumbo rápidamente. Llamó a todos los guitarristas que conocía en la Costa Oeste, desde Jerry Garcia hasta Randy California, y fue Stephen Stills quien respondió. Stills se encontraba en un momento de transición, y su llegada cambió por completo la atmósfera del proyecto. Donde Bloomfield había aportado el alma del blues de Chicago, Stills aportó una sensibilidad de la Costa Oeste, con toques de folk-rock y psicodelia.

Su versión de "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" de Bob Dylan es brillante y desenfadada, con un aire casi country-rock. Sin embargo, lo más destacado es la extensa versión de "Season of the Witch" de Donovan. Durante once minutos, la guitarra de Stills, impregnada de wah-wah, lleva a la banda a una improvisación hipnótica y vibrante que se siente a la vez urgente y pausada. Es una de esas raras grabaciones donde se percibe a los músicos impulsándose mutuamente, retroalimentándose mutuamente.

Otros momentos destacados de la Cara B incluyen un interludio jazzístico en "Harvey’s Tune", compuesta por el bajista Harvey Brooks, y una versión salvaje y distorsionada de "You Don’t Love Me", donde Stills se desata con una interpretación sorprendentemente feroz. Sus contribuciones le dan a Super Session un nuevo aire, asegurando que el álbum nunca se sienta incompleto a pesar de la marcha de Bloomfield.

Un modelo para la improvisación de rock:

En el momento de su lanzamiento, Super Session alcanzó el puesto número 12 en el Billboard 200 y rápidamente se convirtió en disco de oro. Sin embargo, más importante que su éxito comercial fue la puerta que abrió a los músicos de rock para experimentar. La visión de Kooper de reunir músicos para una improvisación única se acercaba más al jazz que a las rígidas estructuras del rock de la época. Sin quererlo, el álbum presagió el auge de "supergrupos" como Blind Faith y Crosby, Stills & Nash y marcó el camino hacia las improvisaciones extensas de bandas como Grateful Dead y Allman Brothers.

Al escucharlo hoy, sigue siendo notable su frescura. Las interpretaciones son sueltas pero nunca descuidadas, aventureras pero siempre arraigadas al ritmo. E incluso las peculiaridades, como las inusuales texturas de Kooper o Bloomfield sumergiendo su pie en un cuenco de cristal durante la sesión, no hacen más que acrecentar el encanto original del álbum.

Por qué deberías escucharlo:

Super Session no es solo una curiosidad histórica. Es un álbum que invita a la escucha atenta, tanto si te atrae la maestría blues de Bloomfield como las florituras psicodélicas de Stills. Captura un momento en el que los músicos de rock no temían arriesgarse, salir de su zona de confort y dejarse llevar por la música.

Si te encanta descubrir discos que transmiten vida, que te transportan a la sala con los músicos, este es uno para disfrutar. No es frecuente que la música creada de forma tan casual, incluso caótica, suene tan vital décadas después.

Disco recomendado

Para los amantes del blues, el rock y el arte de la improvisación, Super Session sigue siendo una escucha imprescindible. Es una instantánea de tres músicos brillantes que se encuentran en una encrucijada de sus carreras y crean algo más que la suma de sus partes. Escúchalo y déjate sorprender por cómo una "buena idea en su momento" puede seguir resonando tantos años después. ¡Un gran álbum, muy recomendable!

Video del tema "Season of the Witch":

Tracklist (LP original):

Cara A:

1. "Albert's Shuffle" Al Kooper, Mike Bloomfield 6:43
2. "Stop" Jerry Ragovoy, Mort Shuman 4:23
3. "Man's Temptation" Curtis Mayfield 3:25
4. "His Holy Modal Majesty" Kooper, Bloomfield 9:13
5. "Really" Kooper, Bloomfield 5:29

Cara B:

1. "It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry" Bob Dylan 3:30
2. "Season of the Witch" Donovan Leitch 11:07
3. "You Don't Love Me" Willie Cobbs 4:12
4. "Harvey's Tune" Harvey Brooks 2:09

Miembros:

• Al Kooper – voz, piano, órgano Hammond, Ondioline, guitarra eléctrica, guitarra de doce cuerdas
• Mike Bloomfield – guitarra eléctrica en la cara uno, reedición de las pistas 10, 12 y 13
• Stephen Stills – guitarra eléctrica en la cara dos, reedición de la pista 11
• Barry Goldberg – piano eléctrico en "Albert's Shuffle" y "Stop"
• Harvey Brooks – bajo
• Eddie Hoh – batería, percusión

FIG DISH - That’s What Love Songs Often Do - Album

En el extenso tapiz del rock estadounidense de los años 90 (siglo XX), ciertos álbumes se quedaron en el olvido, no por falta de talento o visión, sino porque llegaron justo en el momento equivocado. "That's What Love Songs Sometimes Do", el debut de Fig Dish, de Chicago, es uno de esos discos. Eclipsado por el auge del punk-pop y los rescoldos del grunge, esta joya olvidada nunca tuvo la oportunidad de resonar ampliamente. Sin embargo, al escucharlo hoy, se siente sorprendentemente fresco: una vibrante mezcla de ganchos de power pop, la garra del Medio Oeste y la negativa a seguir ningún patrón. Al mirar atrás, décadas después, es hora de preguntarnos: ¿fue este uno de los grandes álbumes perdidos de la época?

ALBUM: That’s What Love Songs Often Do

En el verano de 1995, mientras la industria musical se afanaba por coronar al próximo Nirvana y bandas de punk-pop como Green Day se infiltraban en los dormitorios de los suburbios, un cuarteto de Chicago lanzó discretamente un álbum debut que debería haber sido su boleto a las grandes ligas. Puede que "That's What Love Songs Sometimes Do" de Fig Dish no haya escalado las listas de éxitos ni dominado la MTV, pero décadas después, se erige como un tesoro olvidado del rock y el power pop estadounidense.

Se negaron apostar a lo seguro:

Fig Dish nació en el fértil caos de la escena rockera de Chicago de mediados de los 90 (siglo XX). A diferencia de la monocultura grunge de Seattle, Chicago ofrecía un caleidoscopio de sonidos: el ruido ingenioso de The Jesus Lizard, el encanto peculiar de Smoking Popes y la ambición de estadio de The Smashing Pumpkins. Fig Dish se forjó un nicho combinando riffs de guitarra agudos y crujientes con un sentido del humor autocrítico que contrastaba marcadamente con sus colegas más melancólicos.

Su nombre, una alusión americanizada al insulto alemán "fick dich", ya insinuaba su vena irreverente. En el escenario, se hicieron conocidos por sus espectáculos desenfrenados, llenos de bromas de borrachos, y sus actuaciones de Halloween, donde los vocalistas invitados aparecían disfrazados de conejito. En una época de seriedad impasible, Fig Dish parecía decidido a recordar a todos que el rock and roll debía ser divertido.

La discográfica se encuentra con la travesura del Medio Oeste:

Cuando "Atlas Records", filial de Polygram, fichó a Fig Dish, las estrellas parecieron alinearse. Contrataron a Lou Giordano como productor. La mezcla recayó en Tom Lord-Alge, el ingeniero de sonido responsable de innumerables éxitos de los 90, mientras que la masterización corrió a cargo de Ted Jensen, cuyo currículum incluía Hotel California. Todo en "That's What Love Songs Sometimes Do" denotaba la ambición de una gran discográfica.

Pero las propias travesuras de la banda insinuaban una historia diferente. Según el guitarrista Rick Ness, cerraron su contrato enviando maquetas con notas falsas de un amigo ficticio llamado Steve. Su primer concierto de A&R se convirtió en un set completo de versiones de Neil Diamond. Esta travesura típica del Medio Oeste definiría su encanto y socavarían su oportunidad de alcanzar la fama duradera.

En la historia del Power Pop:

El álbum abre inesperadamente con "Bury Me", un vals en compás de 3/4 que se atreve a evitar el agresivo estilo post-grunge. Es una decisión audaz para un debut, que señala a una banda que valoraba la composición por encima de las modas. A partir de ahí, el disco se adentra en un territorio más familiar con "Seeds", un sencillo contundente y lleno de ganchos que merecía mucha más difusión en la radio de la que recibió.

Otros temas destacados incluyen "Rollover Please", donde guitarras distorsionadas rozan una energía casi punk, y "Quiet Storm King", un elegante dueto con Nina Gordon de Veruca Salt que insinuó la sensibilidad pop de la banda. "Chew Toy" oscila entre el fuzz stoner rock y melodías densas, mientras que "Teeming With Anger" canaliza la habilidad de Paul Westerberg para la angustia antémica.

La crítica tomó nota: algunos calificaron el álbum de "un golpe tacaño de guitarras vibrantes y aullantes" y otros elogiaron su encarnación del sonido rock moderno de Chicago. Sin embargo, a pesar de esta aclamación y de la difusión de "Seeds" en MTV, el éxito comercial se les escapó. Como admitió más tarde el líder Blake Smith: "Simplemente no se nos daba bien jugar, y bebíamos mucho en aquella época".

Pasando desapercibidos:

El timing jugó una mala pasada a Fig Dish. Lanzado durante la crisis de identidad de la radio rock, "That's What Love Songs Sometimes Do" abarcó varios géneros en un momento en que la industria demandaba sonidos fácilmente comercializables. Dookie de Green Day y Smash de The Offspring demostraron que el punk-pop podía vender millones, mientras que bandas post-grunge como Bush impulsaban una versión radiofónica del rugido melancólico del grunge. Los sutiles ganchos y las curvas rítmicas de Fig Dish eran más difíciles de promocionar.

Con solo 16.000 ventas combinadas entre sus dos primeros álbumes, la banda fue abandonada antes de poder lanzar un tercer LP completamente grabado. Los miembros se dispersaron en otros proyectos: Smith y el bajista Mike Willison tuvieron un éxito moderado con Caviar, y Ness posteriormente formó Ness antes de dejar la música por la academia. El baterista Andy Hamilton, afectado por un accidente de furgoneta casi fatal durante una gira, renunció y se fue a la facultad de derecho.

Un disco que premia el descubrimiento:

Al revisitar "That’s What Love Songs Sometimes Do" hoy, su perdurable atractivo es impactante. La producción es cálida pero contundente, la interacción de guitarras es intrincada sin resultar recargada. Las canciones, en lugar de golpearte la cabeza, revelan su encanto gradualmente. Hay una riqueza aquí que recompensa la escucha repetida, una cualidad demasiado rara en el panorama del rock de mediados de los 90, dominado por los sencillos.

Es tentador imaginar una línea temporal alternativa donde Fig Dish se convirtió en el próximo gran éxito, donde "Seeds" sonaba a todo volumen en los estéreos de todos los coches y "Quiet Storm King" ponía música a los bailes lentos de graduación. En cambio, siguen siendo un clásico de culto, una banda que siguió sus propias reglas y pagó el precio.

Escúchalo ahora:

Si te encanta el toque agridulce de The Replacements, la crudeza melódica de Husker Du o el encanto irónico de Big Star, Fig Dish te hará sentir como un amigo perdido. "That’s What Love Songs Sometimes Do" captura un momento fugaz en la historia del rock estadounidense cuando todo parecía posible, incluso un vals que se colaba en el debut de una importante discográfica.

Para quienes buscan descubrir joyas ocultas de la era alternativa, este álbum es imprescindible. No es solo una cápsula del tiempo; es un recordatorio de que parte de la mejor música se creó en los márgenes, por bandas que no estaban dispuestas a sacrificar su alma por un lugar en las listas de éxitos.

Disco recomendado

Escucha "That’s What Love Songs Sometimes Do" de principio a fin, idealmente con auriculares y una hora tranquila. Deja que las melodías te penetren y quizá te preguntes cómo se te escapó.

Video del tema "Quiet Storm King":

Tracklist:

1. "Bury Me"  
2. "Weak and Mean"  
3. "Seeds"  
4. "Chew Toy"  
5. "Nimble"  
6. "Wrong Nothing"  
7. "Quiet Storm King"  
8. "Going Gone"  
9. "Lemonader"  
10. "Rollover, Please"  
11. "It's Your Ceiling"  
12. "Resistance Is Futile"  
13. "First History"

TRAVIS - The Man Who - Album (Revisited)

Ha pasado tiempo desde la última vez que escuché "The Man Who" de la banda Travis. El álbum ha permanecido en silencio en mi colección, medio olvidado. Recientemente decidí volver a escucharlo, con curiosidad por saber si esas canciones seguían teniendo el mismo peso que en 1999. Lo que me sorprendió no fue solo lo bien que se mantuvo, sino cómo su suave melancolía y su discreta belleza se sentían aún más relevantes hoy. Al escucharlo de nuevo, me di cuenta de que este no era solo un momento histórico para la música británica, sino un disco que te invita a volver una y otra vez. Permita que escriba una vez más una post recomendando este disco.

ALBUM: The Man Who

En la primavera de 1999, algo inesperado sucedió en la música británica. Un modesto cuarteto escocés llamados TRAVIS público su segundo álbum, "The Man Who", y a pesar de una recepción inicial dubitativa, se convirtió en uno de los discos más discretamente influyentes de su época. Lo escuché de nuevo hace poco y me impresionó la persistencia de su belleza. Si buscas música con resonancia emocional y una fuerza discreta, este álbum podría ser tu próximo descubrimiento.

La banda Travis había surgido en 1997 con Good Feeling, una colección de animadas canciones de indie rock producidas con una eficiencia impecable por Steve Lillywhite. Pero dos años después, dieron un giro. Para su siguiente trabajo, se unieron a Nigel Godrich, el productor de OK Computer de Radiohead, y comenzaron a crear algo mucho más delicado. El cambio fue tan profundo que, cuando su sello escuchó el resultado, les preocupó que el álbum fuera demasiado deprimente y pidieron canciones más "alegres". La banda, en cierto modo, cumplió con su promesa con "Driftwood", un sencillo pegadizo pero nada optimista.

El resultado fue un disco impregnado de melancolía y espacio. Parecía desfasado, llegando al final del declive del britpop. Sin embargo, su moderación y sinceridad se convirtieron en su punto fuerte. Durante el año siguiente, fue ganando popularidad, sobre todo después de que Travis interpretara "Why Does It Always Rain on Me?" en Glastonbury. Como por arte de magia, empezó a llover durante la presentación, un momento que parecía predestinado, y a partir de entonces la suerte del álbum cambió.

Canciones que susurran y se elevan:

Los primeros versos marcan el tono a la perfección. "Every day I wake up and it's Sunday", canta Fran Healy en "Writing to Reach You", una canción que combina guitarras vibrantes con un toque de nostalgia. Es un verso que da la sensación de sumergirse en una tarde de ocio, y esa atmósfera pausada impregna gran parte del disco. Estas no son canciones que griten; Calman, duelen y perduran.

La maravillosa "Driftwood" es quizás el momento culminante del álbum. Construida con una guitarra acústica y cuerdas sutiles, posee una grandeza serena. La voz de Healy, tierna pero imponente, sumerge al oyente en su atmósfera reflexiva. Igualmente inolvidable es "Why Does It Always Rain on Me?", una canción con uno de los estribillos más irresistibles de los noventa. Es fácil entender por qué se convirtió en el tema insignia de Travis; hay una tristeza y una dulzura universales en su simplicidad.

Por otra parte, "The Fear" se adentra en un territorio más oscuro y elusivo, mientras que "Turn" cobra vida con un estribillo vibrante que se siente como un bálsamo para un corazón apesadumbrado. Incluso los detalles ocultos, como el viento, los sonidos de "Slide Show" o la armónica inesperada de "Luv", revelan la sutil maestría de la banda. El corte oculto "Blue Flashing Light" proporciona una sacudida de energía cruda, destacándose del resto pero sirviendo como recordatorio de la versatilidad de Travis.

El lugar del álbum en la historia:

Cuando se editó "The Man Who", la crítica estaba dividida. Algunos críticos tacharon su tono apagado de poco audaz; otros simplemente lo malinterpretaron. Pero el público opinó de otra manera. El álbum se mantuvo nueve semanas en el número uno en el Reino Unido, vendiendo más de 3,5 millones de copias en todo el mundo. Su éxito marcó el comienzo de una ola de bandas británicas más introspectivas, como Coldplay, Keane, Elbow y Starsailor, que siguieron su estilo de emoción serena y grandeza sutil.

En retrospectiva, "The Man Who" marcó un cambio desde la impetuosidad del britpop hacia algo más suave. No necesitaba ser innovador para ser importante. Su fuerza reside en su capacidad de conectar, de ofrecer consuelo sin pretensiones. Como dijo un compositor, escribir una canción que amen a seis personas es fácil, pero escribir una que conecte con seis millones es algo completamente distinto.

Escuchándolo de nuevo:

Al revisitar "The Man Who", me impresionó su atemporalidad. Son canciones que te transportan a la vida. La producción de Godrich se siente fresca y espaciosa, con arreglos depurados. Es un álbum que merece la atención, pero que funciona igual de bien en un segundo plano. La voz de Fran Healy, menos angustiada que la de Thom Yorke, es más accesible que la de muchos de sus contemporáneos y se mantiene como el núcleo emocional.

Algunos temas se sienten más ligeros al escucharlos repetidamente. "She's So Strange" (una de mis favoritas) evoca al Travis más juguetón de su debut y contrasta ligeramente con el ambiente que los rodea. Sin embargo, incluso sus imperfecciones aportan textura a un álbum definido por la sobriedad.

Disco recomendado

Si buscas música que abrace la vulnerabilidad, "The Man Who" merece tu tiempo. No es un disco diseñado para impresionar con su magia técnica o ingenio. En cambio, habla con claridad y franqueza, como un amigo que te confía en las horas de tranquilidad. En una época de ruido constante, eso no es poca cosa.

Tanto si descubres a Travis por primera vez como si regresas tras años de ausencia, aquí encontrarás una riqueza que sigue siendo gratificante. Para mí, "The Man Who" sigue siendo un recordatorio de cómo la música puede ser poderosa sin ser estridente, y de cómo, a veces, las voces más suaves dejan las huellas más profundas. Lo recomiendo.

Video del tema "She's so strange":

Tracklist (edición original):

1. "Writing to Reach You" 3:41
2. "The Fear" 4:12
3. "As You Are" 4:14
4. "Driftwood" 3:33
5. "The Last Laugh of the Laughter" 4:20
6. "Turn" 4:24
7. "Why Does It Always Rain on Me?" 4:25
8. "Luv" 4:55
9. "She's So Strange" 3:15
10. "Slide Show" ("Slide Show" ends at 3:34, hidden track "Blue Flashing Light" comienza en 6:48) 10:30

Travis (Banda):

• Fran Healy – voz, guitarra, piano, armónica
• Dougie Payne – bajo, coros
• Andy Dunlop – guitarra
• Neil Primrose – batería, percusión

Personal adicional:

• Nigel Godrich – mezcla y producción
• Sally Herbert – arreglos de cuerda (pistas 2 y 10)
• Mike Hedges – producción (pistas 6, 7 y 9)
• Ian Grimble – coproducción (pistas 6, 7 y 9)
• Sarah Willson – violonchelo (pista 7)

EELS - Beautiful Freak - Album (Revisited)

Este álbum capta el amplio espectro de las emociones humanas. "Beautiful Freak" de Eels, liderado por Mark Oliver Everett y sus compañeros, es mucho más que una colección de canciones. Es una exploración de las realidades crudas y a menudo caóticas de la vida, envuelta en melodías inolvidables que te acompañan mucho después de terminar la música. Con una mezcla de melancolía, humor y profunda introspección, "Beautiful Freak" sigue resonando, ofreciendo una experiencia auditiva única que logra sentirse a la vez personal y universal. Sumerjamonos juntos en esta obra atemporal de la historia del rock alternativo y veamos qué la hace tan especial.

ALBUM: Beautiful Freak

Cuando escuché por primera vez "Beautiful Freak", no tenía ni idea de que estaba a punto de embarcarme en uno de los viajes más cautivadores y agridulces grabados. Publicado el 13 de agosto de 1996, "Beautiful Freak" marcó el debut de Eels, el proyecto liderado por Mark Oliver Everett, conocido simplemente como "E". Lo que a primera vista parece un peculiar disco de rock alternativo se revela poco a poco como un diario profundamente personal, que examina sin tapujos el amor, la pérdida y la alienación, a la vez que ofrece momentos de humor pícaro y una frágil esperanza.

La creación de Beautiful Freak:

La historia del álbum es tan compleja como su sonido. Everett ya había publicado dos álbumes en solitario bajo el nombre de "E" a principios de los 90 (siglo XX), pero con "Beautiful Freak", formó oficialmente Eels, junto con el bajista Tommy Walter y el baterista Jonathan "Butch" Norton. La banda firmó con DreamWorks Records y trabajó con varios productores, entre ellos Jon Brion, Mark Goldenberg y Michael Simpson, entre 1993 y 1995. El resultado de esas sesiones fue una colección de doce canciones de una estructura engañosamente simple, pero con una textura emotiva y rica.

"Beautiful Freak" fue diseñado, en parte, para colocar los álbumes de Eels en orden alfabético, cerca de los discos en solitario de Everett en las tiendas de discos. Esa atención al detalle, incluso en algo tan mundano como la organización de la tienda, insinúa la perspectiva meticulosa y a menudo irónica de Everett, presente en todo el álbum.

Las canciones perduran en la memoria:

El tema inicial, "Novocaine for the Soul", marca la pauta inmediatamente. Con su ritmo hipnótico, su melodía cautivadora y el inolvidable estribillo: "La vida es dura, y yo también", no es de extrañar que se convirtiera en el gran éxito de Eels. Al escucharlo de nuevo, sorprende lo contemporáneo que sigue sonando, con su mezcla de guitarras grunge y atmósferas oníricas.

Luego llega "Susan's House", un fascinante contraste que combina versos hablados con un conmovedor sample de piano de Gladys Knight & the Pips. Everett narra un desolador paseo por un paisaje urbano, observando la violencia, la pobreza y la desesperación, todo ello sobre un ritmo sorprendentemente alegre. Esta mezcla de melancolía y alegría es uno de los rasgos que definen el álbum.

El tema principal, "Beautiful Freak", se siente como el centro emocional del disco. Su melodía de piano infantil y sus suaves arreglos de cuerdas te arrullan en una sensación de calma, incluso mientras Mark Oliver Everett canta sobre la marginación y la añoranza: "Too good for this world, but I hope you will stay" (Demasiado bueno para este mundo, pero espero que te quedes). Es en momentos como este donde la delicada empatía y vulnerabilidad de Everett brillan con más fuerza.

Altibajos emocionales:

Uno de los aspectos más cautivadores de "Beautiful Freak" es su alcance. "My Beloved Monster" es breve, pero impactante, con su contagioso riff de guitarra y su tono juguetón; una canción tan memorable que posteriormente se incluyó en la banda sonora de la película "Shrek". En contraste, "Not Ready Yet" se extiende durante casi cinco minutos, con capas de sobre-grabaciones de guitarra y capturando el lento proceso de recuperación emocional.

La serena fuerza de "Flower" es innegable. Con un riff de mandolina y un sample de Al Green (creo), se desarrolla como una reflexión breve pero devastadora sobre el duelo, supuestamente inspirada en la hermana de Everett, quien falleció. La letra "Everyone is trying to bum me out" (Todos intentan desanimarme) logra ser irónica y desgarradora a la vez.

Incluso la canción que cierra el álbum, "Manchild", deja una huella imborrable. Es una balada tierna, casi una canción de cuna, donde la emoción cruda de Everett se desborda, buscando simplemente consuelo y conexión. Pocos álbumes logran terminar con una nota tan íntima y humana.

Beautiful Freak sigue siendo importante:

Décadas después, "Beautiful Freak" sigue resonando. No es solo un artefacto de la escena del rock alternativo de los 90; es una pequeña obra de arte. El álbum captura una crudeza emocional y una honestidad poco común, incluso entre los cantautores más célebres. Las letras de Everett son directas y poéticas, y su habilidad para combinar el humor con la angustia evita que el álbum caiga en la autocompasión.

La producción también es una maravilla. Cada canción se siente cuidadosamente construida, pero nunca sobreproducida. Ya sea el delicado piano de "Spunky", la línea de bajo funky de "Guest List" o el sutil coro de "Flower", hay pequeños detalles sonoros que recompensan las repetidas escuchas.

Disco recomendado

Volver a escuchar "Beautiful Freak" es como leer el diario de otra persona y darte cuenta de que compartes muchos de tus miedos, esperanzas y dudas. Es un álbum que te invita a sumergirte en el mundo con melodías pegadizas y te mantiene enganchado con su profundidad emocional.

Si eres nuevo en Eels o buscas música que equilibre la introspección con momentos de humor pícaro y sarcástico, te recomendamos escuchar "Beautiful Freak". Es tan relevante y poderoso hoy como lo fue en 1996. Escúchalo, deja que la voz de Everett llene la habitación y déjate llevar por su extraño y hermoso mundo.

Video del tema "Novocaine for the Soul":

Tracklist:

1."Novocaine for the Soul"  – 3:08
2."Susan's House"  – 3:43
3."Rags to Rags"  – 3:53
4."Beautiful Freak"  – 3:34
5."Not Ready Yet"  – 4:46
6."My Beloved Monster"  – 2:13
7."Flower"  – 3:38
8."Guest List"  – 3:13
9."Mental"  – 4:01
10."Spunky"  – 3:11
11."Your Lucky Day in Hell"  – 4:28
12."Manchild"  – 4:05

Eels

• E – Voz, guitarra, piano eléctrico Wurlitzer, producción, ingeniería de sonido
• Butch – Batería, coros, producción, ingeniería de sonido
• Tommy Walter – Bajo, coros

Músicos adicionales:

• Jon Brion – Guitarra, trombón, Chamberlin
• Mark Goldenberg – Guitarra, teclados, producción, ingeniería de sonido
• Jim Jacobsen – Teclados, loops, ingeniería

Técnico:

Michael Simpson – Producción, mezcla
Jon Brion – Producción, ingeniería de sonido

SPIRITUALIZED - Lazer Guided Melodies - Album (Revisited)

Algunos discos parecen un destino. No solo los escuchas, sino que llegas a un lugar completamente distinto. La habitación se silencia, la luz cambia y, por un instante, el ruido habitual del día se desvanece. "Lazer Guided Melodies", el primer álbum de la banda Spiritualized, es una de esas raras obras que convierte la escucha en algo cercano a la levitación. No presiona ni suplica por tu atención; simplemente comienza y espera a que sintonices. Lo que sigue no es solo una colección de canciones, sino un mundo construido con reverencia, repetición y moderación. Esta no es música diseñada para deslumbrar. Es música hecha para perdurar. Permitirme recomendarte este maravilloso álbum.

ALBUM: Lazer Guided Melodies

Algunos discos reclaman tu atención, mientras que otros simplemente te esperan. "Lazer Guided Melodies" pertenece a este último grupo. El álbum debut de Spiritualized, lanzado en 1992, no te atrapa. No lo necesita. Sabe que una vez que te rindes a su suave atracción, no querrás irte.

Descubrí este álbum casi por casualidad, o quizás por necesidad. El ruido del mundo era ensordecedor y buscaba una vía de escape tranquila, algo inmersivo pero no exigente. El nombre por sí solo me sonaba como un salvavidas. Al darle al play, la sensación fue inconfundible: no había descubierto "Lazer Guided Melodies". Ella me había descubierto a mí.

Los orígenes:

Formado tras la implosión de Spacemen 3, Spiritualized comenzó como el intento de Jason Pierce de ir más allá de la desgastada psicodelia de su antigua banda. Con Mark Refoy a la guitarra, Will Carruthers al bajo, Jonny Mattock a la batería y Kate Radley a los teclados, la formación original de Spiritualized armó un debut que no sonaba a un comienzo. Grabado entre 1990 y 1991, y mezclado por el propio Pierce a principios de 1992, el álbum da la sensación de haber nacido ya plenamente formado, atemporal y atemporal.

Se publicó en marzo de 1992 a través de Dedicated Records, originalmente en vinilo doble de 45 rpm con las canciones secuenciadas en cuatro suites con códigos de color: rojo, verde, azul y negro. Cada cara fluye a la perfección, fundiéndose y fundiéndose con la siguiente como acuarela sobre vidrio. La música, la estructura, incluso el formato, parecen diseñados para la inmersión. No se escucha este álbum, sino que se entra en él.

Celestial y con los pies en la tierra:

Estilísticamente, "Lazer Guided Melodies" puede llamarse space rock, dream pop, shoegaze o gospel ambiental. Pero ninguna de estas etiquetas hace justicia al sentimiento que evoca. Pierce se inspira en las tradiciones del blues y el gospel; "Shine a Light" podría pasar por un himno confesional y las fusiona con el zumbido monótono del minimalismo y los ritmos motorik. Sin embargo, nada aquí es pesado. Todo flota.

Lo que me impresionó de inmediato fue la atención que Jason Pierce presta a la moderación. Donde otros oscilan entre lo ruidoso y lo silencioso, él fusiona los extremos. Tomemos como ejemplo el ya mencionado tema "Shine a Light": comienza con un susurro, "Cuando estoy cansado y solo, Señor, ilumíname", y luego, sin previo aviso, se despliega en un remolino de distorsión. Pero no es discordante. Los dos momentos coexisten, no en contraste, sino en comunión.

Video del tema "Shine a Light":

De forma similar, "If I Were With Her Now" te arrulla con la repetición, para luego expandirse suavemente hasta convertirse en algo casi orquestal: instrumentos de viento, líneas de guitarra superpuestas, olas de sonido que entran y salen como mareas. La letra es tan simple como conmovedora: "Me diste drogas que dijiste que curarían mis males / Puede que curen los tuyos, pero los míos todavía están conmigo". No hay melodrama en la voz de Pierce. Solo una aceptación cansada.

Movimiento y quietud:

Con los años, he llegado a pensar en "Lazer Guided Melodies" como un álbum sobre el impulso. No solo el movimiento literal que implican canciones como "Run", que toma prestadas descaradamente de J.J. Cale y The Velvet Underground, sino el impulso interior: el deseo de seguir adelante, de huir, de trascender.

En "I Want You", uno de los pocos momentos optimistas del álbum, Pierce suena casi eufórico. "Voy a conducir hasta la colina más cercana / Voy a tomar el control / Voy a liberar mi voluntad". La canción captura la emoción de una decisión tomada desafiando la inercia. Y, sin embargo, incluso este número conserva una sensación de reverencia, como una oración con tambores motorik.

Los pasajes más ambientales del disco, "Symphony Space", "Step Into the Breeze", "Angel Sigh", no te impulsan tanto como te suspenden. Su belleza reside en lo poco que exigen al oyente. Se sienten como sueños olvidados o fragmentos de la banda sonora de una película grabada en la habitación contigua. No son interludios, sino destinos en sí mismos.

Creado con devoción, vivido a través del tiempo:

Jason Pierce gastó tan solo £3,800 en la creación de "Lazer Guided Melodies". Lo que le faltó en presupuesto, lo compenso con creces con su visión. Cada elemento , cuerdas, saxofones, arpas, guitarras con trémolo, las delicadas texturas del teclado de Radley, se siente meticulosamente colocado, sin ser recargado. La producción es exuberante sin ser ostentosa, experimental sin ser fría en ningún momento.

Las letras rara vez buscan la complejidad, y ese es su punto fuerte. "You Know It's True" comienza con la frase: "Sabes que he estado aquí antes / Y ya no me gusta". No hay poesía que descifrar, solo honestidad. De la misma manera, la estructura del álbum invita a la contemplación, no al análisis. Está hecho para esos momentos en que el pensamiento se desvanece en sentimiento.

Para 1995, había vendido unas modestas 10.000 copias en Estados Unidos. Que no fuera un éxito comercial dice menos de su calidad y más de lo adelantado que estaba a su tiempo. Hoy, se lee como un modelo de gran parte de lo que vino después, desde el post-rock hasta el pop ambiental, desde Primal Scream hasta Sigur Rós.

Un debut atemporal:

Al escucharlo ahora, décadas después de su lanzamiento, me sorprende lo moderno que sigue sonando. No por ningún truco de producción de moda ni por un revivalismo retro, sino porque parece completamente despreocupado del momento en el que nació. "Lazer Guided Melodies" no pasa de moda, porque nunca se dejó llevar por las modas.

En todo caso, el álbum cobra relevancia cuanto más caótico se vuelve el mundo. Hay algo profundamente humano en su negativa a la prisa, en su creencia de que la quietud y la suavidad pueden tener tanto peso como el volumen o la velocidad. En una época en la que tanta música parece diseñada para provocar o distraer, este álbum ofrece algo más valiente: espacio para sentir.

Disco recomendado

Si nunca has escuchado "Lazer Guided Melodies", considera esta tu invitación. No necesitas estar familiarizado con Spacemen 3, ni ser un apasionado del ambient o el shoegaze. Solo necesitas tiempo y una mente abierta.

Este no es un disco que se explique por sí solo a la primera escucha. Pero considéralo. Déjalo pasar. Vuelve mañana, o la semana que viene, o el año que viene. Seguirá ahí, esperando, resplandeciente, eterno. Es un álbum maravilloso.

Video del tema "Sway":

Tracklist:

1. "You Know It's True" 3:39
2. "If I Were with Her Now" 5:44
3. "I Want You" 3:47
4. "Run" 3:51
5. "Smiles" 2:14
6. "Step into the Breeze" 2:43
7. "Symphony Space" 5:54
8. "Take Your Time" 6:52
9. "Shine a Light" 7:15
10. "Angel Sigh" 5:46
11. "Sway" 6:53
12. "200 Bars" 6:15

Spiritualized (Banda)

• Jason Pierce – guitarra (Fender Telecaster, Eko Rocket, guitarra acústica), dulcémele, autoarpa, piano, voz 
• Kate Radley – teclados (Vox Continental, Farfisa, piano), voz
• Mark Refoy – guitarra (Gretsch Country Gent, Epiphone Casino, Fender Telecaster), guitarra acústica
• Will Carruthers – bajo (Gibson Thunderbird)
• Jonny Mattock – batería, percusión, dulcémele

Músicos adicionales

• Simon Clarke – flauta
• Roddy Lorimer – trompeta
• Will Gregory – saxofón
• Colin Humphries – violonchelo
• Martin Robinson – violonchelo
• Owen John – violín

Técnico:

Jason Pierce – producción, mezcla