VIVA BELGRADO - Cancionero de los Cielos - Album

El producto nacional nunca me ha captado demasiado la atención. Si, lo sigo y hay bandas y músicos excepcionales, pero no es algo que me "explota la cabeza". Dicho esto, hay algunos que me "flipan", pocos pero los hay. Uno de ellos es la banda de Córdoba, Viva Belgrado, un grupo explosivo de hardcore rock que pienso son de altísimo nivel, aquí y en cualquier sitio.

Este año han editado "Cancionero de los Cielos" y me han vuelto a encandilar, esta vez por la parte más íntimo de su música. Quiero dar sitio a dicho trabajo en este blog de música y recomendarlo a los lectores.

ALBUM: Cancionero de los Cielos

 
La banda española "Viva Belgrado" vuelve a escena con su cuarto álbum, Cancionero de los Cielos", publicado el 19 de enero de 2024 y hay algo innegable: este disco marca un punto de inflexión en su trayectoria. Desde que comenzaron en 2011, han sabido moverse en el underground español, construyendo un sonido propio y una honestidad que los diferencia. Ahora, con este nuevo trabajo, demuestran que están en un momento único de madurez musical y creativa.

VIVA BELGRADO - Cancionero de los Cielos - Album (2024)

Te invita a explorar

 
El título, "Cancionero de los Cielos", ya es en sí una declaración de intenciones. Nos lleva hacia algo etéreo, cargado de metáforas y símbolos, donde cada canción parece guiarnos en un viaje introspectivo. Las letras de Cándido Gálvez, voz y guitarra de la banda, parecen salidas de un diario: una búsqueda de redención y de respuestas en un mundo caótico. Este álbum no es solo una lista de temas, sino un verdadero mapa emocional que Viva Belgrado despliega con cada uno de sus integrantes: Álvaro Mérida a la batería, Ángel Madueño al bajo, y la colaboración magnífica de Santi García en la producción.

Con "Vernissage", la primera canción, Viva Belgrado pone las cartas sobre la mesa. Aquí no hay rodeos; el grupo lanza una crítica directa a la industria musical y al mismo tiempo hace una autocrítica generacional. Con la frase “¿Quién quiere salvar el rock si puede estar de fiesta?”, reflejan una mirada desilusionada hacia la banalización del arte y nos hacen partícipes de su desencanto, pero sin perder la fuerza que siempre los ha caracterizado.

Este disco es, además y sin duda, una aventura musical donde la banda se atreve a romper sus propias barreras. Aquí encontrarás de todo: desde el shoegaze hasta el hip hop. La colaboración con el rapero Erik Urano en "Jupiter and Beyond the Infinite" es un ejemplo de esta expansión sonora. Con sintetizadores que evocan un paisaje espacial, esta canción muestra cómo Viva Belgrado ha aprendido a moverse entre géneros, manteniendo su esencia y explorando territorios nuevos.

Por otro lado, temas como "Elena Observando la Osa Mayor" ofrecen un respiro, una pausa introspectiva sin guitarras, donde el espacio y el simbolismo llenan el vacío con una suavidad poco habitual en el grupo. Aquí, el lado más melódico de la banda se abre paso, mostrándonos una faceta vulnerable y llena de detalles que invita a la reflexión.

 

La autenticidad como bandera

 
A lo largo de su carrera, Viva Belgrado ha mantenido su identidad intacta, resistiendo a las etiquetas y manteniéndose fiel a su propio lenguaje. En "Cancionero de los Cielos", la banda se adentra aún más en sus contradicciones y sombras. La canción "Gemini", por ejemplo, es una confesión desgarradora y, al mismo tiempo, una afirmación de identidad. En "Nana de la luna Pena", la voz de Sara Zozaya se suma para añadir un toque de ternura que contrasta con la crudeza de otros cortes. Este número tiene algo de canción de cuna, de refugio en la tormenta. Es un recordatorio de que siempre hay algo de belleza, incluso en los momentos más oscuros, y Viva Belgrado sabe plasmarlo de una manera honesta y sin artificios.

 

Letras con peso literario

 
Las letras de "Cancionero de los Cielos" son mucho más que palabras puestas al azar. Aquí encontramos referencias literarias y artísticas que enriquecen el disco y nos hablan de temas profundos como la soledad, el deseo o incluso la muerte. En temas como "Chéjov y las gaviotas" y "Saturno devorando a su Hijo", la banda utiliza figuras literarias y artísticas como una forma de explorar sus propias emociones, creando un diálogo entre su música y el legado cultural que les inspira.

Cada canción está construida con un cuidado minucioso, y eso se nota en la manera en que Viva Belgrado ha logrado unificar cada palabra y cada sonido. En "Ranchera de la Mina", por ejemplo, la banda juega con su propio proceso creativo, abordando temas como la presión y la fragilidad de hacer arte en un mundo que, muchas veces, parece no entender el esfuerzo y la pasión detrás de cada nota.

VIVA BELGRADO - banda española

Otro elemento a destacar es la producción Es, sin duda, uno de los aspectos más llamativos del álbum. Grabado en La Mina, Sevilla, bajo la batuta de Raúl Pérez y Santi García, el disco logra un equilibrio entre todos sus elementos. Aquí, cada instrumento brilla en su momento, y la claridad de la producción permite apreciar cada detalle, cada matiz. Es como si cada canción estuviera diseñada para hacer sentir al oyente en medio de la experiencia, casi como si pudiera tocar los sonidos que surgen de cada tema.

Las ya mencionadas colaboraciones con Erik Urano y Sara Zozaya no son meros adornos; son elementos que añaden profundidad a la narrativa del álbum. Erik Urano aporta una intensidad lírica, mientras que la voz de Sara añade una delicadeza que contrasta maravillosamente con la intensidad de otros temas, logrando así una dinámica envolvente.

Una invitación a perderse y encontrarse

 
"Cancionero de los Cielos" no es solo un disco; es una invitación a embarcarse en un viaje interno. Es una obra que refleja la valentía y autenticidad de Viva Belgrado, un grupo que se atreve a moverse entre géneros y explorar nuevos territorios sin perder su identidad.

Para quienes buscan algo más que música para el fondo, este disco es una experiencia que vale la pena. Con "Cancionero de los Cielos", Viva Belgrado nos recuerda que la música sigue siendo un espacio donde conectar con uno mismo y con los demás. Es una invitación a mirar hacia arriba, hacia los cielos, y al mismo tiempo a mirar hacia adentro, hacia aquello que nos define.

Disco recomendado

 
Para los amantes de la música que buscan algo más que simple entretenimiento, este disco es una experiencia. Viva Belgrado ha creado una obra que, sin duda, resonará en aquellos que buscan autenticidad. A través de sus letras sinceras y su sonido expansivo, Viva Belgrado nos recuerda que, en un mundo cada vez más desconectado, la música sigue siendo un espacio de conexión y de exploración.

En mi caso, para ser producto nacional, es realmente excepcional.

Video del tema "Gemini":

Tracklist:

1. Vernissage (3:43)
2. Chéjov y las gaviotas (2:30)
3. Nana de la luna pena (3:42)
4. Ranchera de la mina (2:05)
5. El Cristo de los Faroles (3:52)
6. Gemini (2:24)
7. Elena observando la Osa Mayor (3:38)
8. Un tragaluz II (1:16)
9. Jupiter and Beyond the Infinite (3:55)
10. Saturno devorando a su hijo (3:25)
11. Perfect Blue (4:00)
12. Un tragaluz (3:19)

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Elliott Smith fue un músico y cantautor estadounidense. El instrumento principal de Smith era la guitarra, aunque también tocaba el piano, el clarinete, el bajo, la batería y la armónica. Tuvo un estilo vocal distintivo en su carrera como solista. También era adicto al alcohol y substancias con trastorno por déficit de atención con hiperactividad (TDAH) y depresión. Su lucha contra las drogas y las enfermedades mentales afectó su vida y su trabajo, e influyó en sus letras. Murió en su casa de Los Ángeles a causa de dos puñaladas en el pecho a los 34 años en 2003.

Un músico brillante con una vida difícil, nos dejó una música maravillosa. Una de esas piezas que quiero recomendar es su disco homónimo.

ALBUM: Elliott Smith

 
Este es el segundo álbum de estudio del cantautor estadounidense del mismo nombre. Fue grabado entre finales de 1994 y principios de 1995 y se publicó el 21 de julio de 1995.

ELLIOTT SMITH - Elliott Smith - Album

Este LP no es un disco más, es un diario privado. Este no es un álbum que simplemente escuchas; es uno que puedes sentir. Smith abre un espacio crudo, íntimo y profundamente personal, ofreciendo a los oyentes una visión de una mente que lucha con las fuerzas más oscuras de la vida. Para cualquiera que busque honestidad en la música, este disco es una invitación.

Desde el principio, la simplicidad del álbum es obvia. Elliott Smith elige un enfoque minimalista y de baja fidelidad (lo-fi), solo su voz y una guitarra suavemente rasgueada en su mayor parte, aunque cada nota tiene un peso. No hay una producción pesada, no hay capas de sonido detrás de las cuales esconderse. Deja que su voz y sus letras respiren, dejando que cada palabra tranquila y rasgueo lleguen directamente al oyente. Los pequeños detalles, como la armónica solitaria en "Alphabet Town", por ejemplo, dan la sensación de que está susurrando secretos.

En cuanto a las letras, Smith no tiene filtros. No tiene miedo de ahondar en los temas difíciles: la adicción, la duda y la pesadez de simplemente existir. La canción de apertura "Needle in the Hay" y "Coming Up Roses" lo dejan todo al descubierto, trazando un camino a través de las luchas de Elliott Smith de una manera que se siente tan personal como universal. Sus letras están entretejidas con detalles crípticos, dejando partes de sí mismo atrás para cualquiera que esté dispuesto a profundizar un poco más. No estás simplemente escuchando; estás resolviendo un rompecabezas, juntando las piezas de su historia, descubriendo nuevas capas de significado con cada escucha.

Dicho esto, la magia de este disco radica en cómo Elliott Smith equilibra sus letras crudas con una entrega suave. Su voz es frágil pero firme, como si estuviera cargando un gran peso pero se negara a dejar que lo derribe.

Sin embargo, a pesar de toda la melancolía de este LP, la música tiene una belleza delicada. Canciones como "Clementine" tienen una cualidad similar a la de un aullido, envolviendo la tristeza en suavidad. De alguna manera, Smith logra convertir su dolor en un cálido abrazo, ofreciendo consuelo a través de la experiencia compartida. Incluso cuando está en su peor momento, hay un toque de calidez en su voz.

ELLIOTT SMITH - Músico

Y si bien la obra explora la soledad y la lucha, no todo es pesimismo. En "St. Ides Heaven", por ejemplo, Smith deja que el humor brille, pintando escenas de vagabundeos nocturnos con una curiosidad casi resignada. Sus observaciones son agudas, capturando los absurdos de la vida y recordándonos que no está completamente perdido en la oscuridad. La canción final, "The Biggest Lie", nos deja con esa misma sensación de dualidad, una canción que es a la vez honesta y esperanzadora. Es como la última confesión susurrada de Smith, dejándonos un eco de sus luchas pero también de su fuerza.

Por último, este álbum no trata de perfección; trata de conexión. Es crudo, a veces doloroso, y sin embargo es reconfortante, como escuchar a otra persona poner palabras a sentimientos que creías que eran tuyos. Para cualquiera que quiera música que llegue a lo profundo, "Elliott Smith" ofrece algo único. Es un disco que crece contigo con cada escucha, al que vuelves una y otra vez, y cada vez escuchas algo nuevo.

Disco recomendado


La verdad es que Elliott Smith sabía cómo escribir una canción. Guitarras acústicas brillantes y discretas, arreglos con letras que te golpean profundamente el alma. Este era Smith en sus comienzos de carrera en solitario, explorando y expandiendo los planos de los Beatles de la mejor manera posible. Un disco maravilloso.

Video del tema "Needle in the Hay":

Tracklist (canciones):

1.         "Needle in the Hay"   4:16
2.         "Christian Brothers"   4:30
3.         "Clementine"  2:46
4.         "Southern Belle"         3:06
5.         "Single File"    2:26
6.         "Coming Up Roses"   3:10
7.         "Satellite"        2:25
8.         "Alphabet Town"       4:11
9.         "St. Ides Heaven"       3:00
10.       "Good to Go" 2:24
11.       "The White Lady Loves You More" 2:24
12.       "The Biggest Lie"       2:39

Músicos:

  • Elliott Smith: voz, guitarras acústicas, batería (2, 6, 9), guitarra eléctrica (6, 7, 10), pandereta (3), órgano de aire (6), armónica (8), violonchelo (11)

Personal adicional:

  •  Neil Gust: guitarra eléctrica ("Single File"), fotografía de la portada
  • Rebecca Gates: coros ("St. Ides Heaven")

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG - Déjà Vu - Album

Hace poco escuché un joven comentar que la música de los artistas "Crosby, Stills & Nash y Neil Young" era para "gente mayor". Sorprendente, pero el joven no estaba diciendo nada malo, ya que la gente de menos de 35-40 años ni siquiera sabría de esta gran banda, y mucho menos apreciaría su música. Desde su perspectiva se algo que suena en la radio de "oldies".

Con este telón de fondo y siguiendo la filosofía de este blog de música, quiero dar espacio al álbum "Déjà Vu" de Crosby, Stills & Nash y Neil Young, y espero que sea un descubrimiento para el lector más joven y un maravilloso recuerdo para el aficionado a la música de más edad.

Album Déjà Vu

 
Este es el segundo álbum de estudio del grupo de folk rock estadounidense "Crosby, Stills & Nash, y el primero como cuarteto con Neil Young" que fue publicado el 11 de marzo de 1970.

Este disco define una generación, "Déjà Vu" de Crosby, Stills, Nash & Young no solo encabezó la lista de ventas, existe en una categoría propia. Por lo tanto, no es solo un disco; es una poderosa instantánea de un movimiento al borde del colapso. Para quienes vivieron esa época, captura tanto los altibajos de una generación del "flower power" que vio cómo sus ideales comenzaban a desmoronarse.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG - Déjà Vu - Album

Grabar "Déjà Vu" no fue tarea fácil; fue un maratón emocional. Stephen Stills una vez lo comparó con "sacarle los dientes". No obstante, cada canción está llena de capas de la clase de complejidad que solo surge cuando los propios músicos luchan con algo interior. Ellos también se enfrentaban a sus propias luchas, David Crosby, por ejemplo, estaba de duelo por una tragedia personal, tras haber perdido a su novia en un accidente de coche. Ese dolor se filtra en el LP, añadiendo un peso que los oyentes no siempre podrán identificar, pero que sin duda pueden sentir.

Stephan Stills comienza el álbum con "Carry On", escrita en ocho horas, pero es un viaje en sí mismo. El intrincado trabajo de guitarra y las letras parecen ir y venir entre la resiliencia y una aceptación agridulce del cambio. Y luego está "4+20", donde lo reduce todo a su voz y guitarra, pintando una cruda imagen de soledad y dificultades. Este tipo de vulnerabilidad desnuda es lo que hace que "Déjà Vu" resuene entre los oyentes incluso hoy.

Neil Young, por su parte, aporta una profundidad más oscura y folk al álbum con "Helpless". Su voz y letras sencillas capturan un anhelo que es difícil de sacudir, añadiendo un marcado contraste a las armonías más suaves de sus compañeros de banda. Las canciones de Young no sólo complementan el álbum, sino que lo fundamentan, dándole una crudeza que evita que parezca demasiado pulido o idealizado.

"Almost Cut My Hair" de David Crosby es un himno en sí mismo, un grito de rebelión sin filtro en un momento en el que el desafío de la contracultura se enfrentaba a una resistencia cada vez mayor. La voz de Crosby se quiebra con un desafío crudo, encarnando el espíritu desvanecido pero inquebrantable del movimiento. Y luego está Graham Nash con "Teach Your Children", que aporta una calidez más suave y esperanzadora que nos recuerda los ideales comunitarios que definieron los años 60 (siglo XX). Su "Our House" parece una carta de amor, una imagen de la vida doméstica que de alguna manera encaja perfectamente con los temas más importantes del álbum: la esperanza y la pérdida.

La canción principal, "Déjà Vu", lleva las cosas en una dirección casi metafísica. Las reflexiones de Crosby sobre los ciclos de la vida la convierten en una de las canciones más experimentales del disco. Es una meditación sobre los ciclos y ecos de la vida, y le da al LP una calidad atemporal.

CROSBY, STILLS, NASH & YOUNG

Y luego está "Woodstock", la canción que Joni Mitchell escribió para el festival al que no pudo asistir, pero cuya esencia capturó a la perfección. Interpretada por CSNY, es un himno unificador que completa el álbum con un sueño fugaz. Neil Young señaló más tarde que, si bien la canción se pulió en el estudio, es posible que haya perdido algo de su crudeza. Aun así, se mantiene como un grito de guerra para una generación; tanto una celebración como un lamento. 

En resumen, "Déjà Vu" está lleno de contrastes: es personal pero universal, esperanzador pero lleno de una sensación de pérdida. El álbum salió cuando tanto el mundo como la banda parecían entender, conscientemente o no, que las cosas estaban cambiando. La música era su forma de aferrarse a algo que se estaba escapando.

Disco recomendado

 
Para los más “viejos”, Déjà Vu es una marca de tiempo, un fragmento de un movimiento que quiso cambiar el mundo y tal vez no lo logró del todo. Para quienes lo conozcan más tarde, es una invitación a perderse en armonías e historias tan cautivadoras como hermosas.

Es un clásico de la música rock y una verdadera obra maestra que algunos lectores más jóvenes pueden pensar que es "música de viejos", pero es un modelo de lo que se perdió en el tiempo.

Video del tema "Carry On":

Tracklist (formato LP original):

Cara A:

1.         "Carry On"                 4:26
2.         "Teach Your Children"                      2:53
3.         "Almost Cut My Hair"                       4:31
4.         "Helpless"                   3:33
5.         "Woodstock"              3:54

Cara B:

1.         "Déjà Vu"                   4:12
2.         "Our House"               2:59
3.         "4 + 20"                      2:06
4.         "Country Girl"

a. "Whiskey Boot Hill"

b. "Down, Down, Down"

c. "Country Girl (I Think You’re Pretty)" 5:11

5.         "Everybody I Love You"       2:21

Banda - musicos:

  • David Crosby – voz en todos los temas excepto "4+20"; guitarra rítmica en "Almost Cut My Hair", "Woodstock", "Déjà Vu", "Country Girl" y "Everybody I Love You"

  • Stephen Stills – voz en todos los temas excepto "Almost Cut My Hair"; guitarra en todos los temas excepto "Our House"; bajo en "Carry On", "Teach Your Children" y "Déjà Vu"; teclados en "Déjà Vu" y "Everybody I Love You"; órgano en "Carry On" y "Woodstock"; piano en "Helpless" y "Country Girl"; percusión en "Carry On"

  • Graham Nash – voz en todos los temas excepto "Almost Cut My Hair" y "4+20"; piano en "Woodstock" y "Our House"; clavicémbalo en "Our House"; órgano en "Almost Cut My Hair"; guitarra rítmica en "Teach Your Children" y "Country Girl"; percusión en "Carry On" y "Country Girl"; pandereta en "Teach Your Children"

  • Neil Young: voz en "Helpless" y "Country Girl"; guitarras en "Almost Cut My Hair", "Helpless", "Woodstock" y "Country Girl"; órgano de tubos, armónica y vibráfono en "Country Girl"; órgano en "Country Girl" y "Everybody I Love You"

Músicos adicionales:

  • Greg Reeves: bajo en "Almost Cut My Hair", "Helpless", "Woodstock", "Déjà Vu", "Our House", "Country Girl" y "Everybody I Love You"
  • Dallas Taylor: batería en todas las pistas excepto "Teach Your Children" y "4+20"; pandereta en "Teach Your Children"
  • Jerry Garcia – pedal steel guitar en "Teach Your Children"
  • John Sebastian – armónica en "Déjà Vu"

Producción:

Crosby, Stills, Nash & Young – productores

THE CURE - Songs of a Lost World - Album

Después de casi cincuenta años redefiniendo la melancolía, "The Cure" ha regalado a sus fans "Songs of a Lost World", su nuevo álbum de estudio.

Un blog post para recomendarlo porque es una verdadera sorpresa y un maravilloso disco de melancolía oscura.

ALBUM: Songs of a Lost World

 
Este es el decimocuarto álbum de estudio de la banda de rock inglesa The Cure, que se publicó el 1 de noviembre de 2024. Es el primer lanzamiento de material nuevo de la banda en 16 años desde de "4:13 Dream" en 2008. Todas las canciones del álbum están compuestas únicamente por el cantante y guitarrista Robert Smith, por primera vez desde el disco de 1985 "The Head on the Door".

No es solo un "nuevo disco", es un trabajo crudo y reflexivo que profundiza en temas de pérdida, mortalidad y aislamiento. De una manera que solo The Cure puede hacer, el disco revisita la grandeza sombría que definió el magnífico "Disintegration" en 1989, restableciendo a THE CURE como arquitectos de paisajes sonoros musicales oscuros e inmersivos.

THE CURE - Songs of a Lost World - Album (2024)

Desde la primera canción "Alone", sabes que te espera un viaje musical. El corte se desenreda lentamente, con capas de sintetizadores y un ritmo similar al latido del corazón que te transporta a un lugar vasto y desolado. Justo cuando estás completamente inmerso, la voz de Robert Smith irrumpe a través de un susurro fantasmal que te lleva más profundamente. Con una duración de casi siete minutos, "Alone" prepara el escenario para el resto del viaje de 50 minutos hacia la oscuridad, la oscuridad de The Cure.

Esta vez, la banda se aleja de su estilo más ligero, con influencias pop, para crear algo sin filtros y orgánico. En esencia, "Songs of a Lost World" trata sobre el dolor. Tomemos como ejemplo el tema "I Can Never Say Goodbye", un desgarrador homenaje al difunto hermano de Smith. Su voz, tan inquietante como siempre, captura una vulnerabilidad que golpea fuerte. Es como si su voz no hubiera envejecido, solo se hubiera vuelto más profunda, cargando con el peso de décadas de vida, amor y pérdida.

Por primera vez desde el LP "The Head on the Door" en 1985, Smith ha tomado el control total de la composición y los arreglos. Cada canción se siente como una página arrancada de su alma, historias escritas por un hombre que ha enfrentado un verdadero dolor. Desde tragedias personales hasta problemas de salud que han afectado a la banda, "Songs of a Lost World" es un viaje íntimo y cohesivo. Las canciones fluyen una tras otra, cada una única pero intrincadamente conectada, creando un tapiz de la propia historia de Smith.

Sin embargo, el álbum no se detiene solo en la introspección. Canciones como "Warsong" y "Drone" aumentan la intensidad, con el bajo de Simon Gallup vibrando como un latido del corazón. Hay una corriente subyacente de tensión, una energía más pesada, casi primaria, que sumerge el álbum en la oscuridad. Y luego viene el cierre de diez minutos, "Endsong", con Smith cantando versos inquietantes.

THE CURE (Banda)

Si bien canaliza la misma emoción melancólica que "Disintegration", "Songs of a Lost World" es todo menos una repetición. Es el sonido de The Cure mirando hacia atrás y avanzando, una meditación oscura y poética sobre el envejecimiento y la pérdida. La voz de Smith se fusiona con sintetizadores y guitarras densos, creando una especie de tiempo suspendido que se siente como un puente entre su apogeo de los años 80 y la actualidad.

Disco recomendado

 
"Songs of a Lost World" es más que solo música; es una declaración de resiliencia. The Cure no necesita vivir de glorias pasadas; este disco demuestra que todavía están aquí, siguen evolucionando, siguen atreviéndose a sumergirse en las partes más oscuras de la experiencia humana. Atemporal pero conmovedoramente consciente del paso del tiempo, es una obra que resuena con cada nota, cada línea, un recordatorio inquietante de que algunas cosas, como el verdadero arte, nunca se desvanecen.

Este es un disco imprescindible para los fans de "The Cure" y a la vez será un descubrimiento para los jóvenes que aún no conocen a esta legendaria banda de rock gótico y alternativo. Estarás tentado a llamarlo un disco de regreso, sin embargo es una verdadera joya, un firme candidato a lo Mejor de 2024.

Video de tema "A Fragile Thing":

Tracklist:

1.         "Alone"           6:48
2.         "And Nothing Is Forever" 6:53
3.         "A Fragile Thing"       4:43
4.         "Warsong"      4:17
5.         "Drone:Nodrone"       4:45
6.         "I Can Never Say Goodbye" 6:03
7.         "All I Ever Am"         5:21
8.         "Endsong"      10:23

(Banda):

  • Robert Smith: voz, guitarra, bajo de seis cuerdas, teclados, composición, arreglos, producción, mezcla, asistencia en la grabación, concepto de portada, Pictures of Stone
  • Simon Gallup: bajo
  • Jason Cooper: batería, percusión
  • Roger O'Donnell: teclados
  • Reeves Gabrels: guitarra

Producción:

Paul Corkett: producción, grabación, mezcla